France

Circa 1850

Marbre

Hauteur : 110 cm ; Diamètre : 52 cm

Vasque en marbre blanc, sur piédouche balustre sculpté. La large coupe à bord roulé, dont la panse extérieure est sculptée en bas-relief de rinceaux floraux, fleurons et feuilles d’acanthe couronne un fût orné de cannelures droites, surmontées d’un col à rosaces, et décoré de guirlandes de fleurs et de rubans noués sculptées. Taillé en marbre brèche orangé veiné, le socle octogonal à pans coupés, rehaussé d’une moulure en doucine, repose sur une base en marbre noir Portor.

Compte tenu de sa forme, de son bassin, et de ses dimensions, cette vasque provient probablement d’une église où elle était utilisée comme bénitier. Un bénitier est un bassin contenant de l’eau bénite, mis à la disposition des fidèles dans les églises catholiques.

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Compagnie des marbres Onyx d’Algérie (1879-1886)

Jardinière Japonisante

France – Circa 1880

Gravée Sté des onyx ; H. Journet & Cie ; 24 Bd Italiens ; 3167

Bronze doré, Onyx d’Algérie

Hauteur : 30 cm ; Largeur : 32 cm ; Profondeur : 28 cm

Belle jardinière en onyx rubané d’Algérie montée de bronze doré. Reposant sur quatre pieds reliés par des tabliers au cul-de-lampe dans un répertoire japonisant fantasmé, cette jardinière dispose de deux anses en bronze doré, chacune retenue à la panse par une gueule de chien de Phô. Le corps se resserre vers le col et s’évase en une frise tournante de lambrequins japonisants.

Elle est signée en dessous d’un cachet « Sté des onyx ; H. Journet & Cie ; 24 Bd Italiens ; 3167 » qui indique l’origine de l’onyx, sa monture en bronze doré et le numéro de modèle.

Biographie

La Compagnie des Marbres Onyx d’Algérie, dirigée par Gustave Viot (1828 – 1897), et créée par Alphonse Pallu (1808-1880) le 14 juin 1858. Cette compagnie se réfère à l’exploitation de l’onyx, connu depuis l’Antiquité et redécouvert en 1849 dans la province d’Oran en Algérie par Del Monte, un marbrier. Elle ouvrit en 1863 un magasin au n°24 du Boulevard des Italiens à Paris. Au milieu des années 1860, le nom de la compagnie changea pour « G. Viot & Cie » and produisit à partir de modèles de sculpteurs renommés, tels Eugène Cornu, Albert Carrier-Belleuse (1824-1887) (Victoria & Albert Museum, Inv. 9070-1863), Charles Cordier (1827-1905)(Orsay, Inv. RF 2996) ou Louis-Ernest Barrias (1841-1905) (Orsay, Inv. RF 1409) des œuvres décoratives de grand luxe ayant pour particularité d’associer l’onyx au bronze, et parfois l’émail. Ils présentèrent ainsi sur leur stand à l’Exposition Universelle de Paris en 1867, une impressionnante paire de vases en onyx, bronze et émail avec leurs sellettes à figures d’éléphants (signée « G. Viot et Cie, Exposition de 1867, Eugène Cornu Inventeur » ; Catalogue Officiel de l’Exposition, groupe III, classe XIV, « meubles de luxe », n°65) qui admirée du jury, leur rapporta une médaille d’or (Rapports du Jury International, Exposition Universelle de 1867 à Paris, 1868, t. III, groupe III, classe XV, chapitre II, § 2, p°45 & 46). En janvier 1879, Henri Journet devient gérant de la compagnie, toujours située au 24 Boulevard des Italiens, qu’il renomme Henri Journet et Cie. Il participera à l’exposition de 1884 au Palais de l’industrie où sa production sera une nouvelle fois acclamée. Début 1886, la compagnie fermera ses portes.

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Éditeur de mobilier et d’objets d’art
(Maison active de 1799 à 1885)
(attribué à)

Vase aux Tritons

France
Circa 1860

Cristal, Bronze

Hauteur : 86,5 cm ; Diamètre base : 30 cm

Grand vase de forme amphore à pans coupés en cristal rouge rubis. Il est rehaussé d’un dense réseau de décors peints à l’or fin arabesques, fleurons, entrelacs. Le col, élancé et légèrement évasé, est décoré d’une monture en bronze doré d’arabesques, de rinceaux, de motifs floraux et de grands fleurons étoilés à sa base. Deux tritons en ronde-bosse ornent les côtés ; leurs corps se prolongent en feuilles d’acanthe et de leurs bras jaillissent les anses en volutes végétales.

L’ensemble repose sur un piédestal en bronze ciselé et doré composé de trois parties : un socle orné d’une frise de palmettes entrelacées, surmonté de figures soutenant des festons décoratifs, et terminé par une collerette à décor de feuilles d’eau.

Biographie

Alphonse Giroux et Cie, célèbre magasin de tabletterie et de curiosités situé à Paris, 7 rue du Coq-Saint-Honoré, dont l’activité s’étend du Consulat à la fin du Second Empire. Cette entreprise est créée par François-Simon-Alphonse, puis dirigée à partir de 1838 par ses deux fils Alphonse-Gustave (1810-1886) et André (1801-1879). C’est à l’Exposition des Produits de l’Industrie en 1834, que la maison Giroux, spécialisée dans la fabrication d’objets raffinés, obtient une médaille d’argent. Louis XVIII, puis Charles X se fournissent en cadeaux chez Giroux pour « les Enfants de France ». Exécutant peu à peu des petits meubles, ils apparaissent pour la première fois en 1837 sous la rubrique « Ebénistes » dans l’Almanach de Paris. Cependant, c’est Alphonse-Gustave qui donne véritablement de l’expansion à leur activité, comme en témoigne le rapport du jury de l’Exposition des Produits de l’Industrie de 1839, le récompensant d’une Médaille d’argent. Il figure alors au 1er rang des commerces de luxe. A. Giroux participe à l’Exposition Universelle de Paris en 1855, où il présente un bonheur-du-jour en tilleul, sculpté d’un décor naturaliste luxuriant, et que l’impératrice Eugénie achète pour son palais de Compiègne. A. Giroux transfère en 1857 sa boutique 43, boulevard des Capucines et y exerce jusqu’en 1867, date à laquelle il cède sa maison et son enseigne à son cousin Ferdinand Duvinage et Harinkouck.

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Créateur et Marchand-éditeur
(attribué à)

Jardinière

Chine, époque Daoguang (1820-1850)
France, circa 1875

Bronze, Émail

Hauteur : 41,5 cm ; Largeur : 50 cm ; Profondeur : 34 cm

Élégante jardinière formée d’une coupe en émail polychrome, à monture en bronze patiné et doré. Elle repose sur quatre pieds en volute à tête d’éléphant dans une patine noire à rehauts dorés sur les parties saillantes. Les pachydermes sont reliés par des lambrequins orientalisants ajourés et dorés, suspendus à une succession de frises, parmi lesquelles perles, médaillons ou encore rais-de-cœur. La panse présente un élégant décor émaillé à fond bleu cloisonné d’or aux motifs de branches fleuries et papillons. Se démarquent deux médaillons à fond noir, ornés du même répertoire iconographique. Les anses prennent la forme de deux dragons orientaux en bronze, patinés et dorés à l’instar des éléphants constituant les pieds. Les créatures sont retenues à la lèvre de la jardinière par leur queue.

Longue est la tradition européenne de monter en bronze toutes variétés d’objets, de la noix de coco au nautile ou encore les porcelaines chinoises. Le travail du bronzier était alors de sublimer ces curiosités et chefs-d’œuvre venus d’ailleurs. Héritiers de cette pratique, les fondeurs et artisans bronziers de la fin du XIXe siècle ne dérogèrent pas à la règle : Barbedienne, Maison Marnyhac ou encore l’Escalier de cristal sont tant de firmes qui s’adonnèrent à cette pratique, l’adaptant au goût de l’époque. De ce fait, nombre d’objets émaillés à fond bleu et à décor de fleurs caractéristiques de la production chinoise du XIXe siècle furent montés, comme des tables à thé, des guéridons, ou des jardinières.

biographie

L’Escalier de Cristal, ancienne et célèbre maison parisienne, spécialisée dans la céramique et la verrerie, mais proposant également du mobilier, des bronzes d’art et d’ameublement, avait été reprise à partir de 1885 – jusqu’en 1923 – par les fils d’Emile Pannier qui constituèrent Pannier Frères, à l’angle des rues Scribe et Auber, à côté du nouvel Opéra. Leurs créations d’inspiration extrême-orientale étaient entre autres grandement appréciées du public et de la critique. La maison remporta de multiples récompenses et médailles aux différentes expositions, dont la médaille d’or à l’Exposition Universelle de Paris en 1900. Dans le domaine du mobilier influencé par l’Extrême-Orient, Majorelle de Nancy, Edouard Lièvre ou Gabriel Viardot collaborèrent également au succès des Frères Pannier. Certaines de leurs œuvres sont visibles dans les plus grands musées, tels que celui de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg, le Musée d’Orsay ou le Corning Museum of Glass de New York. La maison étant parfois propriétaire exclusive des modèles, ses meubles et objets décoratifs n’étaient souvent signés que par l’Escalier de Cristal, quelquefois à côté de la signature de l’artiste. Elle avait aussi un véritable rôle créateur en personnalisant ces œuvres par de superbes bronzes dorés, des plaques en émail cloisonné, des plaques de verre à décor japonisant ou incluant également des éléments japonais authentiques.

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Bronzier (Actif de 1853 à 1918)
(attribué à)

Paire de Brûle-Parfums

France
Circa 1870

Améthyste, Bronze doré

Hauteur : 37 cm ; Diamètre : 13 cm

Belle paire de brûle-parfums de style Louis XVI en améthyste, agrémentée d’une élégante monture en bronze finement ciselé et doré. La panse de forme ovoïde, est surmonté d’un couvercle à prise en bronze doré, et ceinturée d’une galerie ajourée ornée d’une frise de feuilles de chêne, et se termine par un décor de feuillages centré d’un motif de graine. Ils sont agrémentés de trois montants sommés de têtes de bélier tenant un anneau torsadé formant les anses, et se terminent par des sabots feuillagés, reposant sur une base tripode moulurée et concave décorée d’une frise de feuilles d’eau.

Réputée pour la qualité de sa ciselure et le choix des matériaux, la Maison Millet disposait d’un grand atelier où travaillaient de nombreux ouvriers, utilisait ses propres maîtres-modèles de bronze et bénéficiait de collaboration avec de célèbres sculpteurs et bronziers comme Claude Marioton. 

Vue d’un stand de la Maison Millet présentant un modèle de brûle-parfums à têtes de bélier similaire aux nôtres.

Biographie

La maison Millet T. fut fondée à Paris en 1853. Spécialiste de grand talent dans la reproduction de mobilier du XVIII^e siècle, Millet exécuta des meubles et des bronzes d’art de très haute qualité. Il fut l’un des très rares ébénistes à obtenir l’autorisation du château de Versailles pour réaliser la réplique du célèbre serre-bijoux de la reine Marie-Antoinette. Artiste de grand mérite, il obtint les plus hautes récompenses, telle la Médaille d’Or à l’Exposition Universelle de Paris en 1889 durant laquelle il expose pour la première fois, ou le Grand Prix à l’Exposition Universelle de 1900. Les archives photographiques montrent, parmi les vues d’atelier et de son magasin parisien, le stand de Millet à l’Exposition Universelle de Saint-Louis (Etats-Unis) en 1904. Le rayonnement de cette maison à l’international se fait alors par le biais de son antenne à New-York « Duryea and Potter » 469 fifth avenue, New-York. La Maison Millet subsista jusqu’en 1918.

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Italie
Circa 1860

Bois doré et noirci

Hauteur : 180 cm ; Diamètre : 65 cm

Cette jardinière d’apparat, en bois sculpté, noirci et richement doré, s’inscrit avec éloquence dans la tradition décorative italienne du XIXe siècle, où l’éclectisme historiciste puise à la fois dans les répertoires du baroque tardif et du néo-Renaissance.
Cette jardinière présente une structure architecturée, à fût élancé à trois pans, décorés de réserves ornées de motifs néo-gothiques stylisés tels des cartouches trilobés et des encadrements architecturés soulignés par des filets dorés et accueillant en partie basse des grandes feuilles stylisées. À mi-hauteur, une large coupe circulaire forme un plateau destiné à recueillir ou soutenir un élément décoratif (pot, composition florale). Elle est soulignée d’une frise de godrons dorés. Au-dessus, un piédouche cannelé est surmonté d’une bague ornée de pointes et de guirlandes florales finement ciselées soutenant une nouvelle coupe à godrons dorés. Le sommet de la jardinière prend la forme d’une corbeille ajourée, traitée comme une couronne gothique. Les découpes en arcatures trilobées et en motifs flamboyants, rehaussées d’une polychromie rouge en fond. Ce contraste entre l’or éclatant et le rouge profond accentue la dimension théâtrale de l’objet et rappelle certains meubles liturgiques ou pièces d’apparat inspirées de l’architecture religieuse.
Elle repose sur une base polygonale à pans coupés, accueillant trois bassins pour y disposer des fleurs. Des médaillons ovales en relief figurent un profil féminin idéalisé évoquant une allégorie, traité à la manière des camées antiques et encadrés de rinceaux feuillagés dorés.

L’ensemble témoigne d’un goût prononcé pour la polychromie et le contraste, caractéristique de certaines productions italiennes, notamment dans des centres comme la Lombardie ou la Toscane, où les artisans du XIXe siècle excellaient dans l’art du bois sculpté et doré. Cette jardinière, au-delà de sa fonction utilitaire, apparaît avant tout comme un objet de prestige, destiné à orner un intérieur raffiné et à dialoguer avec d’autres pièces décoratives dans un ensemble éclectique. Par sa richesse ornementale, sa composition hiérarchisée et la qualité de son exécution, elle illustre parfaitement cette période où l’objet décoratif devient un véritable manifeste esthétique, à la croisée de l’architecture, de la sculpture et des arts décoratifs.

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Horloger (1842-1921)

«Allégorie de la Fidélité à Henri IV»

Cadran signé « Planchon à Paris » 

France
Circa 1880

Bronze doré, Marbre

Hauteur : 46 cm ; Largeur : 30 cm ; Profondeur : 17 cm

Belle pendule en marbre blanc et bronze ciselé et doré représentant une figure féminine drapée à l’antique tenant deux cœurs dans sa main droite, soutenant un médaillon à profil d’Henri IV, figure royale idéalisée. Celui-ci est posé sur une colonne tronquée et cannelée en marbre accueillant le cadran émaillé, à chiffres arabes pour les heures et minuterie périphérique, encadré d’une guirlande de fleurs nouée et de laurier.
À droite, un enfant jouant avec un chien constitue un symbole explicite de fidélité (le chien étant l’attribut traditionnel de cette vertu).
Elle repose sur une base moulurée à décor de guirlandes de roses et de laurier dans des encadrements perlés sur fond noir, le tout reposant sur 6 pieds boules feuillagés.

Cette association permet de lire la composition comme une allégorie de la Fidélité envers Henri IV, roi perçu au XVIIIᵉ siècle comme modèle de bon gouvernement et de concorde nationale.

Ce thème s’inscrit dans un courant iconographique bien attesté : les pendules de la fin de l’Ancien Régime utilisent fréquemment des figures féminines et enfantines pour exprimer des vertus morales ou politiques. Cette pendule constitue une reprise historiciste d’un modèle conçu dans les années 1780, moment où l’horlogerie parisienne atteint un sommet d’intégration entre sculpture, architecture et symbolique morale.

Œuvre en relation

Ce modèle, très populaire au XVIIIe siècle et qui a été probablement créé par le marchand-mercier Daguerre, a été décliné de nombreuses fois sur des thématiques différentes, comme cette Pendule Allégorie de l’Amitié et Loyauté signée Montjoye à Paris, circa 1780 conservée au Museum of Art de Philadelphia (reproduite dans H. Ottomeyer, Vergoldete Bronzen, T. I, Klinkhardt & Biermann, Munich, 1986, p° 245).

Le Metropolitan Museum of Art de New-York en conserve également un exemplaire signé « Charles Dutertre à Paris », sur lequel le médaillon est manquant (n° inventaire 43.163.24a et b).

biographie

Matthieu Planchon (1842-1921), né à Bourges, fut apprenti chez son père également horloger et fit son tour de France en 1862. Il acquit le fonds de l’horloger Adrien Philippe en 1870. Répertorié rue Vielle du Temple en 1880, en 1890, il est établi Galerie Montpensier au Palais Royal. Subissant l’influence de l’architecte Viollet-le-Duc (1814-1879), il se spécialisa quelques temps dans le style néo-gothique puis il créa un style connu sous le nom de « style Planchon », inspiré des styles de l’Ancien Régime.
En 1889, il utilisait comme marque de fabrique la devise des horlogers du parisiens du XVIIe siècle : « Solis mendaces arguit horas » (Les heures du soleil sont menteuses). En 1899, il prit comme collaborateur son gendre Paul Brateau. Il publia plusieurs ouvrages et fit en 1900 le rapport sur le Musée Rétrospectif de l’Exposition, et mourut en 1921. Brateau lui succéda et le magasin situé Chaussée d’Antin depuis 1900 fut transféré en 1930 rue Meyerbeer, et cessa toute activité en 1936.

bibliographie

•  Tardy, Dictionnaire des Horlogers Français, Paris, 1972, p. 525

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Coupe Fleurie aux Tritons

France
Circa 1870

Porcelaine, Bronze doré

Hauteur : 30 cm ; Largeur : 35,5 cm ; Profondeur : 25 cm

Belle coupe en porcelaine polychrome à fond turquoise inspiré du « bleu céleste » de Sèvres, enrichi d’un décor doré de semis losangés ponctués de fleurettes, entourant des cartouches réservés, à encadrement rocaille doré, représentant des bouquets floraux polychromes de roses, pensées, myosotis peints avec une grande délicatesse naturaliste. L’intérieur de la coupe, laissé en fond blanc, est orné de guirlandes de fleurs et de bouquets.
Elle est enchâssée dans une riche monture en bronze ciselé et doré composée de deux anses latérales en enroulements de feuilles d’acanthes soulignées de perles et surmontant des têtes de satyre, un piédouche godronné à décor de feuilles de laurier reposant sur une base quadripode figurant des tritons en position d’atlantes allongés sur des volutes asymétriques d’inspiration rocaille. 

Cette coupe, appartenant à la grande tradition des objets montés, renvoie à une production du XIXᵉ siècle, dans le goût du XVIIIᵉ siècle (plus particulièrement le style Louis XV), caractérisée par l’exubérance du décor rocaille (asymétrie, rinceaux, tritons), la combinaison de matériaux précieux (porcelaine et bronze doré), et le goût pour les objets de centre de table spectaculaires. Elle s’inscrit dans une production abondante mais souvent très raffinée, oscillant entre imitation de la manufacture royale de Sèvres et créations originales destinées à une clientèle bourgeoise ou aristocratique, sensible au luxe et à la virtuosité technique.

biographie

La Porcelaine de Paris, plus communément appelée « Vieux Paris », est une porcelaine à pâte dure, d’un blanc pur, laiteux, très brillant, décorée en peinture et très souvent en or. Il y avait à Paris des fabriques de porcelaine, d’un très haut niveau, avec leur marque bien définie. Mais on décorait, surtout, dans les ateliers, les blancs cuits dans la région de Limoges ou de la banlieue parisienne. 

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Dessinateur & Sculpteur
(1827-1875)                             

G. Viot et Cie

Compagnie des Marbres Onyx d’Algérie
(active 2^nde moitié du XIXe siècle)

(attribué à)

Jardinière orientaliste

France
Circa 1870

Email, Bronze doré, Onyx d’Algérie

Hauteur : 17 cm ; Longueur : 44,5 cm ; Profondeur : 24,5 cm

Belle jardinière orientaliste de forme rectangulaire en onyx d’Algérie et bronze ciselé et doré. La partie supérieure, en forme d’arabesque, est soulignée d’une frise de feuilles d’eau. Des cartouches rectangulaires en creux et carrés en relief accueillent des plaques en bronze doré à décor stylisé en émail cloisonné d’inspiration persane composé d’entrelacs et motifs géométriques dans une palette vive de bleus turquoise, roses, verts. Agrémentée sur les petits côtés de cabochons moulurés en onyx ornés de deux fleurons finissant en pointe, elle repose sur quatre pieds griffe en bronze doré.

Cette jardinière se présente comme un objet d’apparat caractéristique des productions d’arts décoratifs de la seconde moitié du XIXe siècle, où le goût pour l’exotisme et les matériaux précieux s’inscrit dans une esthétique historiciste et éclectique. Elle témoigne du raffinement technique et de l’intérêt pour l’orientalisme qui marquent le Second Empire

Biographie

Le sculpteur Eugène Cornu (1827-1899), installé 29 rue Popincourt à Paris, travailla tout d’abord comme dessinateur et directeur des travaux de la maison Tahan (1813-1892), avant de travailler à partir de 1858, en étroite collaboration avec la Compagnie des Marbres Onyx d’Algérie, dirigée par Gustave Viot (1828-1897), et créée par Alphonse Pallu (1808-1880) le 14 juin 1858. Cette compagnie se réfère à l’exploitation de l’onyx, connu depuis l’Antiquité et redécouvert en 1849 dans la province d’Oran en Algérie par Del Monte, un marbrier. Elle ouvrit en 1863 un magasin au n°24 du Boulevard des Italiens à Paris. Au milieu des années 1860, le nom de la compagnie changea pour « G. Viot & Cie » and produisit à partir de modèles de sculpteurs renommés, tels Eugène Cornu, Albert Carrier-Belleuse (1824-1887) (Victoria & Albert Museum, Inv. 9070-1863), Charles Cordier (1827-1905)(Orsay, Inv. RF 2996) ou Louis-Ernest Barrias (1841-1905) (Orsay, Inv. RF 1409) des œuvres décoratives de grand luxe ayant pour particularité d’associer l’onyx au bronze, et parfois l’émail. Ils présentèrent ainsi sur leur stand à l’Exposition Universelle de Paris en 1867, une impressionnante paire de vases en onyx, bronze et émail avec leurs sellettes à figures d’éléphants (signée « G. Viot et Cie, Exposition de 1867, Eugène Cornu Inventeur » ; Catalogue Officiel de l’Exposition, groupe III, classe XIV, « meubles de luxe », n°65) qui admirée du jury, leur rapporta une médaille d’or (Rapports du Jury International, Exposition Universelle de 1867 à Paris, 1868, t. III, groupe III, classe XV, chapitre II, § 2, p°45 & 46). Vers 1873 Eugène Cornu devint le directeur de la Compagnie qui prit alors le nom de Société des Onyx d’Algérie E. Cornu et Cie. Vers 1878, la société fut ensuite dirigée par H. Journet dont elle prit le nom. La société resta ouverte jusqu’au début du XXe siècle.

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France
Circa 1840

Bronze doré

Hauteur : 33,5 cm ; Diamètre : 38 cm

Belle coupe en bronze ciselé et doré composée d’un bassin à bordure ajourée d’une grande finesse à décor de rinceaux, arabesques et motifs végétaux entrelacés. Le contraste entre les pleins et les vides accentue le jeu de la lumière sur la dorure, animant la surface d’un miroitement subtil.
Le fût central est décoré de quatre figures féminines en ronde-bosse soutenant la coupe. Drapées à l’antique, elles évoquent les Saisons, chacune tenant des attributs végétaux, guirlandes, fleurs ou fruits, symboles d’abondance et de fécondité. Leur attitude à léger contrapposto, la délicatesse des chevelures relevées et tressées, ainsi que la fluidité des drapés renvoient à l’esthétique classicisante de la Renaissance florentine, relue ici à travers le prisme académique du XIXᵉ siècle. Elle repose sur une base carrée à pans coupés, finissant par quatre agrafes feuillagées terminées par un enroulement.

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Manufacture de Porcelaine

Paire de Vases

France – datés 1890

Porcelaine, Bronze doré

Hauteur : 38,5 cm ; Diamètre : 15 cm  

Cette paire de vases de forme balustre en porcelaine dite « bleu de Sèvres » ou « gros bleu » est ornée d’une élégante monture en bronze ciselé et doré composée d’un col à large mouluration godronnée, d’appliques latérales figurant des chutes de laurier et de rubans noués, suspendues à un bouton feuillagé et repose sur un piédouche circulaire, légèrement évasé, ceint d’une frise de feuilles d’eau stylisées. 

L’ornementation emprunte clairement au vocabulaire décoratif du règne de Louis XVI : guirlandes tombantes, nœuds rubanés, frises godronnées. Toutefois, l’ampleur des proportions, la saturation chromatique et la richesse de la monture relèvent d’une sensibilité historiciste propre au XIXᵉ siècle, plus que d’un strict néoclassicisme du XVIIIᵉ siècle.

Biographie

La Manufacture de Sèvres, centre de production de porcelaine à pâte tendre, est créée vers 1738 à Vincennes par des banquiers et financiers dans l’espoir de découvrir le secret de la porcelaine à pâte dure, déjà connu à Meissen. En 1753 Louis XV, roi de France, devient le principal actionnaire de la manufacture, qu’il transfert à Sèvres, alors plus proche de Versailles et du château de Bellevue, propriété de la Marquise de Pompadour. La Marquise, très intéressée par les recherches de Sèvres, encourage et soutient la production. En 1759, le Roi devient le seul actionnaire de la Manufacture devenue propriété de la Couronne. A partir de cette date, les œuvres sorties des ateliers de Sèvres sont signées du chiffre royal, deux « L » entrelacés, ainsi que d’une lettre indiquant l’année de fabrication. De 1756 à 1779, la manufacture connaît ses années fastes. Louis XV, afin d’aider Sèvres, fait de somptueuses commandes qu’il offre en présents diplomatiques. Les plus grands artistes de l’époque, comme le peintre Boucher, ou le sculpteur Falconet, travaillent pour Sèvres. Les recherches afin de trouver la technique de fabrication de la porcelaine à pâte dure se poursuivent et aboutissent après 1769. A partir de cette date, la Manufacture produit avec succès la porcelaine à pâte tendre et la porcelaine à pâte dure, et diversifie sa gamme colorée avec le bleu lapis (1752), le bleu céleste (1753), le vert (1756), le rose (1757) et le bleu royal (1763). Les plus belles pièces sont ornées de scènes inspirées des gravures d’après les plus grands peintres, et décorées de guirlandes, bouquets de fleurs, trophées, dorures… Cette production de luxe se perpétue au XIXe siècle, avec de nouveaux artistes, mais en réutilisant également un certain nombre de modèles.

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Manufacture de Cristal
(attribué à)

Paire de Vases « aux Oiseaux »

France
Circa 1880

Opaline, Bronze doré

Hauteur : 35,5 cm ; Largeur : 16 cm ; Profondeur : 12 cm

Belle paire de vases en opaline de forme balustre d’inspiration japonisante, ornée d’une monture en bronze ciselé et doré à l’imitation du bambou, prolongée sur le col par deux anses mobiles en anneaux. Le corps est en opaline translucide à dominante gris nuagé, à rehauts d’or accentuant la profondeur optique. Le décor se développe sur la panse et représente deux oiseaux aux plumages rouge, vert, jaune et violet, traités avec une précision naturaliste dans le rendu des plumes, tandis que leur posture demeure décorative et symétrique. Ils sont perchés sur un cartouche stylisé bleu turquoise orné de grecques simplifiées, au milieu de branches fleuries de fleurs jaunes accompagnées de feuillages verts finement cernés. L’ensemble repose sur quatre double-pieds en bambou stylisé.

L’association d’un verre opalin nuagé et de la monture en bronze doré d’inspiration japonisante  renvoie à une production de luxe destinée à l’ameublement bourgeois ou aristocratique. Ce type d’objet s’inscrit dans la vogue du japonisme qui marque les arts décoratifs français à partir des années 1860–1880. Les montures en bronze doré, par leur traitement finement ciselé et leur rôle structurant, s’inscrivent dans la tradition des objets montés, pratique héritée du XVIIIe siècle 

Biographie

La célèbre cristallerie de Baccarat, dont l’origine remonte au XVIIIe s., remporte sa première médaille d’or, à l’occasion de l’Exposition des Produits de l’Industrie de 1823, où elle est saluée pour “l’éclat et la finesse du cristal” et devient la première cristallerie de France. Baccarat est sans nul doute la seule industrie française qui est alors constamment et magistralement représentée au cours des différentes expositions auxquelles elle participe, remportant de ce fait les honneurs et de prestigieuses récompenses. Un maître-mot, “la perfection de la matière et de la taille”, revient dans tous les rapports d’Expositions Universelles entre 1855 et 1867, où la cristallerie Baccarat domine par la qualité de son cristal, jugé supérieur à ceux de Bohême et d’Angleterre. Afin de fidéliser ses clients fortunés, parmi lesquels figure bien évidemment les membres de la Famille Royale, Baccarat se doit de découvrir et lancer de nouvelles modes, de nouveaux décors ainsi que de nouvelles matières.

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Bronzier (actif de 1831 à 1864)

Paire de jardinières aux Amours

Signée H. PICARD

France – Circa 1860

Bronze doré

Hauteur : 20,5 cm ; Longueur : 64 cm ; Largeur : 37 cm

Belle paire de jardinières en bronze ciselé et doré de forme ovale, à doublure intérieure lisse. Elles sont ornées en relief, et mises en valeur par un subtil jeu de bruni et d’amati, de rinceaux feuillagés, enroulements asymétriques, coquilles et agrafes structurant la composition selon un rythme symétrique centré. Au centre se détachent deux amours ailés, traités en ronde-bosse, enlacés dans un geste tendre. Leur modelé souple, chairs pleines, visages aux traits arrondis, chevelures bouclées, témoigne d’une volonté de naturalisme tempérée par l’idéalisation académique. Une seconde paire d’amours, disposée en pendant répètent le même geste. Ils surmontent un médaillon représentant Vénus. Les anses latérales, ajourées et asymétriques, se déploient en larges volutes végétales, peuplées de fleurs et de feuillages, dans un esprit clairement rocaille. Le piètement, formé d’enroulements feuillagés reposant sur de petits appuis discrets, confère à l’ensemble une légèreté visuelle malgré la densité du décor.
Le vocabulaire décoratif emprunte au style Louis XV pour la dynamique des lignes et l’abondance des rinceaux, tandis que la composition générale, strictement axiale et équilibrée, révèle une rationalité héritée du néoclassicisme. Cette synthèse est caractéristique des productions de bronziers parisiens du XIXᵉ siècle, dans le contexte du goût pour le XVIIIᵉ siècle ravivé sous le Second Empire.

Le thème des amours renvoie à une iconographie d’origine antique, réinterprétée à la Renaissance puis largement diffusée dans les arts décoratifs français. Symbole d’amour, d’abondance ou de félicité domestique, leur présence est particulièrement adaptée à une jardinière, objet associé à la culture des fleurs et à l’ornement des intérieurs bourgeois. Destinée à recevoir des compositions florales, des plantes d’ornement ou de fruits, ces jardinières relevaient d’un mobilier d’apparat, probablement conçue pour un salon ou un boudoir. Elle témoigne du goût pour les pièces spectaculaires, à la fois utilitaires et sculpturales, qui participaient à la mise en scène du luxe domestique.

Biographie

Henri Picard (actif 1831-1864), doreur et bronzier, s’installa à Paris, au 6 rue de Jarente de 1831 à 1839 ; puis, au 10 rue de la Perle de 1840 à 1864. Il réalisa la dorure des Petits Appartements de Napoléon III au Palais de Louvre. Il exécuta des œuvres très diverses, comme un encrier Japonisant, ou des centres de table de style Pompéien. Henri Picard gagna sa réputation pour la grande qualité de ses jardinières et garnitures de cheminée.

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Italie
Circa 1890

Bois peint

Hauteur : 212 cm ; Largeur : 130 cm

Ce grand miroir à parcloses en bois sculpté et polychrome se distingue par une composition architecturée et très décorative, inspirée des styles baroque et rocaille, particulièrement appréciés en Italie à cette période.
Le cadre, richement sculpté, est orné d’un abondant décor de feuillages, de fleurs et de rinceaux, traités en relief et rehaussés d’une polychromie aux tons naturels — verts, roses et ocres — contrastant élégamment avec les parties dorées. La crête ajourée, au sommet, présente un important motif de volutes feuillagées symétriques, encadrant un décor central élancé qui accentue la verticalité de l’ensemble.
Les parcloses latérales et supérieures, finement moulurées, structurent le miroir principal et amplifient la réflexion lumineuse, tout en renforçant la monumentalité de la pièce. La base du cadre est ornée d’une guirlande florale sculptée, agrémentée de fleurs et de feuillages retombants, reposant sur de petits pieds sculptés, conférant stabilité et élégance.

L’ensemble témoigne d’un travail de grande qualité, caractéristique de la production décorative italienne de la fin du XIXᵉ siècle, mêlant virtuosité de la sculpture, richesse ornementale et goût théâtral. Ce miroir était destiné à un intérieur d’apparat, où il jouait autant un rôle décoratif que fonctionnel.

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Manufacture de Porcelaine

Paire de Vases cornets

Allemagne
Circa 1880

Porcelaine

Hauteur : 51 cm ; Diamètre : 24 cm

Belle paire de vases en porcelaine de forme cornet, s’évasant largement vers le haut en une corolle élégante. La base, légèrement renflée, repose sur un piédouche circulaire souligné d’un filet d’or.
Ils sont composés d’un décor compartimenté alternant réserves blanches et fonds colorés. Le fond rose soutenu, traité en motif d’écailles superposées, évoque le célèbre décor dit “Schuppenmuster” (motif d’écailles), fréquemment employé à Meissen au XVIIIᵉ siècle et repris au XIXᵉ dans un esprit historiciste. Ce treillis régulier, peint en dégradé de rose carmin à rose pâle, crée un effet de profondeur optique. Des cartouches de style rocaille, composés de volutes et de feuilles d’acanthe dorées, encadrent les scènes florales et délimitent les zones colorées.
Le corps des vases est orné d’un décor polychrome d’une grande finesse, illustrant un bouquet naturaliste asymétrique. On y distingue des pivoines, des anémones, des tulipes et des fleurs des champs. Pour renforcer le naturalisme, l’artiste a parsemé la surface de petits insectes volants (coléoptères, papillons), une pratique typique de Meissen.

La base présente la marque aux deux épées croisées peintes en bleu sous couverte, emblème de la manufacture de Meissen depuis 1722. La présence de caractères ou de chiffres d’atelier à proximité de la marque, pourrait correspondre à une variante ou à une marque d’atelier/postérieure, ce qui suggère une production du XIXᵉ siècle dans le goût du XVIIIᵉ, période durant laquelle la manufacture produisit de nombreuses réinterprétations historicistes de ses modèles rococo.

commentaire

Créée par Auguste Le Fort en 1710, la manufacture de Meissen fut la première manufacture de porcelaine en Europe à rivaliser avec a production jusqu’alors venue de Chine, après la découverte par le chimiste Frédéric Bottger en 1709 des principes de la fabrication de la porcelaine et de l’indispensable kaolin.
Dès ses débuts, cette manufacture a su imposer son style grâce à des artisans talentueux et à l’utilisation de techniques complexes. Parmi les plus célèbres sculpteurs, Johann Gottlieb Kirchner et Johann Joachim Kaendler, qui ont marqué l’histoire de Meissen avec leurs figurines animalières et leurs sculptures miniatures d’une grande finesse.
Les porcelaines de Meissen sont caractérisées par une pâte dure, offrant une blancheur unique, souvent décorée à la main avec des émaux polychromes ou des dorures délicates. Les décors sont souvent inspirés de la nature, de scènes de chasse, ou encore de motifs rococo, très en vogue au XVIIIe siècle. On retrouve également des pièces ornées de fleurs et d’oiseaux, comme en témoignent certaines collections de services de table ou d’objets d’apparat, créées pour l’aristocratie européenne.

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Dessinateur & Sculpteur (1827-1899)
(attribué à)

Paire de vases « rouleaux »

France
Circa 1870

Onyx, Bronze doré et argenté

Hauteur : 27,5 cm ; Largeur : 16,5 cm ; Profondeur : 15 cm

Cette belle paire de vases de forme rouleau est constituée de corps cylindriques en onyx, cerclés d’une monture en bronze ciselé à rehauts dorés et argentés, formant un élégant contraste chromatique. La partie supérieure est ceinte d’une galerie ajourée à décor de rinceaux et de motifs stylisés. De part et d’autre sont fixées des anses mobiles à décor d’enroulements. Ils reposent sur des bases circulaires, ornées de fleurs de cerisier, soutenues par pieds en volutes soulignés de motifs floraux et de feuilles stylisées.

Par leurs proportions élancées, l’association maîtrisée de l’onyx et du bronze, ces vases peuvent être attribués à Eugène Cornu (1827–1899), bronzier parisien reconnu pour ses productions associant pierres dures et bronzes d’ameublement de grand luxe. Ces œuvres s’inscrivent pleinement dans la tradition des objets décoratifs de prestige destinés à l’ornementation de salons et d’intérieurs bourgeois ou aristocratiques à la fin du XIXᵉ siècle.

biographie

Le sculpteur Eugène Cornu (1827-1899), installé 29 rue Popincourt à Paris, travailla tout d’abord comme dessinateur et directeur des travaux de la maison Tahan (1813-1892), avant de travailler à partir de 1858, en étroite collaboration avec la Compagnie des Marbres Onyx d’Algérie, dirigée par Gustave Viot (1828-1897), et créée par Alphonse Pallu (1808-1880) le 14 juin 1858. Cette compagnie se réfère à l’exploitation de l’onyx, connu depuis l’Antiquité et redécouvert en 1849 dans la province d’Oran en Algérie par Del Monte, un marbrier.
Elle ouvrit en 1863 un magasin au n°24 du Boulevard des Italiens à Paris. Au milieu des années 1860, le nom de la compagnie changea pour « G. Viot & Cie » and produisit à partir de modèles de sculpteurs renommés, tels Eugène Cornu, Albert Carrier-Belleuse (1824-1887) (Victoria & Albert Museum, Inv. 9070-1863), Charles Cordier (1827-1905)(Orsay, Inv. RF 2996) ou Louis-Ernest Barrias (1841-1905) (Orsay, Inv. RF 1409) des œuvres décoratives de grand luxe ayant pour particularité d’associer l’onyx au bronze, et parfois l’émail. Ils présentèrent ainsi sur leur stand à l’Exposition Universelle de Paris en 1867, une impressionnante paire de vases en onyx, bronze et émail avec leurs sellettes à figures d’éléphants (signée « G. Viot et Cie, Exposition de 1867, Eugène Cornu Inventeur » ; Catalogue Officiel de l’Exposition, groupe III, classe XIV, « meubles de luxe », n°65) qui admirée du jury, leur rapporta une médaille d’or (Rapports du Jury International, Exposition Universelle de 1867 à Paris, 1868, t. III, groupe III, classe XV, chapitre II, § 2, p°45 & 46). Vers 1873 Eugène Cornu devint le directeur de la Compagnie qui prit alors le nom de Société des Onyx d’Algérie E. Cornu et Cie. Vers 1878, la société fut ensuite dirigée par H. Journet dont elle prit le nom. La société resta ouverte jusqu’au début du XXe siècle.

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Manufacture de Céramique (1845-1895) 

A. de Caranza

Dessinateur (1843-1914)
(attribué à)                                                                     

Coupe de présentation

Marque de J.Vieillard & Cie à Bordeaux

France
Circa 1880

Faïence, Bronze doré

Hauteur : 11 cm ; Diamètre : 38 cm

Belle coupe circulaire en faïence, à décor polychrome peint sous glaçure et rehaussé de filets brun manganèse. Le marli et le fond sont ornés d’un riche décor compartimenté d’inspiration historiciste, alternant cartouches rectangulaires et médaillons circulaires. Ces derniers présentent des figures zoomorphes stylisées (lions et chimères affrontés), exécutées en noir sur fond blanc cerclé de bleu turquoise, évoquant un répertoire héraldique et néo-Renaissance.
Le centre est occupé par un large médaillon circulaire polychrome figurant un écu armorié surmonté d’un heaume. Le médaillon central est encadré d’un motif architecturé noir et ocre rappelant le cuir découpé, aux volutes et ressauts marqués, se détachant sur un fond brun-rouge dense couvert d’un décor végétal répétitif à rinceaux et feuillages.
Une large frise circulaire bleu turquoise à rinceaux noirs sépare le décor central du marli. La palette chromatique — bleu turquoise, noir, brun rouge, ocre et blanc — est caractéristique des productions de la manufacture Jules Vieillard & Cie, qui s’inspire ici des faïences italiennes de la Renaissance et des arts décoratifs hispano-mauresques, réinterprétés dans un langage éclectique propre au XIXᵉ siècle.
La coupe est enchâssée dans une monture en bronze doré ciselé et ajouré, formant une bordure à décor ajouré de rinceaux et d’entrelacs réguliers reposant sur trois pieds à tête de chien finissant par des enroulements. 

Cette monture, contemporaine de l’objet, témoigne de la pratique consistant à magnifier les faïences décoratives par des montures en bronze doré, destinées à une présentation de prestige dans un contexte bourgeois ou collectionneur. L’ensemble illustre le haut niveau technique et décoratif atteint par la manufacture bordelaise sous la direction de Jules Vieillard, ainsi que son goût pour les références historiques savantes adaptées aux arts décoratifs de son temps.

Biographie

À Bordeaux, la faïence fine connaît un grand développement au début du XIXe siècle, à partir de la création par Boudon de Saint-Amans d’une manufacture qu’il cède rapidement à David Johnston. Celui-ci ouvre une manufacture à Bacalan qui va avoir jusqu’à 700 ouvriers. La production est alors industrielle, avec des décors imprimés aux motifs et couleurs. Jules Vieillard succède à David Johnston, en 1845, et son action est déterminante dans le succès industriel de la manufacture de Bacalan mais aussi dans la qualité artistique d’une production qui fut unanimement célébrée au moment des célèbres Expositions universelles d’où le nom communément donné à ces faïences de « Vieillard ». Dans sa dernière période, Jules Vieillard développe un exceptionnel orientalisme. En 1865 ses fils, Charles et Albert, prennent sa suite sous la raison sociale de Manufacture Jules Vieillard et C^ie, et produisent des motifs très variés avec tout spécialement des fleurs et des oiseaux. Cependant, si les décors imprimés ne sont pas complètement abandonnés, leur qualité laisse à désirer. Ils décident alors de renouveler les formes, s’orientant vers des pièces décoratives désormais à la mode comme les lampes, les cache-pots, ou les vases. Quant aux décors, ils connaissent à leur tour une renaissance, grâce à l’arrivée d’Amédée de Caranza vers 1875, un céramiste venu de Longwy, où il y avait lancé dès 1872 ses fameux « Emaux de Longwy », selon un procédé de décor d’émaux cloisonnés. Ses décors veulent alors surtout évoquer l’éclat des objets persans ou japonisants. Parti chez le concurrent bordelais, Longwy ne garde pas longtemps son exclusivité. Caranza, devenu chef d’atelier à la manufacture Vieillard en 1882, qui connaît un nouvel élan, puis la quitte probablement en 1885. L’usine Vieillard ferme en 1895.

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Élégante paire de Vases

France
Circa 1860

Porcelaine

Hauteur : 51 cm ; Diamètre : 18 cm

Paire de vases de forme balustre, en porcelaine dure, reposant sur un pied circulaire mouluré et s’évasant vers un col à lèvre plate soulignée d’un filet doré. Chaque vase est pourvu de deux anses latérales appliquées, à décor ajouré et doré, de profil chantourné, s’inscrivant dans le vocabulaire ornemental historiciste du milieu du XIXᵉ siècle.
La surface est couverte d’un fond bleu profond, richement rehaussé d’un décor doré composé de rinceaux feuillagés, volutes, treillages et motifs floraux stylisés. Le décor est organisé autour de larges réserves ovales cernées de frises dorées.
Sur une face de chaque vase, les réserves présentent des scènes animalières et ornithologiques peintes en polychromie, figurant des oiseaux exotiques dans des paysages idéalisés, traités avec une grande précision naturaliste et une palette subtile, évoquant l’influence des recueils zoologiques et des décors orientalistes alors en vogue. Sur les faces opposées, les réserves sont ornées de bouquets floraux luxuriants, composés de roses, dahlias, pivoines et fleurs de jardin, rendus avec un sens aigu du modelé, de la transparence des pétales et des dégradés chromatiques, caractéristiques de la peinture de fleurs sur porcelaine de haute qualité.

L’alternance des décors — scènes d’oiseaux et compositions florales — ainsi que la symétrie générale de l’ornementation confèrent à cette paire une forte unité visuelle, tout en soulignant la virtuosité technique des peintres et doreurs. L’ensemble témoigne du savoir-faire de la manufacture de Valentine, active au XIXᵉ siècle et réputée pour ses productions luxueuses destinées à une clientèle bourgeoise et aristocratique, s’inscrivant dans la tradition française des porcelaines d’apparat, héritière à la fois des modèles de Sèvres et du goût éclectique du Second Empire.

La manufacture dite de Valentine est une manufacture de porcelaine fondée en 1832, à la suite de la découverte d’un filon de kaolin dans les Pyrénées centrales, à Saint-Gaudens. Elle est la seule fabrique de porcelaine du sud de la France. Chassés par des ennuis politiques, d’anciens faïenciers de Moustiers-Sainte-Marie (Alpes-de-Haute-Provence) fondent une manufacture à Toulouse, au début du XIXe siècle. Dès 1820, cette manufacture « Fouque et Arnoux, fabricants de faïence, place Saint-Sernin à Toulouse », compte soixante-dix ouvriers et une annexe à Saint-Gaudens, sur les bords de la Garonne, où les deux fabriques seront regroupées en 1832. Cette manufacture employant jusqu’à 250 ouvriers dans les années 1850 fait alors face à la colline de Valentine où les 6 fours de la fabrique se ravitaillent en bois, et dont les porcelaines prendront le nom. Ces “porcelaines de Valentine”, produites à Saint-Gaudens jusqu’en 1878, sont à pâte dure, d’un blanc pur, laiteux, à émail très brillant, et dont les fameux “Bleus de Valentine” sont colorés au bleu de cobalt. Les décors sont très souvent enrichis de bouquets floraux et de filets d’or peints sur l’émail.

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Bassin à Lotus

Japon
Circa 1720-1750

Porcelaine, Bronze doré

Hauteur : 52 cm ; Diamètre : 56 cm

Important bassin à lotus à décor polychrome rouge fer, bleu cobalt et or, dit de la gamme Imari Kinrande. Formé en deux parties, le bassin et le piédouche, le tout décoré de fleurs stylisées, pivoines et chrysanthèmes, encadrées de cartouches rectangulaires sur fond à treillis hexagonal, typique de la période Edo (1603-1868). L’intérieur, émaillé de blanc, est percé d’un trou d’évacuation central, indiquant une fonction initiale de bassin à lotus. Le tout repose sur un socle en bronze doré et ciselé, français de la fin du XIXe siècle.

Biographie

La porcelaine d’Imari est un style de céramique né vers 1600 dans la région d’Arita (有田町), cité de potiers de l’île de Kyūshū, au Sud du Japon.
 Selon la tradition, c’est un coréen du nom de Ri Sampei, installé dans la région, qui exploita un gisement de kaolin situé au pied de la colline de l’Izumiyama. Il réussit la fusion du kaolin, vers 1400 °C, pour obtenir de la porcelaine semblable à celle des Chinois mettant fin à un monopole qui était vieux de plus de sept siècles. Cette porcelaine se caractérise par un décor utilisant trois couleurs: le bleu de cobalt, le rouge de fer et le fond blanc de la porcelaine, l’ensemble étant réhaussé d’or. Elle présente surtout des motifs floraux et a été appelée « Imari » du nom du port de l’île de Kyùshù, d’où elle était exportée, à quelques kilomètres d’Arita. Ce sont les difficultés d’approvisionnement en Chine (dues aux troubles politiques au XVIIe siècle) qui incitèrent les occidentaux à trouver d’autres sources de production et c’est ainsi que les Hollandais, avec leur Compagnie Orientale des Provinces-Unies, importèrent du Japon, les premiers Imaris. Ces porcelaines étaient exportées à destination des élites européennes — rois, princes, nobles et grands marchands — qui les collectionnaient comme symboles de richesse, de raffinement et d’ouverture au monde.

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Bronzier (1815-1903)
(attribué à)

Centre de table aux Marmottes

France
Circa 1840

Bronze doré

Hauteur : 39,5 cm ; Diamètre : 32,5 cm ; Socle : 30 x 30 cm

Élégant centre de table d’époque Louis-Philippe, à riche décor en bronze ciselé et doré d’inspiration Renaissance. Formé d’une coupe à décor d’entrelacs doublée d’un bassin en zinc reposant sur un piédouche à décor de palmettes autour duquel tournent 3 marmottes posées sur des enroulements, prolongé par 3 médaillons à l’imitation de cuir découpé centrés d’un cabochon pouvant accueillir des armoiries ou un monogramme. L’ensemble se termine par une base tripode décorée de guirlandes de fruits et finissant par des enroulements feuillagés.

Le dessin de ce centre de table, de grande qualité, est attribué à Michel Liénard (1810-1870), qui collabora de manière régulière avec Guillaume Grohé, de 1839 à 1855 environ. Parmi ses commanditaires, on compte l’orfèvre François-Désiré Froment-Meurice (1802-1855) notamment pour la toilette de la duchesse de Parme conservée au Musée d’Orsay, et le facteur d’orgues Aristide Cavaillé-Coll (1811-1899). Ce dessinateur et sculpteur de grand talent fut décoré de la Légion d’honneur en 1851.

Contexte historique et artistique

Les centres et nefs de tables sont présents en France dès le Moyen-âge afin de présenter les épices et autres condiments rapportés des lointaines contrées du pourtour méditerranéen ou issu du commerce des routes de la soie.

L’importance de leur présence sur les tables prestigieuses sera confirmée tout au long des arts décoratifs, évoluant au cours du XIXème siècle en surtout de table, devenant un élément central de décoration. 

Biographie

Guillaume Denière (Paris, 1815-1903) est l’élève du célèbre ornemaniste Aimé Chenavard (1798-1838) et de l’architecte Henri Labrouste (1801-1875). En 1844, Denière succède à son père, établi depuis 1804, au 15 rue Vivienne à Paris. L’entreprise est alors très prospère et quatre cents ouvriers travaillent à satisfaire les nombreuses commandes du roi Louis-Philippe et de la haute bourgeoisie. Il exécute des bronzes d’ameublement, des candélabres, des pendules ainsi que des surtouts de table. Il collabore avec de nombreux artistes parmi lesquels Carrier-Belleuse (1848-1913) et Constant Sévin (1821-1888). Il livre plusieurs pendules (Génie de Arts, Liseuse et chien) pour le palais des Tuileries en 1852 ; ainsi qu’une pendule « globe » à cadrans tournants pour le Grand Salon du Château de Bagatelle. Ses centres de table, au style souple et vigoureux, comme en témoigne le surtout du Duc d’Orléans (1842), sont alors salués par la critique. Ses œuvres sont très souvent remarquées aux Expositions Universelles, à tel point que l’Empereur Napoléon III lui achète à l’exposition parisienne de 1867 une garniture de cheminée. Sa renommée s’étend à travers le monde. Parmi ses plus prestigieuses commandes, Denière livre un spectaculaire surtout en bronze en 1854 à l’ambassadeur de Russie, Kisselef, et des bronzes décoratifs au Vice-Roi d’Egypte, Saïd Pacha en 1862 ainsi qu’au roi du Cambodge, Norodom 1er (Grilles de la Salle du Trône).

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Bronzier (1815-1903)
(attribué à)                                                                

Coupe aux Amours

France
Circa 1870

Bronze doré et argenté, Cristal

Hauteur : 23 cm ; Longueur : 46,5 cm ; Profondeur : 34 cm

Belle coupe de forme ovale à bords évasés, en cristal gravé à décor d’entrelacs fleuris. Elle est enserrée dans une élégante monture ajourée en bronze ciselé et doré à décor végétal gravé prolongée d’un piédouche perlé. L’ensemble repose sur une base quadrilobée à gradins, sur laquelle sont assis deux amours atlantes en bronze argenté tenant un drapé, ornée d’un côté d’un cartouche monogrammé et de l’autre d’une palmette.

Biographie

Guillaume Denière (Paris, 1815-1903) est l’élève du célèbre ornemaniste Aimé Chenavard (1798-1838) et de l’architecte Henri Labrouste (1801-1875). En 1844, Denière succède à son père, établi depuis 1804, au 15 rue Vivienne à Paris. L’entreprise est alors très prospère et quatre cents ouvriers travaillent à satisfaire les nombreuses commandes du roi Louis-Philippe et de la haute bourgeoisie. Il exécute des bronzes d’ameublement, des candélabres, des pendules ainsi que des surtouts de table. Il collabore avec de nombreux artistes parmi lesquels Carrier-Belleuse (1848-1913) et Constant Sévin (1821-1888). Il livre plusieurs pendules (Génie de Arts, Liseuse et chien) pour le palais des Tuileries en 1852 ; ainsi qu’une pendule « globe » à cadrans tournants pour le Grand Salon du Château de Bagatelle. Ses centres de table, au style souple et vigoureux, comme en témoigne le surtout du Duc d’Orléans (1842), sont alors salués par la critique. Ses œuvres sont très souvent remarquées aux Expositions Universelles, à tel point que l’Empereur Napoléon III lui achète à l’exposition parisienne de 1867 une garniture de cheminée. Sa renommée s’étend à travers le monde. Parmi ses plus prestigieuses commandes, Denière livre un spectaculaire surtout en bronze en 1854 à l’ambassadeur de Russie, Kisselef, et des bronzes décoratifs au Vice-Roi d’Egypte, Saïd Pacha en 1862 ainsi qu’au roi du Cambodge, Norodom 1^er (Grilles de la Salle du Trône).

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Bronzier (Actif de 1853 à 1918)
(attribué à)

Paire de Cassolettes

France
Circa 1870

Granit, Bronze doré

Hauteur : 47,5 cm ; Largeur : 29 cm ; Profondeur : 24 cm

Paire de cassolettes de forme galbée à godrons saillants, en granit vert et bronze ciselé et doré d’inspiration Louis XV dans le goût rocaille. Le couvercle est sommé d’une prise en forme de grenade éclatée entourée de pommes de pins, raisins et grenades, le corps flanqué de larges anses à enroulements d’où émergent des roseaux et qui se rattachent au col bordé de feuilles et de palmettes. Ils reposent sur une base mouvementée et ajourée à décor d’enroulements feuillagés. 

Œuvre en relation

Vase en porphyre et bronze doré, vers 1750, Musée du Louvre, OA 5152
Provenant probablement de la collection du duc de Tallard que le marquis de Marigny proposa de vendre à la Couronne en 1778.
Reproduit dans « Les bronzes dorés français du XVIIIe siècle », Pierre Verlet, Picard, 1987, p.62

Biographie

La maison Millet T. fut fondée à Paris en 1853. Spécialiste de grand talent dans la reproduction de mobilier du XVIII^e siècle, Millet exécuta des meubles et des bronzes d’art de très haute qualité. Il fut l’un des très rares ébénistes à obtenir l’autorisation du château de Versailles pour réaliser la réplique du célèbre serre-bijoux de la reine Marie-Antoinette. Artiste de grand mérite, il obtint les plus hautes récompenses, telle la Médaille d’Or à l’Exposition Universelle de Paris en 1889 durant laquelle il expose pour la première fois, ou le Grand Prix à l’Exposition Universelle de 1900. Les archives photographiques montrent, parmi les vues d’atelier et de son magasin parisien, le stand de Millet à l’Exposition Universelle de Saint-Louis (Etats-Unis) en 1904. Le rayonnement de cette maison à l’international se fait alors par le biais de son antenne à New-York « Duryea and Potter » 469 fifth avenue, New-York. La Maison Millet subsista jusqu’en 1918.

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France
Circa 1880

Chêne

Hauteur : 228 cm ; Largeur : 96 cm

Rare paire de portes en chêne maillé sculptées en haut relief. Elles sont composées d’un encadrement de frises de canaux et ornées chacune de trois caissons moulurés à table saillante, décoré d’un médaillon centré d’acanthes, d’une rosette et d’une tête de lion. L’arrière de ces portes est également mouluré en écho aux caissons de l’autre face.

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Bronzier (1815-1903)

Pendule « Cage »

Signée Denière Ft. de Bronzes/ A Paris

Caisse signée H. PICARD

France
Circa 1860

Bronze doré

Hauteur : 87 cm ; Largeur : 58 cm ; Profondeur : 24 cm

Grande et rare pendule cage de style Louis XVI en bronze ciselé et doré, de forme rectangulaire soulignée de frises de feuilles d’eau et de perles, à parois vitrées ornées de draperies à gland et feuillages enrubannés. Le cadran circulaire émaillé blanc à décor de guirlandes de fleurs indique les heures et minutes en chiffres arabes. Il est surmonté d’une cassolette flanquée de griffons tenant une guirlande de pampres dans leur bec. Le balancier est formé d’un masque d’Apollon rayonnant. Deux montants à enroulements de feuilles d’acanthe, de vignes et de corne d’abondance se terminant par des pieds en sabot encadrent la caisse, supportée par une sphinge ailée portant une guirlande de fleurs. L’ensemble repose sur un socle mouluré à décor de frises de postes finissant par des pieds en forme de cornes d’abondance.

Après près d’un siècle d’activité, l’entreprise Denière ferma ses portes et vendit aux enchères son stock lors de six ventes organisées entre février et décembre 1903, et donna à l’acheteur le droit de reproduire les modèles de l’entreprise. Le modèle actuel, décrit comme une « pendule à cage », fut acquis par François Linke lors de la troisième vente aux enchères tenue entre le 20 et le 22 octobre 1903, qui reproduisit ce modèle avec succès.

Pendule reprenant le modèle de Denière, provenant des archives photographiques de F. Linke

Biographie

Guillaume Denière (Paris, 1815-1903) est l’élève du célèbre ornemaniste Aimé Chenavard (1798-1838) et de l’architecte Henri Labrouste (1801-1875). En 1844, Denière succède à son père, établi depuis 1804, au 15 rue Vivienne à Paris. L’entreprise est alors très prospère et quatre cents ouvriers travaillent à satisfaire les nombreuses commandes du roi Louis-Philippe et de la haute bourgeoisie. Il exécute des bronzes d’ameublement, des candélabres, des pendules ainsi que des surtouts de table. Il collabore avec de nombreux artistes parmi lesquels Carrier-Belleuse (1848-1913) et Constant Sévin (1821-1888). Il livre plusieurs pendules (Génie de Arts, Liseuse et chien) pour le palais des Tuileries en 1852 ; ainsi qu’une pendule « globe » à cadrans tournants pour le Grand Salon du Château de Bagatelle. Ses centres de table, au style souple et vigoureux, comme en témoigne le surtout du Duc d’Orléans (1842), sont alors salués par la critique. Ses œuvres sont très souvent remarquées aux Expositions Universelles, à tel point que l’Empereur Napoléon III lui achète à l’exposition parisienne de 1867 une garniture de cheminée. Sa renommée s’étend à travers le monde. Parmi ses plus prestigieuses commandes, Denière livre un spectaculaire surtout en bronze en 1854 à l’ambassadeur de Russie, Kisselef, et des bronzes décoratifs au Vice-Roi d’Egypte, Saïd Pacha en 1862 ainsi qu’au roi du Cambodge, Norodom 1^er (Grilles de la Salle du Trône).

Henri Picard, doreur et bronzier, s’installa à Paris, au 6 rue de Jarente de 1831 à 1839 ; puis, au 10 rue de la Perle de 1840 à 1864. Il réalisa la dorure des Petits Appartements de Napoléon III au Palais de Louvre. Il exécuta des œuvres très diverses, comme un encrier Japonisant, ou des centres de table de style Pompéien. H. Picard gagna sa réputation pour la grande qualité de ses jardinières et garnitures de cheminée.

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Ebéniste et bronzier
(1847-1919)

Pendule « Le Couronnement de la Science » 

Signée sur le cadran A. Beurdeley Paris
Mécanisme signé J LEFEBVRE FILS PARIS

France
Circa 1880

Bronze patiné et doré, Marbre

Hauteur : 55 cm ; Longueur : 58,5 cm ; Profondeur : 19 cm

Rare pendule de style Louis XVI en bronze ciselé patiné et doré au mercure et en marbre blanc. En forme de fronton cintré, elle est décorée par quatre Amours, deux portant une guirlande de fleurs soulignant le cadran, et deux autres se couronnant et symbolisant le couronnement de la Science. La base moulurée en marbre blanc, à double décrochement, est ornée d’un tore enrubanné, de frise de feuilles de chêne enrubannée et d’entrelacs, et repose sur six pieds boule aplatis.

œuvre en relation

En 1774, le bronzier Robert Osmond (1711-1789) imagine un premier modèle dit « à dessin d’architecture» illustrant  Le Couronnement de la Science. Également appelé Les Enfants de France, il est orné d’un putti couronnant une jeune fille dessinant avec un compas et livré à Versailles par Lépine, horloger du Roi depuis 1762, pour l’appartement de Madame Royale dans l’aile des Princes, le 28 décembre 1778.
Cette pendule est décrite dans l’inventaire consacré aux pendules de Versailles de 1787, dans le Cabinet de la Pendule des appartements du Roi à Versailles ; « 1. Une pendule de cheminée à chapiteau en bronze doré d’or moulu portée sur socle de marbre noir garni de frises à a grecque, les ornements de cette boette sont désignés par deux enfants assis sur l’entablement portant le chapiteau en forme de support, surmontée de deux génies dont l’un est couronné par l’autre, h. de 19 po. Sur 19 po ? 9 l. de large, par Charles Le Roy » 

Cette pendule s’inspire de la planche 77 du recueil de dessins d’Osmond intitulée Pièce à portail grande Architecture avec 1 génie, vers 1775

Un autre exemplaire de cette pendule par le bronzier Osmond, qualifié de pendule de cartonnier et plus proche du modèle exécuté par Beurdeley, et reproduit dans Vergoldete Bronzen P. Pröschel et H. Ottomeyer, Munich 1986, vol. I, page 229, fig. 4. 1. 9., est conservé au Musée Jacquemart André.

Biographie

Alfred-Emmanuel Beurdeley (1847-1919) fut, en 1875, le collaborateur, puis le successeur de son père, Louis-Auguste Beurdeley, l’un des principaux ébénistes du Second Empire, fabriquant essentiellement des meubles de style XVIII^e et désigné comme la « vedette » des expositions et le « préféré des familles royales et impériales ». Si Alfred réalisait le même genre de travaux que son père, il se distingua également non seulement comme un bronzier hors pair mais aussi comme l’un des plus célèbres collectionneurs d’art. Il participa brillamment à l’Exposition Universelle de 1878 où, comparé aux plus célèbres artistes de l’époque, comme Dasson, Grohé, Sauvrezy ou encore Fourdinois, il remporta la médaille d’or. Couronné de gloire, il ouvrit même une succursale à New York. En 1883, suite à sa participation très remarquée à l’Exposition Universelle d’Amsterdam, « Alfred Beurdeley, fabricant de bronzes d’art » était nommé au grade de Chevalier de l’Ordre National de la Légion d’Honneur ; il fut alors porté aux nues tant par le gouvernement que par la critique contemporaine. Sa dernière grande manifestation fut l’Exposition Universelle et Internationale de 1889 où le directeur n’hésitait pas à avancer dans son rapport que « le talent de M. Beurdeley s’impose de lui-même par la seule inspection de ses meubles ».

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Manufacture de Porcelaine

Coupe Art Nouveau

Bohême
Circa 1900

Porcelaine

Portant le cachet Royal Dux et numérotée 1252

Hauteur : 61 cm ; Longueur : 50 cm ; Profondeur : 28 cm

Grande coupe en porcelaine émaillée à rehauts dorés, représentant une nymphe assise sur une coquille telle un navire voguant sur les flots, soutenue par deux figures masculines émergeant de feuilles d’arums et nénuphars, l’un en proue tenant une conque dans les mains.

Biographie

Fondée en 1853 dans le nord de la Bohême à Dux près de Prague initialement pour produire des objets utilitaires, la manufacture fut rachetée en 1862 par Eduard Eichler (1830-1887), un artiste reconnu, ce qui marqua le début de sa prospérité. Mais c’est à partir de 1898, à la suite de son installation à Berlin, que des œuvres de qualité remarquable furent produites. Autour de 1900, cette importante manufacture réalisait des vases, des figurines, souvent des sujets féminins, dans des décors exubérants de fleurs, de feuilles sur des socles de coquillage, de fontaine… La porcelaine était laissée sous forme de biscuit, dorée ou peinte, souvent en vert. Pendant la période Art nouveau, l’entreprise connut le succès grâce à sa collaboration avec des artistes de renom tel le modeleur-décorateur Alois Hampel. La manufacture est encore en activité de nos jours.

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Bronzier et ébéniste (1825-1896)
(attribué à)

Paire de Cassolettes

France
Circa 1880

Serpentine, Bronze doré

Hauteur : 31,5 cm ; Largeur : 13 cm ; Profondeur : 11 cm

Belle paire de cassolettes de forme balustre d’inspiration Louis XVI en serpentine, enrichies d’une élégante monture en bronze ciselé et doré. Le couvercle, reposant sur une frise ajourée en bronze doré est sommé d’une prise en forme de graine. La panse est ornée de deux anses feuillagées rejoignant le piédouche, ceint d’un tore de laurier, qui repose sur une base carrée.

La serpentine est une pierre grandement appréciée dès l’Antiquité et utilisée au fil des siècles à des fins prestigieuses, sous forme de mosaïque de parement comme pour certaines pièces de la Cité du Vatican au XVIe siècle, mais également pour des objets précieux.

Urne-cassolette à anses à sirène et faunesse, Pierre Gouthière et d’après François-Joseph Bélanger, circa 1775, Musée du Louvre (OA 5178)

Biographie

Ebéniste et bronzier, Henry Dasson (1825-1896) exécuta de somptueuses copies de meubles royaux du XVIIIème siècle et quelques créations d’inspiration similaire. Ses meubles et objets d’art étaient ornés des plus beaux bronzes, dorés au mercure. Dasson acheta le fonds d’atelier du célèbre ébéniste parisien Charles Winckelsen, après sa mort en 1871, et produisit principalement dans les styles rocaille et néoclassique. Il participa brillamment aux différentes Expositions Universelles, comme à celle de 1878 à Paris, où il fut particulièrement remarqué par le jury en exposant une copie du célèbre bureau de Louis XV (original conservé au Château de Versailles), et une table de style Louis XVI, réalisée tout en bronze et considérée comme « un chef-d’œuvre de ciselure ». A l’Exposition Universelle de 1889, Dasson obtint un grand prix pour ses meubles jugés admirables. Sa grande notoriété ne subit pratiquement aucune concurrence.

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Orfèvre (depuis 1830)
(attribué à)

Coupe Soliflore Japonisante

Numérotée 574668

France
Circa 1880

Cristal, Bronze argenté et doré

Hauteur : 56 cm ; Diamètre base : 20 cm

Grande coupe soliflore d’inspiration japonisante en cristal et bronze argenté et doré. Elle est formée d’une coupe évasée surmontée d’un vase cornet, le tout en cristal gravé d’un décor de fleurs aux bordures cerclées d’un filet doré. L’ensemble est enchâssé dans une monture en bronze argenté et doré à l’imitation de bambou, reposant sur six pieds en forme de pomme de pin. 

Cette monture japonisante en forme de bambou est caractéristique du travail de la Maison Christofle qui collabora dans la 2^e moitié du XIXe siècle notamment avec les dessinateurs Émile Reiber et Édouard Lièvre, qui lui fournirent des modèles inspirés de la Chine et du Japon.

Biographie

Charles Christofle (1805-1863), après avoir dirigé une maison de bijouterie et joaillerie, fonda la maison d’orfèvrerie portant son nom. Parallèlement à son succès à l’Exposition des Produits de l’Industrie de 1839, il racheta les brevets de dorure et d’argenture par galvanoplastie à Ruolz, puis à Elkington, procédé pour lequel il obtint une nouvelle fois la médaille d’or à l’Exposition de 1844. Christofle devint alors le fournisseur attitré de la famille royale ; succès confirmé sous le Second Empire, où il est récompensé régulièrement aux Expositions Universelles. À sa mort, la maison fut conservée par son fils Paul (1838-1907) et son neveu Henri Bouilhet (1830-1910).

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Créateur & Marchand-éditeur
(attribuée à)

Pendule Orientale

France
Circa 1890

Porcelaine, Bronze 

Hauteur : 54 cm ; Largeur : 37 cm ; Profondeur : 28 cm

Rare pendule chinoisante en forme de pot couvert, en porcelaine peinte à l’imitation d’émail cloisonné chinois et agrémentée d’une monture en bronze à deux patines. Le couvercle en forme de dôme est sommé d’un chien de Fô. Un décor tournant de chrysanthèmes et pivoines et de motifs géométriques dorés sur fond bleu s’épanouit sur la panse, et de part et d’autre du cadran entouré de perles et de fleurs en bronze, deux têtes de chiens de Fô tiennent dans leur gueule les anses. L’ensemble repose sur un socle en bronze orné d’une frise d’oves et finissant par six pieds formés de têtes d’éléphant reposant sur leur trompe et de quatre tortues redressées sur leurs pattes arrière.

Biographie

L’Escalier de Cristal, ancienne et célèbre maison parisienne, spécialisée dans la céramique et la verrerie, mais proposant également du mobilier, des bronzes d’art et d’ameublement, avait été reprise à partir de 1885 – jusqu’en 1923 – par les fils d’Emile Pannier, Georges et Henri, qui constituèrent Pannier Frères, à l’angle des rues Scribe et Auber, à côté du nouvel Opéra.
Leurs créations d’inspiration extrême-orientale étaient entre autres grandement appréciées du public et de la critique. La maison remporta de multiples récompenses et médailles aux différentes expositions, dont la médaille d’or à l’Exposition Universelle de Paris en 1900. Dans le domaine du mobilier influencé par l’Extrême-Orient, Majorelle de Nancy, Edouard Lièvre ou Gabriel Viardot collaborèrent également au succès des Frères Pannier. Certaines de leurs œuvres sont visibles dans les plus grands musées, tels que celui de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg, le Musée d’Orsay ou le Corning Museum of Glass de New York. La maison étant parfois propriétaire exclusive des modèles, ses meubles et objets décoratifs n’étaient souvent signés que par l’Escalier de Cristal, quelquefois à côté de la signature de l’artiste. Elle avait aussi un véritable rôle créateur en personnalisant ces œuvres par de superbes bronzes dorés, des plaques en émail cloisonné, des plaques de verre à décor japonisant ou incluant également des éléments japonais authentiques.

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Coupe en porcelaine

Chine – France
XVIII^ème siècle (coupe) – XIXe siècle (monture)

Porcelaine, Bronze doré

Hauteur : 32 cm ; Diamètre : 36 cm

Belle coupe en porcelaine émaillée dans les tons rose-violet caractéristiques de la « Famille rose » à décor polychrome de papillons, fleurs et feuillages, et d’écailles de poisson et fond étoilé dans des cartouches délimités par des arabesques. Elle est insérée dans une monture en bronze ciselé et doré faite d’un jonc enrubanné soutenu par quatre pattes à enroulement décoré de guirlandes de laurier, le tout reposant sur une base quadrilobée à pans coupés.

Biographie

Les porcelaines de la famille rose, aussi appelées yangcai (« couleurs étrangères ») portent des décors polychromes dans lesquels dominent les tons roses.
Le décor est posé sur couverte, c’est-à-dire après une première cuisson de la porcelaine recouverte d’un émail transparent. C’est lors d’une deuxième cuisson, dite de petit feu (800°) que les couleurs sont fixées. Ce type de décor apparaît sous le règne de l’Empereur Yongzhen (1723-1736) et se développe sous le règne de l’Empereur Qianlong (1736-1796). Sa naissance est intimement liée à l’histoire des échanges entre Orient et Occident aux XVIIe et XVIIIe siècles. En effet, c’est un chimiste hollandais, nommé Andreas Cassius, qui découvre en 1650 la formule chimique permettant d’obtenir des émaux roses : il s’agit du pourpre minéral, appelé par la suite  » pourpre de Cassius « , précipité obtenu à partir de sel d’or. La Chine se procure très rapidement cette formule et utilise alors les tons roses pour les porcelaines destinées au marché intérieur mais aussi et surtout pour les produits d’exportation.
Les porcelaines de la famille rose présentent très fréquemment un motif végétal composé de fleurs et de bouquets.

Le commerce de marchandises telles que les porcelaines et épices entre une métropole et ses colonies était souvent contrôlé par une compagnie à qui l’État conférait un monopole, et qui portait le nom de Compagnie des Indes. Sous le vocable des Indes, on recensait alors tous les territoires nouveaux qui pouvaient être atteints en prenant la route de l’Est (Indes orientales) et ceux qu’on rejoignait par la route de l’Ouest, dite du Nouveau Monde (Indes occidentales).

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Elegante paire de Vases

France
Circa 1880

Porcelaine

Hauteur : 44 cm ; Diamètre : 20 cm

Ravissante paire de vases amphores en porcelaine dure de Paris, à décor tournant polychrome de lilas, roses, clématites, fuschias et autres fleurs au naturel, sur fond blanc. Le pied et le col sont rehaussés de filets dorés.

Porcelaine de Paris

Paris, capitale de l’art, de la mode et du luxe ne pouvait, lors de la découverte du Kaolin au XVIII^ème siècle vers 1765, à Saint-Yrieix-la-Perche à côté de Limoges, ne pas produire une porcelaine de prestige. La Porcelaine de Paris, plus communément appelée « Vieux Paris », est une porcelaine à pâte dure, d’un blanc pur, laiteux, très brillant, décorée par peinture et très souvent par or. Il y avait à Paris des fabriques de porcelaine, d’un très haut niveau, avec leur marque bien définie. Mais on décorait, surtout, dans les arrière-boutiques, les blancs cuits dans la région de Limoges. Sans marque, ces blancs ont souvent des lettres ou chiffres qui sont recouverts d’émail. Il ne s’agit pas de la marque d’un décorateur ou d’une fabrique. C’est tout simplement un signe que l’ouvrier faisait, avant cuisson, pour reconnaître son travail et se faire régler les pièces ainsi réalisées.

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Sculpteur (1824-1887)   

H. Journet et C^ie

Société des Onyx

Coupe aux Nymphes

Signée Carrier et H Journet et Cie, 24 bd des Italiens, Sté des Onyx et numérotée 2326

France
Circa 1878

Bronze doré et argenté, Onyx

Hauteur : 86 cm ; Diamètre base : 44 cm

Importante et rare coupe de forme circulaire en onyx rubané d’Algérie. Elle est soutenue par un tronc entouré de deux nymphes vêtues d’un drapé à l’antique en bronze argenté. Elle repose sur un socle mouluré en onyx finissant par quatre griffes en bronze doré jaillissant de têtes de lions ailés. 

Oeuvre en relation

Cette coupe, éditée par H. Journet et Cie d’après un modèle de A.-E. Carrier-Belleuse, est une variante du modèle présenté par Alphonse Pallu et Cie et Albert Carrier-Belleuse à l’Exposition Universelle de 1862, aujourd’hui conservée au Victoria and Albert Museum de Londres (Inv. 9070-1863).

Biographie

Albert-Ernest Carrier-Belleuse (1824-1887), surnommé le « Clodion du XIX^ème siècle », fut un sculpteur d’une exceptionnelle fécondité, traitant ses sujets décoratifs comme ses portraits avec la même rigueur naturaliste, pleins de charme et de vie. Il entre à l’Ecole des Beaux-Arts de Paris en 1840, où il est l’élève de David d’Angers. Dès le début des années 1860 il connaît le succès avec ses sculptures présentées au Salon des Artistes Français. Son Messie, présenté au Salon de 1867, lui vaut la médaille d’honneur et la Croix de la Légion d’Honneur. Parmi les commandes officielles, la ville de Paris, cette « nouvelle » capitale, redessinée par les soins du Baron Haussmann, se pare de quelques-unes des plus belles œuvres de Carrier-Belleuse : l’Abondance du Pavillon de Flore au Louvre (1865), ou la somptueuse décoration du célèbre hôtel particulier de la Marquise de la Païva, situé avenue des Champs-Elysées. Mais c’est surtout avec les statues-torchères du grand escalier de l’Opéra de Paris (1873), récemment construit par Charles Garnier, que Carrier-Belleuse rencontre un immense succès auprès du public parisien. Dans le catalogue de l’Exposition Universelle de 1878, il est fait éloge de son travail, et l’on dit qu’on « vient même de Londres lui demander des modèles ». Ses nombreux bustes, groupes et allégories, ainsi que ses candélabres, vases et pendules, tous d’une ciselure remarquable, connurent sous le Second Empire un succès considérable.

La Compagnie des Marbres Onyx d’Algérie, créée par Alphonse Pallu (1808-1880) le 14 juin 1858 se réfère à l’exploitation de l’onyx, connu depuis l’Antiquité et redécouvert en 1849 dans la province d’Oran en Algérie par Del Monte, un marbrier. Elle ouvrit en 1863 un magasin au n°24 du Boulevard des Italiens à Paris. Au milieu des années 1860, le nom de la compagnie changea pour « G. Viot & Cie » and produisit à partir de modèles de sculpteurs renommés, tels Eugène Cornu, Albert Carrier-Belleuse (1824-1887) (Victoria & Albert Museum, Inv. 9070-1863), Charles Cordier (1827-1905)(Orsay, Inv. RF 2996) ou Louis-Ernest Barrias (1841-1905) (Orsay, Inv. RF 1409) des œuvres décoratives de grand luxe ayant pour particularité d’associer l’onyx au bronze, et parfois l’émail. Ils présentèrent ainsi sur leur stand à l’Exposition Universelle de Paris en 1867, une impressionnante paire de vases en onyx, bronze et émail avec leurs sellettes à figures d’éléphants (signée « G. Viot et Cie, Exposition de 1867, Eugène Cornu Inventeur » ; Catalogue Officiel de l’Exposition, groupe III, classe XIV, « meubles de luxe », n°65) qui admirée du jury, leur rapporta une médaille d’or (Rapports du Jury International, Exposition Universelle de 1867 à Paris, 1868, t. III, groupe III, classe XV, chapitre II, § 2, p°45 & 46). Vers 1873 Eugène Cornu devint le directeur de la Compagnie qui prit alors le nom de Société des Onyx d’Algérie E. Cornu et Cie.
Vers 1878, la société fut ensuite dirigée par H. Journet dont elle prit le nom. La société resta ouverte jusqu’au début du XXe siècle.

Bibliographie

LE ARTI DECORATIVE ALLE GRANDI ESPOSIZIONI UNIVERSALI 1851-1900, D. Alcouffe, M. Bascou, A. Dion-Tenenbaum, P. Thiébaut, Idealibri, Milano, 1988, p. 108

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Créateur & Marchand-éditeur
(attribuée à)

Pendule « Pagode »

France
Circa 1885

Bronze 

Hauteur : 60 cm ; Largeur : 28 cm ; Profondeur : 22,5 cm

Belle pendule Japonisante en bronze patiné ajouré à rehauts dorés et argentés en forme de pagode, aux angles présentant des dragons stylisés à l’aplomb de montants à l’imitation de bambous. Le cadran, aux chiffres calligraphiés en Kanji et aux aiguilles figurant un dragon ondulant, est placé sur un portique à têtes d’éléphant, reposant sur des colonnettes, au centre d’une terrasse ceinte d’une galerie ajourée. L’ensemble repose sur une base décorée de rinceaux à quatre pieds en volutes.

Les racines du mouvement artistique connu sous le nom de « Japonisme », prennent leurs sources dans l’art japonais, mais également chinois. En effet, suite à la campagne militaire franco-anglaise menée contre l’armée impériale en Chine en 1860, les troupes françaises de Napoléon III rapportent du palais D’Été, une partie du trésor de la cour impériale chinoise, constituant dès 1863 le célèbre Musée Chinois de l’impératrice Eugénie au palais de Fontainebleau. D’abord ressenti dans la peinture, le mouvement gagne rapidement les arts décoratifs et le mobilier. Les artistes, avec une vision rêvée et idéalisée, s’inspirent de ces objets exotiques pour leurs créations, à l’inverse des ébénistes français au XVIIIème siècle qui utilisaient directement les laques chinoises sur le mobilier royal, à destination d’amateurs dont la plupart ne fouleront jamais ces contrées lointaines.

Biographie

L’Escalier de Cristal, ancienne et célèbre maison parisienne, spécialisée dans la céramique et la verrerie, mais proposant également du mobilier, des bronzes d’art et d’ameublement, avait été reprise à partir de 1885 – jusqu’en 1923 – par les fils d’Emile Pannier, Georges et Henri, qui constituèrent Pannier Frères, à l’angle des rues Scribe et Auber, à côté du nouvel Opéra.
Leurs créations d’inspiration extrême-orientale étaient entre autres grandement appréciées du public et de la critique. La maison remporta de multiples récompenses et médailles aux différentes expositions, dont la médaille d’or à l’Exposition Universelle de Paris en 1900. Dans le domaine du mobilier influencé par l’Extrême-Orient, Majorelle de Nancy, Edouard Lièvre ou Gabriel Viardot collaborèrent également au succès des Frères Pannier. Certaines de leurs œuvres sont visibles dans les plus grands musées, tels que celui de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg, le Musée d’Orsay ou le Corning Museum of Glass de New York. La maison étant parfois propriétaire exclusive des modèles, ses meubles et objets décoratifs n’étaient souvent signés que par l’Escalier de Cristal, quelquefois à côté de la signature de l’artiste. Elle avait aussi un véritable rôle créateur en personnalisant ces œuvres par de superbes bronzes dorés, des plaques en émail cloisonné, des plaques de verre à décor japonisant ou incluant également des éléments japonais authentiques.

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Manufacture de Cristal                                                        

F. Barbedienne

Bronzier (1810-1892)

(attribué à)

Coupe  « à la Tortue Dragon »

France
Circa 1890

Cristal, Bronze doré

Hauteur : 13 cm ; Longueur : 29,5 cm ; Largeur : 29,5 cm

Belle coupe de forme carrée en cristal gravé à décor de bambou et d’oiseaux. Elle repose sur une tortue dragon en bronze doré, créature légendaire chinoise au corps de dragon et carapace de tortue, symbole de puissance et de prospérité.

Biographie

La célèbre cristallerie de Baccarat, dont l’origine remonte au XVIIIe s., remporte sa première médaille d’or, à l’occasion de l’Exposition des Produits de l’Industrie de 1823, où elle est saluée pour “l’éclat et la finesse du cristal” et devient la première cristallerie de France. Baccarat est sans nul doute la seule industrie française qui est alors constamment et magistralement représentée au cours des différentes expositions auxquelles elle participe, remportant de ce fait les honneurs et de prestigieuses récompenses. Un maître-mot, “la perfection de la matière et de la taille”, revient dans tous les rapports d’Expositions Universelles entre 1855 et 1867, où la cristallerie Baccarat domine par la qualité de son cristal, jugé supérieur à ceux de Bohême et d’Angleterre. Afin de fidéliser ses clients fortunés, parmi lesquels figure bien évidemment les membres de la Famille Royale, Baccarat se doit de découvrir et lancer de nouvelles modes, de nouveaux décors ainsi que de nouvelles matières, comme le cristal opale, qui devint rapidement l’une des spécialités de Baccarat dans les années 1850.

Ferdinand Barbedienne (1810-1892) a créé et dirigé l’une des plus importantes fonderies d’art pendant la seconde moitié du XIXème siècle. Il doit sa renommée tant pour ses fontes de sculptures anciennes et modernes, dont les sujets étaient tirés des plus grands musées d’Europe, que ses bronzes originaux, dessinés dans ses ateliers. En plus de sa propre production, Barbedienne travaille pour les sculpteurs les plus renommés comme Barrias, Clésinger ou encore Carrier-Belleuse. Déjà saluée par deux grandes médailles (Council medals) à l’Exposition de Londres en 1851, la maison Barbedienne remporte à l’Exposition Universelle de 1855 à Paris, une grande médaille d’honneur. Les succès rencontrés par la maison Barbedienne dans les Expositions Internationales lui valent en conséquence de nombreuses commandes officielles, comme celle de fournir les bronzes d’ameublement pour la Maison pompéienne du Prince Napoléon-Joseph, vers 1860, avenue Montaigne à Paris. A l’Exposition Universelle de Londres en 1862, Barbedienne remporte des médailles dans trois classes différentes: meubles d’art, orfèvrerie et bronzes d’art. Nommé Officier de la Légion d’Honneur en 1867, il est fait Commandeur en 1878, suite à l’Exposition Universelle où le jury le compare à « un prince de l’Industrie et au roi du bronze ». Sa gloire ne tarit pas avec les années, puisqu’à l’Exposition Universelle de 1889, les critiques remercient Barbedienne de servir de maître aux autres bronziers, par la qualité toujours exemplaire de ses bronzes.

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Ornemaniste
(1842-1901)

F. Linke    

Ébéniste et Bronzier
(1855-1946)

(attribué à)

« La Source »

France
Circa 1890

Bronze doré

Hauteur : 26,4 cm ; Largeur : 14 cm ; Profondeur : 9 cm

Charmante pendulette en forme de cartel d’inspiration Rocaille en bronze ciselé et doré. Décor mouvementé d’inspiration marine représentant un trophée avec des rames, des dauphins, des roseaux et des fleurs sur fond de treillage. Le cadran en émail blanc est surmonté d’une allégorie de la Source personnifiée par un Amour déversant l’eau d’un pot et tenant une rame. Finissant par quatre pieds cambrés, elle repose sur une terrasse chantournée à décor d’acanthes et de rochers. Le dessin de cette pendulette est caractéristique du style de Léon Messagé.  

œuvre en relation

Pendule similaire en bronze doré au dessin attribué à L. Messagé. C. Payne, Francois Linke 1855-1946: The Belle Epoque of French Furniture, Antique Collector’s Club Ltd., Woodbridge, 2003, pl. 104, p. 93

biographie

Léon Messagé (1842-1901), ornemaniste et dessinateur, privilégie dans ses dessins d’ornements, l’asymétrie rocaille telle qu’elle figure dans les recueils d’ornemanistes de Nicolas Pineau ou J. A. Meissonnier, dans la première moitié du XVIII^ème siècle. Cependant, Léon Messagé ne se contente pas de copier servilement ses prédécesseurs. Il fait preuve d’originalité, voire d’extravagance, comme le montrent certains des dessins que l’on trouve dans son ouvrage « Cahier des Dessins et Croquis style Louis XV », qui intègrent les lignes sinueuses annonçant l’Art Nouveau et développant ainsi un style très personnel. Il travaille en réalisant de très nombreux dessins sur papier gris, avant de passer à l’exécution d’un modèle réduit ou grandeur nature en relief, en cire ou en terre cuite. Dès 1885, Léon Messagé collabore avec deux importants fabricants de meubles parisiens : Joseph-Emmanuel Zwiener (1849-1895) et François Linke (1855-1946). François Linke notamment, développe un style propre et de grande qualité, parfois appelé « style Linke », dès l’Exposition Universelle de 1900. Il semble que l’une des raisons essentielles de son immense succès et de sa grande imagination formelle réside dans l’association très forte qui existe alors entre lui et ce grand dessinateur. Les influences mutuelles entre les trois artistes cités sont tout à fait perceptibles dans un certain nombre de réalisations.

François Linke, né en Bohême (Tchécoslovaquie) en 1855, débuta comme ébéniste vers 1882 et  exerça à Paris jusqu’à sa mort, en 1946, au faubourg Saint-Antoine. Vers 1900, à l’apogée de sa carrière, il adjoignit même une succursale, place Vendôme. Il s’était spécialisé dans la fabrication de meubles de style Louis XV et Louis XVI, ambitieux tant par leurs dimensions que par leur somptueuse ornementation de bronzes, ce qui lui valut de nombreuses commandes dès la fin du XIXème s. Désirant aller au-delà des copies de style XVIIIème, Linke collabora avec le déjà célèbre sculpteur Léon Messagé et intégra les lignes sinueuses annonçant l’Art Nouveau, développant ainsi un style très personnel. L’un de ses grands succès fut remporté à l’Exposition Universelle de 1900, où le jury lui décerna la médaille d’or pour son bureau, dessiné par Messagé, en bois de violette, monté de bronzes d’esprit Louis XV. La « Revue artistique et industrielle » glorifia Linke en écrivant que son stand à l’Exposition était la plus grande démonstration jamais réalisée dans l’histoire du mobilier d’art.

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« La Floraison »

France
Circa 1880

Porcelaine

Hauteur : 27,5 cm ; Largeur : 23 cm ; Profondeur : 17 cm

Belle paire de vases en porcelaine blanche richement décorée de belles compositions florales polychromes et de papillons rehaussés d’or sur fond bleu, encadrées d’anses en porcelaine dorée en forme de tête de lion enserrant un anneau dans la gueule.
Ces vases sont cerclés d’or aux cols et aux pieds.

La Manufacture de Porcelaine de Paris

Paris, capitale de l’art, de la mode et du luxe ne pouvait, lors de la découverte du Kaolin au XVIIIème siècle vers 1765, à Saint-Yrieix-la-Perche à côté de Limoges, ne pas produire une porcelaine de prestige. La Porcelaine de Paris, plus communément appelée « Vieux Paris », est une porcelaine à pâte dure, d’un blanc pur, laiteux, très brillant, décorée par peinture et très souvent par or. Il y avait à Paris des fabriques de porcelaine, d’un très haut niveau, avec leur marque bien définie. Mais on décorait, surtout, dans les arrière-boutiques, les blancs cuits dans la région de Limoges. Sans marque, ces blancs ont souvent des lettres ou chiffres qui sont recouverts d’émail. Il ne s’agit pas de la marque d’un décorateur ou d’une fabrique. C’est tout simplement un signe que l’ouvrier faisait, avant cuisson, pour reconnaître son travail et se faire régler les pièces ainsi réalisées.

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Manufacture de Faïence
(depuis 1748)

Vase aux Grues

Mettlach, Allemagne
Circa 1900

Modèle n° 1567

Grès cérame

Hauteur : 54 cm ; Diamètre : 27 cm

Beau vase de forme balustre d’inspiration japonaise en grès teinté. Le riche décor tournant polychrome illustre des grues au clair de lune, au bord d’un lac bordé de bambous, et un aigle terrassant un serpent en haut d’un rocher. Le col est orné d’une frise de fleurettes entourée de petites pastilles en relief, et surmontée d’une frise de grecques, motif que l’on retrouve également sur le pied entourant des spirales.

Biographie

En 1748, François Boch originaire du village lorrain d’Audun-le-Tiche se lance avec ses trois fils dans la fabrication de vaisselle en céramique. Le Luxembourg faisant partie des premiers marchés des ventes des Boch, le fils de François, Pierre-Joseph, sollicite du gouvernement autrichien l’autorisation de fonder une manufacture dans la province luxembourgeoise.
Ils obtiennent de la part de l’impératrice Marie-Thérèse en 1767, le privilège de fonder une manufacture, autorisée à porter le titre de « Manufacture Impériale et Royale ».
Le négociant Nicolas Villeroy fait l’acquisition en 1791 d’une fabrique de grès à Vaudrevange, aujourd’hui Wallerfangen et pour moderniser sa production, expérimente avec des céramistes français et anglais des décors imprimés.
Jean-François Boch aménage en 1809 l’ancienne abbaye de Mettlach au bord de la Sarre, en vue d’une fabrication mécanisée. Il développe en 1819 une faïence d’un blanc éclatant et extrêmement résistante, concurrençant ainsi la porcelaine à des prix inférieurs. C’est en 1836, pour s’affirmer en Europe et notamment face à l’industrie anglaise dominante que les manufactures Boch et Villeroy vont fusionner. En 1843, Villeroy et Boch étendent leur gamme et fondent la Cristallerie de Wadgassen.
L’entreprise participe à la célèbre exposition universelle de Londres en 1851, puis à celles de Philadelphie en 1876, Paris en 1878 et 1900, Chicago en 1893, Saint-Pétersbourg en 1901 ou encore à Saint-Louis en 1904.
En 1852, Eugen von Bosch et ses techniciens développent un procédé associant une résistance à l’abrasion hors du commun et une esthétique extravagante. Ces carreaux, produits à Mettlach, connaissent un succès mondial. La demande est telle qu’en 1866, une usine spécialisée dans la production de carreaux est construite : la « Mosaikfabrik ». En 1879, Villeroy & Boch reprend une autre usine à Merzig. Toutes les deux se développent pour devenir les plus grandes usines de production de carreaux de mur et de sol au monde.
Vers 1876, la faïencerie de Wallerfangen amorce la fabrication « d’objets de canalisation », la première céramique sanitaire de Villeroy & Boch. L’entreprise produisait des ustensiles de toilette à la fin du XVIIIème siècle déjà, dont de nombreuses réalisations spéciales comme celles destinées au mythique roi Louis II de Bavière.
En 1879, Villeroy & Boch se lance dans la production d’objets artistiques en terre cuite.
Aux alentours de 1900, Villeroy & Boch lance sa production de masse de baignoires et de toilettes. Traversant les époques et continuant son expansion, l’entreprise se divise en trois départements : Sanitaire, Carreaux et Vaisselle/Cristal.

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Créateur et Marchand-éditeur

Jardinière  « aux Colombes »

Inscrite en creux HA et Cie et numérotée 403
Signée en lettre rouges Escalier de Cristal Paris

France
Circa 1880

Porcelaine

Hauteur : 17,5 cm ; Longueur : 37 cm ; Largeur : 30,5 cm

Belle jardinière en porcelaine dorée et peinte. La panse bombée à fond platine est ornée de myosotis, surmontée d’une bordure ajourée centrée de chaque côté d’un médaillon enrubanné à décor d’un couple de colombe parmi les roses. Agrémentée de deux anses feuillagées, elle repose sur quatre pieds à enroulement.

Il s’agit probablement d’une jardinière faite à l’occasion d’un mariage, comme en témoignent les couples de colombes et les myosotis, symbole de fidélité et d’amour éternel.

La marque en creux indique que cette jardinière a été réalisée par la Manufacture Ardant, Manufacture de porcelaine fondée par Henri Ardant et active entre 1858 et 1883 dans la région de Limoges

Biographie

L’Escalier de Cristal, ancienne et célèbre maison parisienne, spécialisée dans la céramique et la verrerie, mais proposant également du mobilier, des bronzes d’art et d’ameublement, avait été reprise à partir de 1885 – jusqu’en 1923 – par les fils d’Emile Pannier qui constituèrent Pannier Frères, à l’angle des rues Scribe et Auber, à côté du nouvel Opéra.
Leurs créations d’inspiration extrême-orientale étaient entre autres grandement appréciées du public et de la critique. La maison remporta de multiples récompenses et médailles aux différentes expositions, dont la médaille d’or à l’Exposition Universelle de Paris en 1900.
Dans le domaine du mobilier influencé par l’Extrême-Orient, Majorelle de Nancy, Edouard Lièvre ou Gabriel Viardot collaborèrent également au succès des Frères Pannier. Certaines de leurs œuvres sont visibles dans les plus grands musées, tels que celui de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg, le Musée d’Orsay ou le Corning Museum of Glass de New York.
La maison étant parfois propriétaire exclusive des modèles, ses meubles et objets décoratifs n’étaient souvent signés que par l’Escalier de Cristal, quelquefois à côté de la signature de l’artiste. Elle avait aussi un véritable rôle créateur en personnalisant ces œuvres par de superbes bronzes dorés, des plaques en émail cloisonné, des plaques de verre à décor japonisant ou incluant également des éléments japonais authentiques.

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Chine
XIXe siècle

Porcelaine

Hauteur : 73 cm ; Diamètre : 31 cm

Grande paire de pots à gingembre de forme balustre en porcelaine polychrome de la Famille Rose. A riche décor tournant, il est orné sur la panse d’un couple de phénix, symbolisant la loyauté et l’honnêteté, au milieu de grandes pivoines. Le col et le couvercle, surmonté d’une prise en forme de bouton doré, sont soulignés de frises de grecque et sa base est décorée de lambrequins. L’ensemble est recouvert d’un abondant décor floral aux couleurs vives dans les tons rose et vert.

Apparus sous la dynastie Qin (221 av. J.-C. – 207 av. J.-C.), les pots à gingembre avaient une fonction étendue, puisqu’ils étaient utilisés pour conserver le gingembre, les herbes et les épices ou stocker l’huile. Lorsque les jarres de stockage en céramique remplies de gingembre ont commencé à être exportées en Europe vers le XIXe siècle, les pots à gingembre ont gagné en popularité en tant qu’objet décoratif.

Le décor de type Famille Rose apparaît sous la dynastie des Qing, vers 1720.  C’est un chimiste hollandais, Andréas Cassius, qui découvre en 1650 la formule chimique permettant d’obtenir des émaux roses appelés par la suite « pourpre de Cassius », qui arrive à la cour de Chine vers 1719 par l’entremise des Jésuites. Le pourpre mêlé à un blanc opaque à base d’arsenic donne le rose auquel la palette décorative doit son nom. Les porcelaines de la Famille Rose comportent des décors polychromes dans lesquels dominent les tons roses et présentent très fréquemment un motif végétal composé de fleurs et de bouquets.

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Bronzier (1860-1905)
(attribué à)

Paire de Cassolettes

France
Circa 1890

Marbre, Bronze

Hauteur : 49 cm ; Largeur : 22 cm ; Profondeur : 19 cm

Belle paire de cassolettes de forme balustre d’inspiration Louis XVI en marbre blanc, enrichies d’une élégante monture en bronze à double patine. Le couvercle est sommé d’une prise en forme de graine. La panse est ornée de guirlandes de lierre attachées à un bouton. Les anses feuillagées prennent appui sur le haut du col et rejoignent le piédouche orné de larges feuilles entourées d’un jonc de laurier. L’ensemble repose sur une base moulurée de forme cubique.

Biographie

Henri Vian, bronzier actif dans la seconde moitié du XIXème siècle, réalisa de nombreuses ornementations d’intérieur : cheminées, vases à monture de bronze, lustres, balustrades… toutes de la meilleure qualité. Sa signature est habituellement comme ici en lettres cursives, avec l’initiale du prénom suivie du patronyme. Sur les œuvres tardives, seules les deux initiales h.V. y figurent. L’entreprise installée 5, rue de Thorigny à Paris (l’Hôtel Salé, actuel Musée Picasso), continua sous la direction de Madame Vian après le décès de son époux en 1905.

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Créateur & Marchand-éditeur
(attribuée à)

Pendule Japonisante au Musicien

France
Circa 1890

Bronze à double patine, Porcelaine

Hauteur : 40 cm ; Larg. : 25 cm ; Prof. : 18 cm

Amusante pendule en bronze à double patine et porcelaine en forme de pot couvert.
Cette pendule, au cadran à chiffres arabes agrémenté en son centre d’un joueur de luth assis, est sommée d’un lanternon et encadrée de deux papillons aux ailes déployées appliqués sur un décor de plaques de porcelaine à fond rouge ornées d’hirondelles et de bambous.
L’ensemble repose sur une base à motif de rinceaux feuillagés, supportée par des têtes d’éléphants.

Biographie

L’Escalier de Cristal, ancienne et célèbre maison parisienne, spécialisée dans la céramique et la verrerie, mais proposant également du mobilier, des bronzes d’art et d’ameublement, avait été reprise à partir de 1885 – jusqu’en 1923 – par les fils d’Emile Pannier, Georges et Henri, qui constituèrent Pannier Frères, à l’angle des rues Scribe et Auber, à côté du nouvel Opéra.
Leurs créations d’inspiration extrême-orientale étaient entre autres grandement appréciées du public et de la critique. La maison remporta de multiples récompenses et médailles aux différentes expositions, dont la médaille d’or à l’Exposition Universelle de Paris en 1900. Dans le domaine du mobilier influencé par l’Extrême-Orient, Majorelle de Nancy, Edouard Lièvre ou Gabriel Viardot collaborèrent également au succès des Frères Pannier. Certaines de leurs œuvres sont visibles dans les plus grands musées, tels que celui de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg, le Musée d’Orsay ou le Corning Museum of Glass de New York. La maison étant parfois propriétaire exclusive des modèles, ses meubles et objets décoratifs n’étaient souvent signés que par l’Escalier de Cristal, quelquefois à côté de la signature de l’artiste. Elle avait aussi un véritable rôle créateur en personnalisant ces œuvres par de superbes bronzes dorés, des plaques en émail cloisonné, des plaques de verre à décor japonisant ou incluant également des éléments japonais authentiques.

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France
Circa 1870

Bois peint

Dimensions des Cantonnières :
Hauteur :  50 cm ; Largeur : 177 cm ; Profondeur : 20 cm
Hauteur : 50 cm ; Largeur : 172 cm ; Profondeur : 20 cm

Dimensions des Porte-Embrasses :
Hauteur : 29 cm ; Largeur : 24 cm ; Profondeur : 21,5 cm

Amusante paire de cantonnières Chinoisantes en bois peint et leurs quatre porte-embrasses assorties.
Elles sont décorées de part et d’autre de paysages lacustres dorés sur fond noir et soulignés de filets géométrique encadrant un cartouche central figurant pour l’une le commerce de perles et pour l’autre la présentation du collier. L’ensemble est couronné d’un dragon aux ailes déployées.
Les porte-embrasses sont quant à elles ornées chacune d’un dignitaire assis et richement vêtu d’un costume traditionnel.

Contexte historique et artistique

Les connaissances sur la Chine restèrent longtemps sommaires et confuses, empreintes de fantaisies, et ce plus particulièrement durant le XVIIIème siècle, durant lequel la Chine exerce une véritable fascination. Les exemples sont fort nombreux tels le Jardin Chinois de F. Boucher exposé au salon de 1742, conservé au Musée des Beaux-Arts et d’Archéologie de Besançon et qui influencera les Arts Décoratifs de manière durable.

Cette mode est ravivée à la fin du XIXème siècle suite à la campagne militaire franco-anglaise menée contre l’armée impériale en Chine en 1860. Les troupes de Napoléon III rapportent du palais d’Eté, une partie du trésor de la cour impériale chinoise, constituant dès 1863 le célèbre Musée Chinois de l’impératrice Eugénie au palais de Fontainebleau. D’abord ressenti dans la peinture, le mouvement gagne rapidement les arts décoratifs et le mobilier. 

Cet engouement pour l’Extrême-Orient est favorisé en France par la diffusion des ouvrages d’ornements chinois renouvelant la décoration intérieure des luxueuses demeures parisiennes d’une clientèle avide de nouveauté.

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Bronzier
(1815-1903)
(attribué à)

« La Naïade » 

France
Circa 1870

Bronze argenté et doré, Marbre porphyre

Hauteur : 68 cm ; Largeur : 34 cm ; Profondeur : 31 cm

Exceptionnel centre de table en bronze argenté et doré, composé d’une naïade chevauchant un dauphin, soutenant une coquille ciselée à décor de roseaux, ornée d’une tête de dieu fleuve sur sa proue et sur laquelle un amour ailé souffle dans une conque.
L’ensemble repose sur un piédouche scandé de têtes de dauphins et de cuirs découpés, finissant par un socle en porphyre à gradins moulurés.

Contexte historique et artistique

Les centres et nefs de tables sont attestés en France dès le Moyen-âge afin de présenter les épices et autres condiments rapportés des lointaines contrées du pourtour méditerranéen ou issu du commerce des routes de la soie.
L’importance de leur présence sur les tables prestigieuses sera confirmée tout au long des arts décoratifs, évoluant au cours du XIXème siècle en surtout de table, devenant un élément central de décoration.
On retrouve ici une véritable virtuosité dans la composition et la représentation de la figure humaine qui n’est pas sans rappeler les plus grands artistes de la Renaissance italienne. En effet, la fluidité des lignes de la naïade est à rapprocher de la nymphe de Fontainebleau de Benvenuto Cellini conservée au musée du Louvre et datée de 1545, tandis que la représentation naturaliste du décor marin renvoie au travail de Wenzel Jamnitzer tel son écritoire orné de coquilles naturalistes conservé au Kunsthistorisches Museum de Wien

Cette nef est un manifeste artistique du savoir-faire bronzier en France à la fin du XIXème siècle et est très probablement l’œuvre du bronzier Denière, élève de Aimé Chenavard. 

Œuvre en relation

Un exemple proche concernant la figure féminine se retrouve sur une paire de nefs du milieu du XIXème siècle, conservée en collection privée.

Biographie

Guillaume Denière (1815-1903) fut l’élève du célèbre ornemaniste Aimé Chenavard (1798-1838) et de l’architecte Henri Labrouste (1801-1875). En 1844, Guillaume Denière succède à son père Jean-François, établi depuis 1804 rue Vivienne à Paris. L’entreprise est alors très prospère et quatre cents ouvriers travaillent à satisfaire les nombreuses commandes du roi Louis-Philippe et de la haute bourgeoisie. Il exécute des bronzes d’ameublement, des candélabres, des pendules ainsi que des surtouts de table en bronze doré. Il collabore avec de nombreux artistes parmi lesquels Carrier-Belleuse (1848-1913) et Constant Sévin (1821-1888). Il livre plusieurs pendules pour le palais des Tuileries en 1852 et une pendule « globe » à cadrans tournants pour le Grand Salon du Château de Bagatelle. Ses œuvres sont très souvent remarquées aux Expositions Universelles, à tel point que l’Empereur Napoléon III lui achète en 1867 une garniture de cheminée. Sa renommée s’étend à travers le monde, qui lui vaut de livrer un spectaculaire surtout en bronze en 1854 à l’ambassadeur de Russie, Kisselef, et des bronzes décoratifs au Vice-Roi d’Egypte, Saïd Pacha en 1862 ainsi qu’au roi du Cambodge, Norodom 1^er (Grilles de la Salle du Trône). A l’Exposition Universelle de 1889, il remporte une médaille d’or.

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Editeur de mobilier et d’objets d’art
(Maison active de 1799 à 1885)
(Attribué à)

Pot couvert aux Atlantes

France
Circa 1880

Bronze

Hauteur : 47 cm ; Largeur : 25 cm ; Profondeur : 22,5 cm 

Beau pot couvert en bronze patiné à rehauts dorés de forme ovoïde, à riche décor tournant en relief. Le couvercle, symbolisant la Nuit, est orné d’une tortue, d’une lune, d’un dragon volant parmi les nuées ; et la panse, symbolisant le Jour, est décoré d’un soleil levant, de paysages montagneux, et de branches de cerisiers.
L’ensemble, sommé d’une graine flammée, est soutenu par trois atlantes de type africain vêtus d’un pagne.

contexte historique et artistique

Cette œuvre associe des éléments du Japonisme et de l’Orientalisme, deux mouvements importants et représentatifs du goût de l’époque pour l’exotisme.
En effet, cette mode des chinoiseries est ravivée à la fin du XIXème siècle suite à la campagne militaire franco-anglaise contre l’armée impériale en Chine en 1860. Les troupes françaises de Napoléon III rapportent du palais d’Eté une partie du trésor, constituant dès 1863 le célèbre Musée Chinois de l’impératrice Eugénie au palais de Fontainebleau. D’abord ressenti dans la peinture, le mouvement gagne rapidement les arts décoratifs et le mobilier. Cet engouement pour l’Extrême-Orient est favorisé en France par la diffusion des ouvrages d’ornements chinois renouvelant la décoration intérieure des luxueuses demeures parisiennes d’une clientèle avide de nouveauté.
C’est également sous le Second Empire que les Orientalistes sont propulsés sur le devant de la scène. L’Empereur Napoléon III, les aristocrates autant que les bourgeois fortunés en mal d’exotisme remplissent les carnets de commandes des artistes les plus réputés. Ce n’est alors pas le style majoritairement académique des Orientalistes qui compte mais surtout l’exotisme qu’ils donnent à voir à un public fasciné.

biographie

Alphonse Giroux et Cie, célèbre magasin de tabletterie et de curiosités situé à Paris, 7 rue du Coq-Saint-Honoré, dont l’activité s’étend du Consulat à la fin du Second Empire. Cette entreprise est créée par François-Simon-Alphonse, puis dirigée à partir de 1838 par ses deux fils Alphonse-Gustave (1810-1886) et André (1801-1879). C’est à l’Exposition des Produits de l’Industrie en 1834, que la maison Giroux, spécialisée dans la fabrication d’objets raffinés, obtient une médaille d’argent. Louis XVIII, puis Charles X se fournissent en cadeaux chez Giroux pour « les Enfants de France ». Exécutant peu à peu des petits meubles, ils apparaissent pour la première fois en 1837 sous la rubrique « Ebénistes » dans l’Almanach de Paris. Cependant, c’est Alphonse-Gustave qui donne véritablement de l’expansion à leur activité, comme en témoigne le rapport du jury de l’Exposition des Produits de l’Industrie de 1839, le récompensant d’une Médaille d’argent. Il figure alors au 1er rang des commerces de luxe. A. Giroux participe à l’Exposition Universelle de Paris en 1855, où il présente un bonheur-du-jour en tilleul, sculpté d’un décor naturaliste luxuriant, et que l’impératrice Eugénie achète pour son palais de Compiègne. A. Giroux transfère en 1857 sa boutique 43, boulevard des Capucines et y exerce jusqu’en 1867, date à laquelle il cède sa maison et son enseigne à son cousin Ferdinand Duvinage et Harinkouck.

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Attribué à

Paire de vases Amphores orientalisants

France
Circa 1880

Porcelaine

Hauteur : 38,5 cm ; Largeur : 25 cm ; Profondeur : 11,5 cm

Belle paire de vases amphores en porcelaine blanche et bleue richement décorée sur chaque face de belles compositions florales polychromes encadrées d’anses à motifs ajourés de rinceaux orientalisants s’inspirant des décors de l’Alhambra. Les cols et les pieds sont soulignés de filets dorés et agrémentés d’entrelacs et d’un blason d’alliance figurant une épée.

La Porcelaine de Paris

Paris, capitale de l’art, de la mode et du luxe ne pouvait, lors de la découverte du Kaolin au XVIIIème siècle vers 1765, à Saint-Yrieix-la-Perche à côté de Limoges, ne pas produire une porcelaine de prestige. La Porcelaine de Paris, plus communément appelée « Vieux Paris », est une porcelaine à pâte dure, d’un blanc pur, laiteux, très brillant, décorée par peinture et très souvent par or. Il y avait à Paris des fabriques de porcelaine, d’un très haut niveau, avec leur marque bien définie. Mais on décorait, surtout, dans les arrières-boutiques, les blancs cuits dans la région de Limoges. Sans marque, ces blancs ont souvent des lettres ou chiffres qui sont recouverts d’émail. Il ne s’agit pas de la marque d’un décorateur ou d’une fabrique. C’est tout simplement un signe que l’ouvrier faisait, avant cuisson, pour reconnaître son travail et se faire régler les pièces ainsi réalisées.

Bibliographie

Faïence et Porcelaine de Paris XVIIIe-XIXe siècles, Régine de Plinval de Guillebon, Ed. Faton, 1995

La Porcelaine Française, Claude Dauguet et Dorothée Guilleme – Brulon, Editions Ch. Massin

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France
Circa 1870

Bronze Patiné et doré

Haut. 10,5 cm ; Longueur : 40,5 cm ; Largeur : 22,5 cm

Élégante jardinière orientalisante en bronze patiné et doré, de forme rectangulaire, reposant sur quatre pattes de lions. Elle est ornée de frises décoratives constituées de feuilles d’eau, de médaillons à décor floral stylisé et de palmettes sur un semi de fleurs.

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Créateur & Marchand-Mercier
(attribué à)

Pendule Japonisante à Décor Ajouré

France
Circa 1885

Bronze à double patine, Émail

Hauteur : 42,5 cm ; Largeur : 27 cm ; Profondeur : 15,5 cm

Rare pendule Japonisante en bronze à double patine au cadran suspendu.

Le portique et le cadran, aux chiffres calligraphiés en Kanji complétés par des aiguilles figurant un dragon ondulant, sont ornés de nuées où se déploient des têtes de dragons et des perles sacrées.

L’ensemble est disposé sur une base, à quatre pieds en volutes, à décor de rinceaux et agrémentée d’une tête d’éléphant.

Œuvre en Relation

Notre pendule au cadran suspendu est une variation de la pendule Tam-Tam dessiné dans le carnet bleu d’Henry Pannier et décrite comme « Pendule Tam Tam pâte tendre flambeaux 3 lumières (Schlomach) ».

Biographie

L’Escalier de Cristal, ancienne et célèbre maison parisienne, spécialisée dans la céramique et la verrerie, mais proposant également du mobilier, des bronzes d’art et d’ameublement, avait été reprise à partir de 1885 – jusqu’en 1923 – par les fils d’Emile Pannier, Georges et Henri, qui constituèrent Pannier Frères, à l’angle des rues Scribe et Auber, à côté du nouvel Opéra.
Leurs créations d’inspiration extrême-orientale étaient entre autres grandement appréciées du public et de la critique. La maison remporta de multiples récompenses et médailles aux différentes expositions, dont la médaille d’or à l’Exposition Universelle de Paris en 1900. Dans le domaine du mobilier influencé par l’Extrême-Orient, Majorelle de Nancy, Edouard Lièvre ou Gabriel Viardot collaborèrent également au succès des Frères Pannier. Certaines de leurs œuvres sont visibles dans les plus grands musées, tels que celui de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg, le Musée d’Orsay ou le Corning Museum of Glass de New York. La maison étant parfois propriétaire exclusive des modèles, ses meubles et objets décoratifs n’étaient souvent signés que par l’Escalier de Cristal, quelquefois à côté de la signature de l’artiste. Elle avait aussi un véritable rôle créateur en personnalisant ces œuvres par de superbes bronzes dorés, des plaques en émail cloisonné, des plaques de verre à décor japonisant ou incluant également des éléments japonais authentiques.

Bibliographie

• – L’Escalier de Cristal, Le luxe à Paris 1809-1923, p.241, Annick et Didier Masseau, Editions Monnelle Hayot, 2021

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Sculpteur-Ornemaniste
(1821-1888) 

(Attribué à)

F. Barbedienne

Bronzier
(1810-1892) 

Bonbonnière a décor Byzantin

Signée F. Barbedienne

Bronze doré et émail cloisonné polychrome

France, circa 1880

Hauteur : 14,5 cm ; Côtés : 16×16 cm

Précieuse bonbonnière en bronze doré à décor d’émail cloisonné polychrome. Elle repose sur quatre pieds griffes à rinceaux et têtes de chimère et est ornée d’un décor dit byzantin.

La grande qualité de l’émail est typique de la production de Ferdinand Barbedienne. Il magnifie cette paire de coupes, notamment par la grande variété de couleurs mises en œuvre pour le décor. Lisse et brillant, l’émail offre de nombreuses nuances pour composer ce décor byzantin parmi le réseau de cloisons. Ces dernières sont par ailleurs finement gravées et participent au décor en prenant la forme de feuillages et d’enroulements.

Le modèle

Cette bonbonnière reprend un modèle bien connu de la Maison Barbedienne. En effet une coupe couverte similaire à la nôtre est acquise en 1867 – très probablement à l’occasion de l’Exposition Universelle de Paris – par l’Österreichisches Museum für angewandte Kunst de Vienne (Inv. –NrEm15/1867). Quelques années plus tard, lors de l’Exposition Universelle de Vienne en 1873, Ferdinand Barbedienne expose sur son stand une coupe identique à cette paire et reproduite dans Kunst und Kunstgewerbe auf der Wiener Weltausstellung, 1873 : on y retrouve les mêmes pieds feuillagés et le même décor d’émail composé de rinceaux fleuris et de motifs byzantins.

Coupe couverte de l’Exposition Universelle de 1873, 

(reproduit in Kunst und Kunstgewerbe auf der Wiener Weltausstellung, p. 441)

Barbedienne et l’email cloisonné

Innovant constamment, Ferdinand Barbedienne réintroduit le décor d’émail dans le mobilier profane de la seconde moitié du XIXe siècle. L’atelier d’émail de la Manufacture de Sèvres avait déjà tenté l’expérience en 1854-1855, mais F. Barbedienne est le seul qui soit parvenu à intégrer à échelle industrielle les émaux dans une production d’objets de décoration. Dès 1858, on note que “chez M. Barbedienne, les émaux dans les ornements de cuivre ont retrouvé tout leur prestige d’autrefois” (in Les bronzes de la Maison Barbedienne, C. Simon, in L’Art du XIXe siècle, 1858, n°21, p. 252) et la Maison Barbedienne est alors pourvue d’un atelier d’émail où sont réalisés des objets ornés d’émaux de style oriental ou médiéval. Quatre ans plus tard, sa production d’émaux opaques cloisonnés remporte un vif succès à l’Exposition Universelle de 1862. A cette occasion, F. Barbedienne remporte des médailles dans trois catégories différentes : Meubles d’Art, Orfèvrerie et Bronzes d’art, notamment pour l’heureuse combinaison du bronze et de l’émail (coupe de style oriental, château de Compiègne, Inv. C. 71-122). 

La technique mise en œuvre pour produire ces émaux est tout à fait originale et diffère de la technique traditionnelle de l’émail cloisonné : en effet chez F. Barbedienne, les cloisons ne sont pas rajoutées par soudure sur la pièce à décorer mais sont directement obtenues lors de la fonte. Les cloisons font donc corps avec l’objet dès sa fonte et cette innovation technique permet ainsi d’obtenir des motifs d’une grande netteté et d’une grande régularité dans lesquels l’émail viendra se loger pour mettre en couleur le décor.

Les couleurs utilisées par la Maison Barbedienne participent elles aussi au succès de ses émaux et on vante alors les coloris utilisés qui “possèdent plus que tous les autres ces qualités d’éclat et de richesse que montrent les palettes des émailleurs gothiques et chinois” (in Gazette des Beaux-Arts, 1^er décembre 1862, p. 542). L’ensemble est mis au service de créations émaillées originales, soit d’inspiration chinoise et japonaise abordant un décor naturaliste, soit d’inspiration persane et indienne avec un décor plus stylisé – comme c’est le cas pour cette paire de coupes.

Biographies

Louis-Constant Sévin (1821-1888) : formé au dessin et à la sculpture auprès du sculpteur-ornemaniste Antoine-André Marneuf (1796-1865), il s’associe en 1839 aux sculpteurs Phénix et Joyau et fournit des dessins aux plus grandes maisons d’orfèvrerie – Denière, Froment-Meurice et Morel. Pendant la Révolution de 1848, il rejoint Morel à Londres et lui crée des pièces qui sont alors exposées à l’Exposition Universelle de 1851. De retour en France, il participe à l’Exposition Universelle de 1855 en fournissant des modèles aux porcelainiers de Limoges Jouhanneaud et Dubois. C’est à cette époque qu’il travaille auprès de Ferdinand Barbedienne qui le nomme chef de ses décorateurs. Son œuvre est considérable : il donne, entre autres, les dessins des bronzes de l’hôtel de La Païva (avenue des Champs-Elysées) et fournit de nombreux modèles à Ferdinand Barbedienne. Il expose aux différentes expositions et reçoit une médaille “pour l’excellence artistique des meubles qu’il a dessinés et qui sont exposés par Barbedienne” à l’Exposition Universelle de Londres en 1862 et une Médaille d’Or pour sa qualité de coopérateur à l’Exposition de l’Union Centrale des Arts Décoratifs de 1863.

Ferdinand Barbedienne (1810-1892) : il a créé et dirigé au n°30 boulevard Poissonnière à Paris, l’une des plus importantes fonderies d’art pendant la seconde moitié du XIXe siècle. Déjà saluée par deux grandes médailles (Council medals) à l’Exposition de Londres en 1851, F. Barbedienne remporte à l’Exposition Universelle de 1855 à Paris, une grande médaille d’honneur et onze médailles de coopérateurs récompensant ses créateurs de modèles, comme Louis-Constant Sévin (1821-1888), ses ciseleurs avec Désiré Attarge (c.1820-1878) et ses monteurs. A l’Exposition Universelle de Londres en 1862, F. Barbedienne remporte des médailles dans trois classes différentes : meubles d’art, orfèvrerie et bronzes d’art, notamment pour l’heureuse combinaison du bronze et de l’émail. Avant-gardiste dans les techniques décoratives avec l’orfèvre parisien Christofle, les critiques d’art attribuent cependant la paternité de l’émail cloisonné à Barbedienne (voir “L’émaillerie moderne”, Gazette des Beaux-Arts, Alfred Darcel, t. XXIV, janv.-juin 1868, p° 75-84). Déclaré hors concours, en sa qualité de membre et de rapporteur du jury à l’Exposition Universelle de 1867, Ferdinand Barbedienne y expose cependant avec succès ses œuvres émaillées utilisant les techniques du cloisonné et du champlevé. Nommé Officier de la Légion d’Honneur, Barbedienne est fait Commandeur en 1878, suite à l’Exposition Universelle

où le jury le compare à “un prince de l’Industrie et au roi du bronze”. Sa gloire ne tarit pas avec les années, puisqu’à l’Exposition Universelle de 1889, les critiques remercient Barbedienne de servir de maître aux autres bronziers, par la qualité toujours exemplaire de ses bronzes.

Bibliographie

– L’Art en France sous le Second Empire, Exposition Grand-Palais, Paris, 1979, p. 148-149.

– L’émaillerie moderne, Alfred Darcel, in Gazette des Beaux-Arts, t. XXIV (janvier-juin1868), p. 76.

– Les bronzes de la Maison Barbedienne, C. Simon, in L’Art du XIXe siècle, 1858, n°21, p. 252.

– Der Traum von Glück : Die Kunst des Historismus in Europa, Ausstellung im Künstlerhaus und der Akademie der Bildenden Künste, Wien, 1996-1997, p. 599-600.

– Kunst und Kunstgewerbe auf der Wiener Weltausstellung, 1873, Von Lützow, Leipzig, 1875, p. 441.

– Gazette des Beaux-Arts, 1^er décembre 1862, p. 542.

Muséologie

– Coupe couverte probablement présentée à l’Exposition Universelle de 1867, conservée à l’Osterreichisches Museum für angewandte Kunst, Vienne (Inv. –NrEm 15/1867).

– Coupe couverte, conservée au Carnegie Museum of Art, Pittsburgh (Inv. 1999.49.3.A-B).

– Coupe couverte dite bonbonnière, conservée au Musée de l’Evêché – Musée de l’Email, Limoges (Inv. 2006.15.1).

Coupe couverte dite bonbonnière,

Musée de l’Evêché – Musée de l’Email, Limoges.

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France
Circa 1865

Huile sur Toile , Bois Sculpté et Doré

Hauteur : 180 cm ; Largeur : 63,5 cm ; Profondeur : 12 cm

Rare ensemble de quatre peintures représentant des allégories aux Arts interprétées par des personnages accompagnés d’amours :

La Musique, La Sculpture, La Peinture et Le Théâtre.

Les parties basses sont agrémentées de quatre bouquets de fleurs épanouies.

Le tout est joliment encadré de coquilles, volutes et palmes en bois délicatement sculpté et doré.

Provenance

Collection Baron Maurice Lemonnier

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Bronzier
(1828-c.1890)
(attribué à)

Coupe néo-Grecque

France
Circa 1880

Bronze argenté, marbre Griotte

Hauteur : 27,5 cm ; Longueur : 35 cm ; Largeur : 28 cm 

Belle coupe en bronze argenté de style néo-grec de forme circulaire, ornée sur la panse de masques féminins à l’antique et sur les côtés d’anses en forme de bustes de lionnes finissant en palmettes. Le piédouche cannelé est cerclé par une frise de palmettes.
Elle repose sur un socle mouluré en marbre Griotte terminant par quatre pattes de lions finissant par des enroulements.

Biographie

Georges Emile Henri Servant (1828-c. 1890), succède à son père dès 1855 à la tête d’une fonderie rue Vieille-du-Temple à Paris. Il se spécialise dans la production non seulement de pendules néo-Egyptiennes, alors très populaires en France depuis les années 1860, mais aussi d’objets décoratifs de style Grec. Déjà très remarqué par le public et la critique pour ses bronzes de grande qualité à l’Exposition Universelle de Paris en 1855, puis à celle de Londres en 1862, G. Servant exporte dès cette époque jusqu’à 40% de sa production, principalement vers les Etats-Unis. C’est ainsi que ses pendules sont vendues avec beaucoup de succès par Louis C. Tiffany Inc. ou Hamann & Roche, à New York. Ses œuvres néo-Grecques et Egyptiennes lui valent enfin la médaille d’or à l’Exposition Universelle de Paris en 1867, puis c’est en 1874 que lui vient la consécration, avec sa nomination au rang de chevalier de la Légion d’honneur. A l’Exposition Universelle de 1878, Servant qui est alors membre du Jury de la classe des bronzes d’art, expose néanmoins des vases et des petites pièces de mobilier en bronze, qui retiennent une fois de plus l’admiration générale. Il prend finalement sa retraite peu avant l’Exposition Universelle de 1889.

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(Fondée en 1664)             

F. Boucher

Peintre (1703-1770)                                                                                       

Suite de Quatre Tapisseries à scènes pastorales

France
1770

Bois doré, Tapisserie

Chaque panneau = Hauteur : 206 cm ; Largeur : 56 cm ; Profondeur : 4 cm

Très belle suite de quatre tapisseries de la Manufacture de Beauvais représentant des pastorales d’enfants. Ces tapisseries ont été faites d’après les peintures de François Boucher (1703-1770) livrées vers 1751 à la marquise de Pompadour pour son Château de Crécy. 

Présentées dans des médaillons superposés fleuris et bordés d’entrelacs, ces scènes sont composées de :

– une bergère et une jardinière avec les initiales « F.B » sur le socle de l’arbre ;
– un pêcheur et une fermière signé sur la pierre à droite « Boucher 1780 Beauvais »
– un marionnettiste, et une fileuse assise sur un banc en pierre signé « Boucher » ;
– un musicien et une beurrière signé et situé en bas à gauche « Boucher 1780 Beauvais »

Elles sont entourées de cadres en bois doré de forme cintrée ornés de cannelures et de feuilles.

œuvres en relation

Suite des quatre toiles de F. Boucher qui décoraient le Château de Crécy du temps de la marquise de Pompadour.
Devenu propriété du duc de Penthièvre en 1757 avec son entier mobilier, ce dernier revend le château en 1775 sans ses collections qu’il installe au Château de Sceaux.
Vendues pendant la Révolution, les toiles sont rachetées en 1862 par le duc de Trévise et réinstallées au Château de Sceaux jusqu’en 1923, date de sa vente au département de la Seine. Réapparues sur le marché de l’art lors de la vente Rouillac du 10/06/2018, ces toiles ont été préemptées par le Château de Sceaux et ont rejoint leurs collections (n° d’inventaires 2018.1.1 ; 2018.1.4 ; 2018.1.2 ; 2018.1.3 ; 2018.1.4) et sont exposées Salle Penthièvre.

biographie

François Boucher (1703-1770) perfectionne son apprentissage de la peinture à l’huile auprès de François Lemoyne. Il remporte le Grand prix de peinture en 1723. Agréé à l’Académie de peinture et de sculpture, il y est reçu en 1734. Il fait une carrière brillante, connaît tous les honneurs, reçoit d’incessantes commandes royales et travaille pour les hauts personnages de la cour, telle Madame de Pompadour. Il fournit également des cartons pour la réalisation de tapisseries, comme à partir de 1750 la tenture des Amours des Dieux commandée par Oudry qui dirige alors la Manufacture de Beauvais. Maître incontesté du style rocaille sous Louis XV, peintre précieux et sensuel, surnommé de son vivant “le Peintre des Grâces”, il est en revanche dès 1760 de plus en plus boudé par le public et la critique du Salon qui se tourne vers un art plus classique. Ce n’est donc que dans la seconde moitié du XIXe siècle, alors que l’impératrice Eugénie réinvente un XVIIIe siècle à son goût, que les frères Goncourt en redécouvrent le peintre le plus représentatif, François Boucher.

La Manufacture royale de tapisserie de Beauvais est créée en 1664 par Jean-Baptiste Colbert pour concurrencer les manufactures de tapisseries des Flandres afin de répondre aux exigences de sa politique mercantiliste et réduire les importations. Contrairement à la manufacture des Gobelins dont la production était essentiellement destinée au roi, la manufacture de Beauvais fut à l’origine une entreprise orientée vers le marché privé. La production se limite alors à des sujets simples comme les verdures. Depuis la direction de Philippe Béhagle (1641-1705) marchand-tapissier du roi, originaire des Flandres et formé aux Gobelins, la manufacture fait appel à des artistes reconnus pour fournir des cartons, comme Jean-Baptiste Monnoyer ou Jacques Duplessis, remplacé par Jean-Baptiste Oudry en 1726. C’est à ce dernier que la direction est confiée jusqu’à sa mort en 1755, ce qui correspond à la période la plus remarquable de l’histoire de la manufacture.
Sous la direction artistique de Jean-Baptiste Oudry, Beauvais s’appuya sur un réseau international de magasins d’exposition implantés à Paris, Leipzig ou Ratisbonne par les précédents directeurs pour développer ses exportations à l’Europe entière, créant d’immenses tentures. La collaboration entre les peintres Oudry et François Boucher contribua pour une large part à cette réussite. À cette époque furent réalisées d’importantes productions de tapisseries pour sièges assorties aux motifs des tentures créant ainsi des ensembles décoratifs très homogènes. Malgré son succès auprès de la clientèle privée, la manufacture de Beauvais dut son maintien aux commandes annuelles du garde-meuble royal. La manufacture employait à la Révolution française plusieurs centaines d’ouvriers et le 8 octobre 1804, Napoléon Bonaparte décida d’en faire une manufacture d’État.
Les tissages de Beauvais étaient d’une qualité exceptionnelle, comparable à ceux des Gobelins. La manufacture était particulièrement renommée pour les garnitures de sièges.
Au cours du XIXe siècle, la manufacture déclina. Le XXe siècle sonna le renouveau de la Manufacture avec la collaboration de grands artistes contemporains.

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Orfèvre
(XIX^ème siècle)

Pendule Chevalet

Signée Elkington & Co
Numérotée Rd 92173

Angleterre
Circa 1890

Hauteur : 52 cm ; Largeur : 40 cm ; Profondeur : 28 cm

Belle pendule rectangulaire exécutée en bronze galvanique doré et argenté, à décor en relief de papillons, d’entrelacs, de trophées de musique et de masques de théâtre, surmontés par deux anges couronnant un portrait d’homme de profil en médaillon. Ornée dans les angles inférieurs des muses du Théâtre et de la Musique entourant un médaillon en relief, elle est présentée dans un cadre en bois garni de velours vert, ouvrant par une vitre et formant chevalet.

Comme l’écrivait The Art Journal dès 1844, « La galvanoplastie est parfaite, les plus belles lignes et les points les plus infimes sont le plus fidèlement copiés ». Avec ce procédé, dont Elkington était en Angleterre le fer de lance, il était alors apparu un nouveau marché non seulement pour recréer de célèbres œuvres d’art en métal, mais aussi pour créer de nouveaux modèles, moins coûteux qu’en bronze et d’une qualité exemplaire.

Biographie

La célèbre firme Elkington, créée à Birmingham en 1824 par George Richards Elkington (1800-1865), débute avec des montures en argent pour flacons à parfum. En 1829, leur commerce s’agrandit suffisamment pour pouvoir s’installer à Londres. A la fin des années 1830, Elkington commence ses expériences de dorure et d’argenture selon les principes de l’électro-métallurgie et dépose son brevet en 1840, dont les droits seront rachetés par l’orfèvre parisien Christofle. Si Elkington doit son ascension grâce à l’exploitation commerciale de ce nouveau procédé technique, il lui manque cependant des artistes pour se hisser parmi les plus importants orfèvres d’Angleterre. Il emploie alors deux des plus habiles dessinateurs français de renom, Albert Willms (1827-1899) puis Léonard Morel-Ladeuil (1820-1888). Grâce à leurs œuvres, ils aideront Elkington à hisser sa réputation au plus haut niveau au cours des célèbres expositions nationales et universelles.

Œuvres d’Elkington en relation

– Victoria & Albert Museum, London : Le Bouclier de Milton, exécuté en argent et fer damasquiné, dessiné et réalisé par Morel Ladeuil pour Elkington & Co., exposé à l’Exposition Universelle de  1867, Médaille d’or.

Bibliographie

Victorian Silver and Silver Plate, Patricia Wardle, The Victorian Collector Series, Barrie & Jenkins, London, 1970.
L’Orfèvrerie au XIXe siècle, XIes Rencontres de l’Ecole du Louvre, La Documentation Française, Paris, 1994.
L’Argenterie, Claude Blart, Flammarion, Paris, 1989.

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France
Début XXe siècle

Bronze doré, Marbre

Haut. : 29 cm ; Larg. : 61,5 cm ; Prof. : 55,5 cm
Haut. totale : 139 cm

Importante paire de vasques en rare marbre vert antique de Grèce à décor mouluré encadré d’une frise feuillagée en bronze doré. Elles reposent sur deux gaines de forme cintrée en marbre blanc, décorée toute faces de panneaux en marbre vert antique souligné de filets en marbre rouge et finissant par quatre pieds en bronze doré.

Le marbre vert antique de Grèce est une brèche populaire depuis l’Antiquité pour créer des décors mais également des objets, comme cette vasque en marbre vert antique de Thessalonique, datant des IIIe-IVe siècle après J.-C., et conservée au Palazzo Rospigliosi à Rome.

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France
Circa 1900

Signés LM-Rys

Haut. : 12 cm – Diam. : 6 cm

Paire de petits vases à cols étriqués en émail peint sur cuivre à décor de personnage de scène galante, le marquis et la marquise.

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Créateur & Marchand-éditeur

Jardinière japonisante

Signé H.P pour Henri Pannier

France
Circa 1890

Bronze patiné

Hauteur : 27,5 cm ; Largeur : 29 cm

Charmante jardinière japonisante de forme hexagonale en bronze patiné à rehauts d’or. Ornée sur trois faces d’un dragon encadré d’une frise à motif en losange sur fond ajouré.
Elle est encadrée de six montants figurant des branchages agrémentés de fleurs de cerisiers sommés de trois papillons. Elle repose sur des pattes de dragon.

Biographie

L’Escalier de Cristal, ancienne et célèbre maison parisienne, spécialisée dans la céramique et la verrerie, mais proposant également du mobilier, des bronzes d’art et d’ameublement, avait été reprise à partir de 1885 – jusqu’en 1923 – par les fils d’Emile Pannier, Georges et Henri, qui constituèrent Pannier Frères, à l’angle des rues Scribe et Auber, à côté du nouvel Opéra.
Leurs créations d’inspiration extrême-orientale étaient entre autres grandement appréciées du public et de la critique. La maison remporta de multiples récompenses et médailles aux différentes expositions, dont la médaille d’or à l’Exposition Universelle de Paris en 1900. Dans le domaine du mobilier influencé par l’Extrême-Orient, Majorelle de Nancy, Edouard Lièvre ou Gabriel Viardot collaborèrent également au succès des Frères Pannier. Certaines de leurs œuvres sont visibles dans les plus grands musées, tels que celui de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg, le Musée d’Orsay ou le Corning Museum of Glass de New York.
La maison étant parfois propriétaire exclusive des modèles, ses meubles et objets décoratifs n’étaient souvent signés que par l’Escalier de Cristal, quelquefois à côté de la signature de l’artiste. Elle avait aussi un véritable rôle créateur en personnalisant ces œuvres par de superbes bronzes dorés, des plaques en émail cloisonné, des plaques de verre à décor japonisant ou incluant également des éléments japonais authentiques.

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Cache-pot en porcelaine

Japon – France
Circa 1880

Porcelaine, Bronze doré

Haut. : 42 cm ; Larg. : 52 cm

Important cache-pot en porcelaine d’Imari à décor polychrome et doré de grues, carpe et lion dans des réserves, le tout sur un fond vermiculé bleu orné de chrysanthèmes. Belle monture ajourée en bronze ciselé et doré de style rocaille à décor de feuillages formant les anses et la base, reposant sur quatre pieds.

Biographie

La porcelaine d’Imari est un style de céramique né vers 1600 dans la région d’Arita (有田町), cité de potiers de l’île de Kyūshū, au Sud du Japon.
Selon la tradition, c’est un coréen du nom de Ri Sampei, installé dans la région, qui exploita un gisement de kaolin situé au pied de la colline de l’Izumiyama. Il réussit la fusion du kaolin, vers 1400 °C, pour obtenir de la porcelaine semblable à celle des Chinois mettant fin à un monopole qui était vieux de plus de sept siècles. Cette porcelaine se caractérise par un décor utilisant trois couleurs: le bleu de cobalt, le rouge de fer et le fond blanc de la porcelaine, l’ensemble étant réhaussé d’or. Elle présente surtout des motifs floraux et a été appelée « Imari » du nom du port de l’île de Kyùshù, d’où elle était exportée, à quelques kilomètres d’Arita. Ce sont les difficultés d’approvisionnement en Chine (dues aux troubles politiques au XVIIe siècle) qui incitèrent les occidentaux à trouver d’autres sources de production et c’est ainsi que les Hollandais, avec leur Compagnie Orientale des Provinces-Unies, importèrent du Japon, les premiers Imaris.

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Créateur et Marchand-éditeur
(Attribué à)

Jardinière  Japonisante

France
Circa 1880

Email, Bronze doré

Haut. : 54 cm ; Larg. : 48 cm ; Prof. : 34 cm

Grande jardinière ornée sur la panse d’un décor tournant de fleurs polychromes et de motifs géométriques en émail cloisonné dorés sur fond rouge. Elle est insérée dans une importante monture en bronze patiné et doré composée de frises ajourées sur le col et d’anses à enroulement finissant par une tête de chien de Fô. Elle repose sur une base à quatre têtes d’éléphant à trompe enroulée élégamment caparaçonnées prenant appui sur un socle carré à décor de fleurs gravées et ciselées.

Biographie

L’Escalier de Cristal, ancienne et célèbre maison parisienne, spécialisée dans la céramique et la verrerie, mais proposant également du mobilier, des bronzes d’art et d’ameublement, avait été reprise à partir de 1885 – jusqu’en 1923 – par les fils d’Emile Pannier qui constituèrent Pannier Frères, à l’angle des rues Scribe et Auber, à côté du nouvel Opéra. Leurs créations d’inspiration extrême-orientale étaient entre autres grandement appréciées du public et de la critique. La maison remporta de multiples récompenses et médailles aux différentes expositions, dont la médaille d’or à l’Exposition Universelle de Paris en 1900. Dans le domaine du mobilier influencé par l’Extrême-Orient, Majorelle de Nancy, Edouard Lièvre ou Gabriel Viardot collaborèrent également au succès des Frères Pannier. Certaines de leurs œuvres sont visibles dans les plus grands musées, tels que celui de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg, le Musée d’Orsay ou le Corning Museum of Glass de New York. La maison étant parfois propriétaire exclusive des modèles, ses meubles et objets décoratifs n’étaient souvent signés que par l’Escalier de Cristal, quelquefois à côté de la signature de l’artiste. Elle avait aussi un véritable rôle créateur en personnalisant ces œuvres par de superbes bronzes dorés, des plaques en émail cloisonné, des plaques de verre à décor japonisant ou incluant également des éléments japonais authentiques.

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Fondeur
(1840-1897)
(attribué à)

Exceptionnelle Jardinière

France
Circa 1870

Haut. : 131 cm ; Larg. : 63 cm ; Prof. : 35 cm

Exceptionnelle jardinière en bronze ciselé et doré et onyx d’Algérie représentant une jeune Africaine agenouillée portant une vasque ovale godronnée ornée de rinceaux. Elle est vêtue d’un pagne en tissu, coiffée d’une aigrette et parée de nombreux bijoux. Elle repose sur un socle circulaire orné de bronze doré terminant par une base carrée.

Œuvre en relation

Un modèle de Vénus Africaine similaire monté en lampadaire fut exposé par Marnyhac à l’Exposition Universelle de Paris en 1878

Biographie

La maison Marnyhac ou Marnyhac et C^ie est le nom commercial de la Société des Marbres et Bronzes Artistiques de Paris, établie depuis le milieu du XIX^e siècle avenue de l’Opéra puis au 1, rue de la Paix. Dirigée par Charles de Marnyhac, l’entreprise se spécialise dans la production d’objets de luxe et de fontes d’après les oeuvres des plus grands sculpteurs du temps, parmi lesquels Jean-Baptiste Clésinger (1814-1883), Amédée Charron (1847-1937) et Eugène Despléchin (1852-1926). La maison Marnyhac participe avec succès à l’Exposition Universelle de 1878 où elle obtient une médaille, puis à l’Exposition Universelle de 1900, avant de fermer ses portes vers 1910.

Bibliographie

Great Exhibitions 1851-1900, Jonathan Meyer, Antique Collector’s Club, 2006, p°241.

L’Art et L’Industrie de tous les peuples à l’Exposition Universelle de 1878, Librairie Illustrée, Paris.

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Editeur de mobilier et d’objets d’art
(Maison active de 1799 à 1885)

Paire de vases cornets

France
Circa 1860

Signés M^on ALPH. GIROUX PARIS

Email, Bronze doré, Cristal

Hauteur : 36 cm ; Diamètre : 18 cm

Elégante paire de vases cornet à col évasé en cristal gravé à décor d’entrelacs feuillagés et de frises de perles. Amovibles, ils sont enserrés dans des socles circulaires en bronze doré orné de motifs géométriques émaillés, sur lesquels sont assis de part et d’autres deux putti musiciens. Ils reposent sur quatre pieds toupies.

Biographie

Alphonse Giroux et Cie, célèbre magasin de tabletterie et de curiosités situé à Paris, 7 rue du Coq-Saint-Honoré, dont l’activité s’étend du Consulat à la fin du Second Empire. Cette entreprise est créée par François-Simon-Alphonse, puis dirigée à partir de 1838 par ses deux fils Alphonse-Gustave (1810-1886) et André (1801-1879). C’est à l’Exposition des Produits de l’Industrie en 1834, que la maison Giroux, spécialisée dans la fabrication d’objets raffinés, obtient une médaille d’argent. Louis XVIII, puis Charles X se fournissent en cadeaux chez Giroux pour « les Enfants de France ». Exécutant peu à peu des petits meubles, ils apparaissent pour la première fois en 1837 sous la rubrique « Ebénistes » dans l’Almanach de Paris. Cependant, c’est Alphonse-Gustave qui donne véritablement de l’expansion à leur activité, comme en témoigne le rapport du jury de l’Exposition des Produits de l’Industrie de 1839, le récompensant d’une Médaille d’argent. Il figure alors au 1er rang des commerces de luxe. A. Giroux participe à l’Exposition Universelle de Paris en 1855, où il présente un bonheur-du-jour en tilleul, sculpté d’un décor naturaliste luxuriant, et que l’impératrice Eugénie achète pour son palais de Compiègne. A. Giroux transfère en 1857 sa boutique 43, boulevard des Capucines et y exerce jusqu’en 1867, date à laquelle il cède sa maison et son enseigne à son cousin Ferdinand Duvinage et Harinkouck.

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France
Circa 1750

Bronze doré, Porcelaine

Haut. : 23 cm ; Larg. : 56 cm ; Prof. : 29 cm

Charmante jardinière Rocaille en bronze ciselé et doré d’époque Louis XV, de forme chantournée à décor asymétrique de feuilles d’acanthe et d’enroulements, et d’une coquille ajourée en son centre. Un bouquet en bronze doré et fleurs en porcelaine polychrome, ainsi qu’un petit personnage en porcelaine de Meissen, en habit de cour et tenant des fleurs dans ses mains, agrémentent l’ensemble. La jardinière est doublée d’un intérieur amovible pouvant recevoir une composition florale.

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Editeur de mobilier et d’objets d’art
(Maison active de 1799 à 1885)
(attribué à)

Paire de vases cloisonnés

France
Circa 1860

Email, Bronze patiné et doré

Hauteur : 34,5 cm ; Largeur : 14,5 cm

Paire de vases de forme carrés à col évasé en émail cloisonné à décor sur la panse de lambrequins fleuris à motifs orientalisants  sur fond géométrique bleu et doré. La monture en bronze patiné et doré se compose d’une frise ajourée sur le col, de prises latérales à tête chien de Fô formant les anses ; le tout reposant sur  quatre pieds en forme de tête d’éléphant.

Biographie

Alphonse Giroux et Cie, célèbre magasin de tabletterie et de curiosités situé à Paris, 7 rue du Coq-Saint-Honoré, dont l’activité s’étend du Consulat à la fin du Second Empire. Cette entreprise est créée par François-Simon-Alphonse, puis dirigée à partir de 1838 par ses deux fils Alphonse-Gustave (1810-1886) et André (1801-1879). C’est à l’Exposition des Produits de l’Industrie en 1834, que la maison Giroux, spécialisée dans la fabrication d’objets raffinés, obtient une médaille d’argent. Louis XVIII, puis Charles X se fournissent en cadeaux chez Giroux pour « les Enfants de France ». Exécutant peu à peu des petits meubles, ils apparaissent pour la première fois en 1837 sous la rubrique « Ebénistes » dans l’Almanach de Paris. Cependant, c’est Alphonse-Gustave qui donne véritablement de l’expansion à leur activité, comme en témoigne le rapport du jury de l’Exposition des Produits de l’Industrie de 1839, le récompensant d’une Médaille d’argent. Il figure alors au 1er rang des commerces de luxe. A. Giroux participe à l’Exposition Universelle de Paris en 1855, où il présente un bonheur-du-jour en tilleul, sculpté d’un décor naturaliste luxuriant, et que l’impératrice Eugénie achète pour son palais de Compiègne. A. Giroux transfère en 1857 sa boutique 43, boulevard des Capucines et y exerce jusqu’en 1867, date à laquelle il cède sa maison et son enseigne à son cousin Ferdinand Duvinage et Harinkouck.

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Bronzier
(Actif de 1853 à 1918)

Exceptionnelle pendule rotative aux Tritons

France
Circa 1889

Signée MILLET A PARIS  

Haut. : 72 cm ; Larg. : 59 cm ; Prof. : 26 cm

Provenance : Château de Paradis, La Croix-en-Touraine 

Pendule à double cercle tournant en brèche sanguine et bronze doré. En forme de vase couvert, la panse est agrémentée de bouquets de joncs et d’un couple de tritons ailés tenant un trident. Les cercles tournants sont émaillés de chiffres arabes pour les minutes et romains pour les heures. Le couvercle, cerclé d’un tore, est sommé d’une grenade éclatée. Elle repose sur un piédouche quadrangulaire orné d’un dauphin dans des flots. 

Réputée pour la qualité de sa ciselure et le choix des matériaux, la Maison Millet disposait d’un grand atelier où travaillaient de nombreux ouvriers, utilisait ses propres maîtres-modèles de bronze et bénéficiait de collaboration avec de célèbres sculpteurs et bronziers comme Claude Marioton.

Un modèle similaire de pendule rotative est présenté par la Maison Millet lors de l’Exposition Universelle de Paris en 1889.

Biographie

La maison Millet fut fondée à Paris en 1853. Spécialiste de grand talent dans la reproduction de mobilier du XVIIIe siècle, Millet exécuta des meubles et des bronzes d’art de très haute qualité. Il fut l’un des très rares ébénistes à obtenir l’autorisation du château de Versailles pour réaliser la réplique du célèbre serre-bijoux de la reine Marie-Antoinette. Artiste de grand mérite, il obtint les plus hautes récompenses, telle la Médaille d’Or à l’Exposition Universelle de Paris en 1889 durant laquelle il expose pour la première fois, ou le Grand Prix à l’Exposition Universelle de 1900. Les archives photographiques montrent, parmi les vues d’atelier et de son magasin parisien, le stand de Millet à l’Exposition Universelle de Saint-Louis (Etats-Unis) en 1904. Le rayonnement de cette maison à l’international se fait alors par le biais de son antenne à New-York « Duryea and Potter » 469 fifth avenue, New-York. La Maison Millet subsista jusqu’en 1918.

Bibliographie

L’ameublement d’art français, 1850-1900, Camille Mestdagh, Les Ed. de l’Amateur, Paris, 2010, p. 244

Le mobilier français du XIXe siècle, dictionnaire des ébénistes et des menuisiers, Denise Ledoux-Lebard, Editions de l’Amateur, 2000, p. 482 et 483

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Ebéniste
(attribué à)

Importante paire de vases couverts

France
Circa 1890

Bronze doré, Granit rouge d’Assouan

Haut. : 67 cm ; Larg. : 41 cm ; Base : 23,5 x 23,5 cm

Importante paire de vases couverts de forme galbée à godrons saillants, en granit d’Assouan et bronze ciselé et doré d’inspiration Louis XV dans le goût rocaille. Le couvercle est sommé d’une prise en forme de grenade éclatée accompagnée de feuillages, le corps flanqué de larges anses à enroulements d’où émergent des roseaux et qui se rattachent à l’encolure bordée de feuilles et de palmettes, le pied maintenu par quatre agrafes feuillagées et l’ensemble reposant sur une base carrée à décor de feuillages.

Œuvre en relation

Paire de vases similaires sur le stand de la Maison Lexcellent, Exposition Universelle de 1900, La décoration et l’ameublement à l’Exposition de 1900, Armand Guerinet

Biographie

Guillaume-Edmond Lexcellent naît à Paris le 2 décembre 1834. En 1867, il ouvre une fabrique et un magasin de meubles situés au 46 rue de Charenton à Paris, puis au 8 rue Bréguet où il exerce jusqu’en 1928. Il participe à plusieurs Expositions universelles en y exposant du mobilier de différents styles: en 1855 il obtient une mention honorable, en 1867 il reçoit une médaille de bronze et en 1889, il reçoit une médaille d’argent. A partir de 1894, Lexcellent se met à fabriquer des copies de meubles anciens.

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Fabricant de Porcelaines
(XIX^ème siècle)

Important cache-pot et son plat

France
Circa 1880

Cache-pot – Haut. : 32 cm ; Diam. : 37 cm
Plat – Diam. : 64,5 cm ; Prof. : 7 cm

Importants cache-pot et son plat en porcelaine.
Ils sont décorés de frise dorée et rouge de lotus entrelacés, de coupes de fruits et de fleurs, d’éventails  et de cartouches à deux « L » accolés soutenant une fleur.

Tous deux sont ornés des armes de France d’azur à trois fleurs de lys d’or qui prennent place dans deux colliers d’ordre de chevalerie : celui de l’ordre du Saint-Esprit et celui de l’ordre de Saint-Michel, un collier d’or aux coquilles auquel est suspendu un médaillon représentant l’archange terrassant le dragon.

Œuvre en relation

Ce plat et ce cache-pot sont à rapprocher du service commandé par Louis XV, en porcelaine de Jingdezhen, Chine, vers 1730, dont un plat est conservé au Musée de la Compagnie des Indes, à Lorient.

Biographie

Edmé Samson (1810-1891), peintre décorateur sur céramique établi en 1845 au n°7 rue Vendôme à Paris, achetait ses blancs, autrement dit les porcelaines non décorées, à diverses manufactures parisiennes. Son fils Emile (1837-1913) qui lui succéda, commença à faire des reproductions d’anciennes porcelaines. Présent à l’Exposition des Beaux-Arts appliqués à l’Industrie de 1863, Emile Samson se fit particulièrement remarqué pour ses porcelaines imitant les « Vieux Japon ». Il installa en 1864 une manufacture à Montreuil-sous-Bois, près de Paris et connut un grand succès à l’Exposition Universelle de Paris en 1867 avec ses imitations de Saxe, Chine et Japon, jugées toutes de très belle qualité. A l’Exposition Universelle de 1889, Samson & C^ie était réputée pour être spécialisée dans les pièces de grandes dimensions tant en faïence qu’en porcelaine, dont les modèles provenaient des plus grands musées français et étrangers, comme le Musée du Louvre ou le Victoria & Albert Museum de Londres. Emile s’associa en 1891 avec son fils Léon (1868-1928), sous la raison sociale de Samson & Fils, qui donna une grande extension à la manufacture, employant un grand nombre d’ouvriers et de décorateurs. Outre la fabrication et décoration de ces porcelaines, la manufacture Samson disposait également d’un atelier de bronzes pour leurs superbes montures.

Bibliographie

– F. Slitine, Samson, génie de l’imitation, Massin, Paris, 2002.
– Faïence et porcelaine de Paris, XVIIIe-XIXe siècles, Régine de Plinval de Guillebon, Editions Faton, Paris, 1995, p° 406.

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Italie
Circa 1880

Bois doré

Hauteur :  180 cm ; Largeur : 114 cm

Elégant miroir en bois sculpté et doré, de forme chantournée à riche décor rocaille ajouré de fleurs,  de volutes et de feuilles d’acanthe.

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Bronzier
(1828-c.1890)
(attribué à)

Pendule néo-Egyptienne

Haut. : 46 cm ; Larg. : 39 cm ; Prof. : 17 cm

Pendule en marbre noir fin et marbre rouge en forme de temple Egyptien, orné de colonnes décorées de hiéroglyphes et d’un uraeus ailé réalisés en bronze à deux patines. La pendule est surmontée d’un Sphinx ailé en bronze patiné. L’ensemble repose sur quatre visages coiffés du némès se prolongeant en pattes de lion.

Biographie

Georges Emile Henri Servant (1828-c. 1890) succède à son père dès 1855 à la tête d’une fonderie rue Vieille-du-Temple à Paris. Il se spécialise dans la production non seulement de pendules néo-Egyptiennes, alors très populaires en France depuis les années 1860, mais aussi d’objets décoratifs de style Grec. Déjà très remarqué par le public et la critique pour ses bronzes de grande qualité à l’Exposition Universelle de Paris en 1855, puis à celle de Londres en 1862, G. Servant exporte dès cette époque jusqu’à 40% de sa production, principalement vers les Etats-Unis. C’est ainsi que ses pendules au sphinx sont vendues avec beaucoup de succès par Louis C. Tiffany Inc. ou Hamann & Roche, à New York (Une pendule similaire est conservée au Metropolitan Museum of Art, New York). Ses œuvres néo-Grecques et Egyptiennes lui valent enfin la médaille d’or à l’Exposition Universelle de Paris en 1867 (Les Merveilles de l’Exposition Universelle de 1867, t. II, p° 165 & 167), puis c’est en 1874 que lui vient la consécration, avec sa nomination au rang de chevalier de la Légion d’honneur. A l’Exposition Universelle de 1878, Servant qui est alors membre du Jury de la classe des bronzes d’art, expose néanmoins des vases et des petites pièces de mobilier en bronze, qui retiennent une fois de plus l’admiration générale. Il prend finalement sa retraite peu avant l’Exposition Universelle de 1889.

Museologie

Objets décoratifs réalisés par Servant et exposés aux Etats-Unis :
– The Metropolitan Museum, New York.
– The High Museum, Atlanta.

Bibliographie

Les Merveilles de l’Exposition Universelle de 1867, t. II, p° 165 & 167.
Exposition Universelle de 1878, Rapport sur les bronzes d’art, Groupe III, Classe 25, p° 26.
“La petite sculpture au XIXe s. Les éditeurs”, Bernard Metman, Archives de l’Art français, 1989, t. XXX, p° 210.

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Service à thé

France
Circa 1880

Bol – Hauteur : 11 cm
Théière – Hauteur : 21,5 cm

Charmant service à thé en porcelaine de Paris de style Restauration à fond rouge et or amati, composé d’une théière, de cinq tasses à anse à enroulement et leur soucoupe, et d’une coupe. Ce service, à l’intérieur doublé d’or, est orné de cartouches représentant des châteaux et belles propriétés dans des paysages de campagne, encadrés de frises de feuilles d’eau dorées et alternant avec des lyres. Le bec verseur de la théière, au couvercle orné d’une frise de perles, figure un animal.

biographie

La Porcelaine de Paris, plus communément appelée « Vieux Paris », est une porcelaine à pâte dure, d’un blanc pur, laiteux, très brillant, décorée en peinture et très souvent en or. Il y avait à Paris des fabriques de porcelaine, d’un très haut niveau, avec leur marque bien définie. Mais on décorait, surtout, dans les ateliers, les blancs cuits dans la région de Limoges ou de la banlieue parisienne.

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France
Circa 1830

Cadran signé Polti Frères

Bronze doré

Avec socle : Hauteur : 61 cm ; Largeur : 51,5 cm ; Profondeur : 23,5 cm
Sans socle : Hauteur : 52 cm ; Largeur : 42 cm ; Profondeur : 12,5 cm

Importante pendule philhellénique en bronze doré bruni et amati, délicatement ciselé, représentant sur la terrasse un couple élégamment vêtu « à la turque », et richement orné de rinceaux, de volutes et de fleurettes. Les pieds, ornés de feuilles d’eau, reposent sur un socle ovale en palissandre recouvert d’un globe.

Le thème de la pendule est issu de The Giaour, a fragment of a Turkish Tale, un poème anglais de Lord Byron édité en mai 1813 qui relate les amours contrariées d’un vénitien, le Giaour – terme par lequel les Turcs désignent les infidèles et particulièrement les chrétiens – et de Leila, une esclave appartenant au sérail d’Hassan, chef militaire d’une province turque. La trahison de Leila découverte, elle sera jetée à la mer et son amant la vengera en tuant Hassan, se réfugiant ensuite dans un monastère.

Symbole de prestige et de modernité, les pendules décoratives sont le reflet du goût de l’époque d’une bourgeoisie aisée et pouvant faire l’objet de cadeaux diplomatiques ou entre particuliers. Au-delà de l’aspect purement décoratif de tels objets, l’horlogerie au XIXe siècle s’inscrit dans un subtil mélange de références politiques, historiques et littéraires.

Ce mouvement philhellénique touchant l’Occident trouve un écho particulier en France, l’un des pays avec le Royaume-Uni et la Russie ayant soutenu les Grecs pendant leur guerre d’indépendance (1821-1830) pour se libérer de l’emprise de l’Empire Ottoman. De nombreuses pendules ont ainsi été réalisées, mettant en exergue le courage des combattants, célébrant les héros de cette guerre d’indépendance et exaltant le sentiment national ou s’inspirant de la littérature contemporaine évoquant ces évènements.

Oeuvres en relation

Pendule Leila et le Giaour Bronze doré, H. : 58 cm Reproduite dans Les heures du Philhellénisme, les pendules philhelléniques françaises, Stéphan Adler, Editions Olkos, Athènes, 2018, p.271

Fixé sous verre, vers 1830, Reproduit dans Les heures du Philhellénisme, les pendules philhelléniques françaises, Stéphan Adler, Editions Olkos, Athènes, 2018, p.270

Bibliographie

Les heures du Philhellénisme, les pendules philhelléniques françaises, Stéphan Adler, Editions Olkos, Athènes, 2018

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Elégante paire de Vases

France
Circa 1860

Hauteur : 40 cm ; Largeur : 23 cm

Charmante paire de vases de forme balustre en porcelaine de Valentine, à anses ajourées rehaussées d’or. Ils sont décorés au recto d’un bouquet polychrome de fleurs au naturel dans un cartouche bordé d’une frise d’entrelacs dorés et au verso d’un cartouche feuillagé, le tout sur un fond bleu. Le col est orné d’un décor de cailloutis, et cerclé d’or comme le pied.

La manufacture dite de Valentine est une manufacture de porcelaine fondée en 1832, à la suite de la découverte d’un filon de kaolin dans les Pyrénées centrales, à Saint-Gaudens. Elle est la seule fabrique de porcelaine du sud de la France. Chassés par des ennuis politiques, d’anciens faïenciers de Moustiers-Sainte-Marie (Alpes-de-Haute-Provence) fondent une manufacture à Toulouse, au début du XIXe siècle. Dès 1820, cette manufacture « Fouque et Arnoux, fabricants de faïence, place Saint-Sernin à Toulouse », compte soixante-dix ouvriers et une annexe à Saint-Gaudens, sur les bords de la Garonne, où les deux fabriques seront regroupées en 1832. Cette manufacture employant jusqu’à 250 ouvriers dans les années 1850 fait alors face à la colline de Valentine où les 6 fours de la fabrique se ravitaillent en bois, et dont les porcelaines prendront le nom. Ces “porcelaines de Valentine”, produites à Saint-Gaudens jusqu’en 1878, sont à pâte dure, d’un blanc pur, laiteux, à émail très brillant, et dont les fameux “Bleus de Valentine” sont colorés au bleu de cobalt. Les décors sont très souvent enrichis de bouquets floraux et de filets d’or peints sur l’émail.

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Manufacture de cristal
(attribué à)

Charmante paire de vases

France
Circa 1880

Cristal, Email, Bronze doré et patiné

Haut. : 35,5 cm ; Base : 13 x 13 cm

Elégante paire de vases à section carrée, en cristal émaillé à décor polychrome d’oiseaux du paradis, reposant sur une base ajourée en bronze patiné et doré à motifs japonisants.

Entre 1764 et 1860, à de rares exceptions, la Cristallerie de BACCARAT ne signe pas ses oeuvres. Les premières étiquettes en papier apparaissent en 1860 et représentent à l’intérieur d’un cercle, une carafe entourée d’un verre à pied et d’un gobelet au-dessus desquels est marqué BACCARAT.  A partir de 1875, la marque « BACCARAT » en lettres bâton et en relief est présente  sur certains modèles soufflés et sur les parties en bronze des montures. C’est à partir de 1936 que la carafe entourée d’un verre à pied et d’un gobelet, avec « BACCARAT » marqué au-dessus, apparaît systématiquement sur l’ensemble de la production.

Biographie

La célèbre cristallerie de Baccarat, dont l’origine remonte au XVIIIe s., remporte sa première médaille d’or, à l’occasion de l’Exposition des Produits de l’Industrie de 1823, où elle est saluée pour “l’éclat et la finesse du cristal” et devient la première cristallerie de France. Baccarat est sans nul doute la seule industrie française qui est alors constamment et magistralement représentée au cours des différentes expositions auxquelles elle participe, remportant de ce fait les honneurs et de prestigieuses récompenses. Un maître-mot, “la perfection de la matière et de la taille”, revient dans tous les rapports d’Expositions Universelles entre 1855 et 1867, où la cristallerie Baccarat domine par la qualité de son cristal, jugé supérieur à ceux de Bohême et d’Angleterre. Afin de fidéliser ses clients fortunés, parmi lesquels figure bien évidemment les membres de la Famille Royale, Baccarat se doit de découvrir et lancer de nouvelles modes, de nouveaux décors ainsi que de nouvelles matières, comme le prouve ce très beau cristal Opale, qui devint rapidement l’une des spécialités de Baccarat dans les années 1850.

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Créateur & Marchand-éditeur
(attribué à)

Pendule Japonisante

France
Circa 1890

Haut. : 45 cm ; Larg. : 24 cm ; Prof. : 15 cm

Rare pendule japonisante en bronze ciselé et doré de forme rectangulaire.
Elle est décorée en son centre d’une plaque en céramique peinte à décor fleuri de branches de chrysanthème rehaussé d’or sur fond crème, le tout serti dans un cadre en bronze doré sommé d’un dragon menaçant. Riche ornementation en bronze de motifs japonisants traités en ajours et entourant un buste de gardien protecteur.
Elle repose sur des doubles pieds réunis par une entretoise où figurent deux personnages du théâtre japonais vêtus en costumes traditionnels. Les heures et les minutes sont marquées par la tête et la queue d’un dragon articulé.

La réouverture des ports japonais pour le commerce avec l’Occident en 1853 vit arriver en France de nombreux objets japonais qui influencèrent la création artistique de l’époque. Mais curieusement le Japon n’est pas la seule origine de ce mouvement artistique connu sous le nom de Japonisme : en effet ce mouvement puise aussi son inspiration dans l’art chinois, suite notamment à la campagne militaire franco-anglaise de 1860 qui mena au pillage du Palais d’Eté de Pékin. Dès lors l’influence du Japonisme grandit et toucha successivement tous les secteurs de l’art : d’abord la peinture puis peu à peu le mobilier, les objets d’art et même la sculpture et l’architecture. Dès 1863, l’Impératrice Eugénie donnait le ton en constituant son musée chinois au sein du palais de Fontainebleau. La première participation du Japon à une Exposition Universelle, celle de 1867, renforça et confirma cet attrait pour l’Extrême-Orient. Par ailleurs la diffusion d’ouvrages d’ornements chinois et japonais permit alors le renouvellement de la décoration intérieure des demeures d’une clientèle avide de nouveautés.

L’Escalier de Cristal n’échappa pas à cette influence et proposa à son tour des produits d’inspiration japonaise. Pour cela, la célèbre maison collabora avec divers artistes tels Gabriel Viardot (1830-1906) ou Louis Majorelle (1859-1926) et adapta avec une grande liberté les motifs d’inspiration japonaise pour créer des œuvres tout à fait originales, privilégiant les petits objets décoratifs comme les plateaux, les pendules ou les vases, en bronze et émail.

Oeuvres en relation

Pendule Japonisante attribuée à l’Escalier de Cristal, signée sur le mouvement CHLES MT / Japy Frères & Cie

Garniture de cheminée Japonisante attribuée à l’Escalier de Cristal

Biographie

L’Escalier de Cristal, ancienne et célèbre maison parisienne, spécialisée dans la céramique et la verrerie, mais proposant également du mobilier, des bronzes d’art et d’ameublement, avait été reprise à partir de 1885 – jusqu’en 1923 – par les fils d’Emile Pannier qui constituèrent Pannier Frères, à l’angle des rues Scribe et Auber, à côté du nouvel Opéra.

Leurs créations d’inspiration extrême-orientale étaient entre autres grandement appréciées du public et de la critique. La maison remporta de multiples récompenses et médailles aux différentes expositions, dont la médaille d’or à l’Exposition Universelle de Paris en 1900.

Dans le domaine du mobilier influencé par l’Extrême-Orient, Majorelle de Nancy, Edouard Lièvre ou Gabriel Viardot collaborèrent également au succès des Frères Pannier. Certaines de leurs œuvres sont visibles dans les plus grands musées, tels que celui de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg, le Musée d’Orsay ou le Corning Museum of Glass de New York.

La maison étant parfois propriétaire exclusive des modèles, ces meubles et objets décoratifs n’étaient souvent signés que par l’Escalier de Cristal, quelquefois à côté de la signature de l’artiste. Elle avait aussi un véritable rôle créateur en personnalisant ces œuvres par de superbes bronzes dorés, des plaques en émail cloisonné, des plaques de verre à décor japonisant ou incluant également des éléments japonais authentiques.

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Bronzier
(Actif de 1853 à 1918)

Importante paire d’aiguières

Signé MILLET A PARIS

France
Circa 1880

Bronze doré, Marbre

Haut. : 65 cm ; Larg. : 31 cm ; Prof. : 20 cm

Très belle paire d’aiguières d’inspiration Louis XV en brèche sanguine et bronze doré. Riche décor rocaille à volutes, motifs végétaux asymétriques et coquilles, reposant sur une élégante base chantournée et ajourée. L’anse est agrémentée d’un dragon menaçant finement ciselé.

Réputée pour la qualité de sa ciselure et le choix des matériaux, la Maison Millet disposait d’un grand atelier où travaillaient de nombreux ouvriers, utilisait ses propres maîtres-modèles de bronze et bénéficiait de collaboration avec de célèbres sculpteurs et bronziers comme Claude Marioton. Caractéristique de la production de la Maison Millet, la réinterprétation du style rocaille concernait tant les meubles que les objets d’art. La grande maîtrise dans l’exécution de lignes courbes, la finesse dans la représentation asymétrique de coquilles et de végétaux suggèrent l’influence de modèles de grands ornemanistes comme Juste-Aurèle Meissonnier pour la réalisation de telles oeuvres.

Vue des ateliers de la Maison Millet présentant un modèle d’aiguière similaire aux nôtres.

Biographie

La maison Millet T. fut fondée à Paris en 1853. Spécialiste de grand talent dans la reproduction de mobilier du XVIII^e siècle, Millet exécuta des meubles et des bronzes d’art de très haute qualité. Il fut l’un des très rares ébénistes à obtenir l’autorisation du château de Versailles pour réaliser la réplique du célèbre serre-bijoux de la reine Marie-Antoinette. Artiste de grand mérite, il obtint les plus hautes récompenses, telle la Médaille d’Or à l’Exposition Universelle de Paris en 1889 durant laquelle il expose pour la première fois, ou le Grand Prix à l’Exposition Universelle de 1900. Les archives photographiques montrent, parmi les vues d’atelier et de son magasin parisien, le stand de Millet à l’Exposition Universelle de Saint-Louis (Etats-Unis) en 1904. Le rayonnement de cette maison à l’international se fait alors par le biais de son antenne à New-York « Duryea and Potter » 469 fifth avenue, New-York. La Maison Millet subsista jusqu’en 1918.

Bibliographie

L’ameublement d’art français, 1850-1900, Camille Mestdagh, Les Ed. de l’Amateur, Paris, 2010

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Manufacture de Cristal

Centre de table en cristal taillé

France
Circa 1870

Coupe ovale : Haut. : 15 cm ; Long. : 42 cm ; Larg. : 25 cm
Coupes circulaires : Hauteur : 11,5 cm ; Diamètre : 25 cm

Elégant centre de table composé d’une grande coupe centrale ovale et de deux coupes circulaires, en cristal taillé à décor de palmettes stylisées sur fond quadrillé, reposant sur un monture en bronze argenté représentant des branchages fleuris.

Entre 1764 et 1860, à de rares exceptions, la Cristallerie de BACCARAT ne signe pas ses oeuvres. Les premières étiquettes en papier apparaissent en 1860 et représentent à l’intérieur d’un cercle, une carafe entourée d’un verre à pied et d’un gobelet au-dessus desquels est marqué BACCARAT.  A partir de 1875, la marque « BACCARAT » en lettres bâton et en relief est présente  sur certains modèles soufflés et sur les parties en bronze des montures. C’est à partir de 1936 que la carafe entourée d’un verre à pied et d’un gobelet, avec « BACCARAT » marqué au-dessus, apparaît systématiquement sur l’ensemble de la production.

Biographie

La célèbre cristallerie de Baccarat, dont l’origine remonte au XVIII^ème s., remporte sa première médaille d’or, à l’occasion de l’Exposition des Produits de l’Industrie de 1823, où elle est saluée pour « l’éclat et la finesse du cristal » et devient la première cristallerie de France. Baccarat est sans nul doute la seule industrie française qui est alors constamment et magistralement représentée au cours des différentes expositions auxquelles elle participe, remportant de ce fait les honneurs et de prestigieuses récompenses. Un maître-mot, « la perfection de la matière et de la taille », revient dans tous les rapports d’Expositions Universelles entre 1855 et 1867, où la cristallerie Baccarat domine par la qualité de son cristal, jugé supérieur à ceux de Bohême et d’Angleterre.

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Italie
XIXe siècle

Grand miroir : Haut. : 49 cm ; Larg. : 43 cm ; Prof. : 6 cm
Petits miroirs : Haut. : 40 cm ; Larg. : 34 cm ; Prof. : 4 cm

Elégante suite de trois miroirs probablement vénitiens, en bronze doré à glace trilobée, de forme chantournée et reposant sur un chevalet.
Riche ornementation d’inspiration rocaille, à décor de rinceaux, feuilles d’acanthe et de coquilles.

Commentaire

Originellement en étain ou en bronze, la découverte du miroir verre est une véritable révolution : l’invention de la glace à la verrerie vénitienne de Murano transforme le caractère et donne de nouvelles possibilités à l’utilisation du miroir. Ce secret de fabrication est long à se répandre en Europe, l’Italie en conserve l’exclusivité de la fabrication et exporte ses œuvres dans le reste de l’Europe en influençant le caractère artistique de la production.

Les premiers cadres des miroirs italiens sont de simples baguettes de bois, puis petit à petit ils s’adaptent à l’esprit Gothique et Renaissance, deviennent plus massifs avec des colonnettes, des frontons, des ornementations riches en personnages mythologiques ou autres, des perles, et des feuilles d’acanthe. Des ornements en bronze, des pierres précieuses, de l’agate sont souvent associés au bois.

Au cours du XVIIème siècle des manufactures apparaissent dans les autres pays d’Europe en faisant appel au savoir faire des Maîtres verriers Vénitiens.

Le mode de fabrication du miroir verre se perfectionne, permet d’obtenir des surfaces de plus en plus grandes et intègre le miroir dans l’aménagement intérieur. Les formes et encadrements s’adaptent au style de l’ensemble de la décoration.

Si la fabrication de miroirs s’est répandue au cours des siècles dans de nombreux pays, le miroir vénitien reste réputé pour son côté luxueux, son élégance et sa forme prestigieuse.

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Bronzier
(1828-c.1890)
(attribué à)

Caryatides

France
Circa 1875

Bronze patiné et doré, marbre noir

Grande caryatide – Haut. : 225 cm ; Larg. : 65 cm ; Prof. : 40 cm
Petites caryatides – Haut. : 183 cm ; Larg. : 55 cm ; Prof. : 21 cm

Exceptionnel ensemble de trois caryatides monumentales en marbre noir et bronze, formant jardinière, dans le style néo-grec. Les trois caryatides se terminent en gaine et reposent sur un pied orné de motifs végétaux. La plus grande en forme de femme grecque revêtue d’une draperie antique et arborant des ornements en bronze doré : collier, ceinture, bandeau, guirlande de fruits, supportant un chapiteau ionique surmonté d’une large jardinière ornée de motifs végétaux et d’un vase en bronze patiné et doré. Les deux autres caryatides, de plus petites dimensions ne présentent que la tête grecque engainée, ornée du collier et d’une guirlande de fruits, supportant un chapiteau et une jardinière. Les gaines sont ornées de motifs d’épis incrustés.

Ces jardinières-caryatides monumentales proviennent certainement d’une commande d’un collectionneur privé pour un hôtel particulier parisien. Leur style évoque les sculptures contemporaines pour l’Opéra Garnier à Paris (circa 1875) et plus précisément les œuvres exposées par le bronzier Servant à l’Exposition universelle de Paris, en 1878.

Biographie

Georges Emile Henri Servant (1828-c. 1890), succède à son père dès 1855 à la tête d’une fonderie rue Vieille-du-Temple à Paris. Il se spécialise dans la production non seulement de pendules néo-Egyptiennes, alors très populaires en France depuis les années 1860, mais aussi d’objets décoratifs de style Grec. Déjà très remarqué par le public et la critique pour ses bronzes de grande qualité à l’Exposition Universelle de Paris en 1855, puis à celle de Londres en 1862, G. Servant exporte dès cette époque jusqu’à 40% de sa production, principalement vers les Etats-Unis. C’est ainsi que ses pendules sont vendues avec beaucoup de succès par Louis C. Tiffany Inc. ou Hamann & Roche, à New York. Ses œuvres néo-Grecques et Egyptiennes lui valent enfin la médaille d’or à l’Exposition Universelle de Paris en 1867, puis c’est en 1874 que lui vient la consécration, avec sa nomination au rang de chevalier de la Légion d’honneur. A l’Exposition Universelle de 1878, Servant qui est alors membre du Jury de la classe des bronzes d’art, expose néanmoins des vases et des petites pièces de mobilier en bronze, qui retiennent une fois de plus l’admiration générale. Il prend finalement sa retraite peu avant l’Exposition Universelle de 1889.

Bibliographie

Les Merveilles de l’Exposition Universelle de 1867, t. II, p° 165 & 167.

The Art Journal Catalogue of the Paris Universelle Exposition of 1867, London, 1867, p° 20.

Exposition Universelle de 1878, Rapport sur les bronzes d’art, Groupe III, Classe 25, p° 26.

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Importante garniture à médaillons de porcelaine

Porte la signature sur le cadran Furet & Bon, H^rs du Roy, à Paris

France
Circa 1880

Pendule – Haut. : 98 cm ; Larg. : 70 cm ; Prof. : 25 cm
Candélabres – Haut. : 116 cm & 92 cm ; Diam. : 50 cm

Exceptionnelle garniture de style Louis XVI comprenant une pendule et deux paires de candélabres à sept lumières. Réalisée en marbre blanc de Carrare, avec une splendide ornementation en bronze ciselé et doré, à décor d’Allégories féminines, représentant Euterpe, Muse de la Musique jouant de la lyre et Uranie, Muse de l’Astronomie tenant un globe terrestre et un compas. Elles sont accompagnées d’amours, de têtes de bélier et de guirlandes fleuries pour la pendule, de roses, de tulipes et de lys formant les branches des candélabres. L’ensemble est décoré de médaillons très finement réalisés en porcelaine « pâte sur pâte » sur fond bleu, mettant en scène des cupidons.

Œuvres en rapport

Une pendule similaire réalisée vers 1780, aujourd’hui conservée au palais royal de Madrid, est reproduite dans l’ouvrage de référence Encyclopédie de la pendule française de Pierre Kjellberg, Ed. de l’amateur, p. 258 et dans La pendule française dans le monde, Tardy, vol. 2, Paris, 1981, p. 112.

Les candélabres sont à rapprocher de ceux réalisés par Pierre-Philippe Thomire et François Rémond vers 1785 pour le roi Charles IV et la reine Marie-Louise d’Espagne (entrés par la suite dans la collection du baron Alphonse de Rothschild  au château de Ferrières).

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Dessinateur
(actif entre 1867 et 1873)

C.-G. Diehl

Ebéniste
(1811-1885)

E. Fremiet

Sculpteur
(1824-1910)            

(attribué à)                  

Exceptionnelle jardinière

France
Circa 1870

Haut. : 90 cm ; Larg. : 65 cm ; Prof. : 50 cm

Exceptionnelle jardinière en bois noirci et ornements de bronze argenté reposant sur quatre montants tournés réunis par un piètement. La jardinière est ornée de masques de Bacchus en applique, d’après un dessin de J. Brandely, et encadrée aux quatre angles par de forts ressauts surmontés de félins cambrés, caractéristiques du répertoire animalier du sculpteur E. Frémiet. Le tout est surmonté d’un couvercle richement orné d’une frise de palmettes, de cartouches à flèches et médaillons et d’un bouton de préhension à têtes animalières.

Biographie

Installé à Paris vers 1840, Charles-Guillaume Diehl (1811-c.1885) fonde son entreprise d’ébénisterie et de décoration au n°16, puis au n°19, rue Michel-le-Comte. Ses ateliers exécutent d’élégantes pièces de mobilier en bois de rose et thuya pour la Famille Royale et des collectionneurs parisiens. Diehl est également spécialisé dans la production de « fantaisies avec bronzes et porcelaine ». Dès le milieu des années 1860, il s’associe à l’un des plus grands sculpteurs naturalistes français, Emmanuel Frémiet, qui lui réalise un bas-relief destiné à un médaillier exposé à l’Exposition Universelle de 1867 (conservé au Musée d’Orsay). Au cours de la même décennie, Diehl renouvelle son répertoire décoratif et crée ses célèbres meubles de style néo-Grec qui connaissent un énorme succès lors des différentes Expositions Universelles. Il gagne ainsi à l’Exposition Universelle de Paris en 1855, puis de nouveau en 1867, une médaille de bronze. En collaboration avec le dessinateur Jean Brandely, Diehl renouvelle son répertoire décoratif et crée ses étonnants meubles de style Grec qui connaissent un succès fulgurant à l’Exposition Universelle de Paris en 1867, tandis que ses coffrets y remportent une médaille d’argent. Certains motifs grecs sont alors si particuliers à Diehl, qu’ils sont longuement commentés par le critique d’art J. Mesnard dans son ouvrage Les Merveilles de l’Exposition Universelle de 1867. Diehl s’associe également pour cette Exposition Universelle à deux sculpteurs de renom : Emile Guillemin (1841-1907) qui sculpte le relief d’un bahut en acajou et bronzes galvaniques dorés (Musée d’Orsay, Paris, Inv. O.A.O. 992) et Emmanuel Frémiet (1824-1910) qui réalise le bas-relief d’un médaillier en cèdre, marqueterie et bronzes argentés (Musée d’Orsay, Paris, Inv. O.A. 10440). Diehl sera de nouveau récompensé d’une Médaille d’honneur à l’Exposition de l’Union centrale de 1869 et d’une médaille de Progrès à l’Exposition Universelle de Vienne en 1873 (Buffet en poirier noirci, citronnier, bronzes galvaniques, dessin de J. Brandely et bas-relief d’E. Guillemin, Musée d’Orsay, Paris, Inv. O.A.O. 336). Encensé par la critique, Diehl est considéré comme l’un des artistes les plus innovateurs du XIXème siècle.

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« Scène champêtre aux daims »

France
Signée Saunier et datée 1819

Peinture sur porcelaine, cadre en bois doré

Dimensions avec cadre – Haut. : 44 cm ; Larg. : 54 cm
Sans cadre – Haut. : 24 cm ; Larg. : 33 cm

Plaque de porcelaine ovale peinte à décor de daims dans un paysage, avec une fabrique en arrière-plan. Elle est insérée dans un cadre en bois doré à motifs de palmettes, d’époque Restauration.

Porcelaine de Paris

Paris, capitale de l’art, de la mode et du luxe ne pouvait, lors de la découverte du Kaolin au XVIII^ème siècle vers 1765, à Saint-Yrieix-la-Perche à côté de Limoges, ne pas produire une porcelaine de prestige. La Porcelaine de Paris, plus communément appelée « Vieux Paris », est une porcelaine à pâte dure, d’un blanc pur, laiteux, très brillant, décorée par peinture et très souvent par or. Il y avait à Paris des fabriques de porcelaine, d’un très haut niveau, avec leur marque bien définie. Mais on décorait, surtout, dans les arrières boutiques, les blancs cuits dans la région de Limoges. Sans marque, ces blancs ont souvent des lettres ou chiffres qui sont recouverts d’émail. Il ne s’agit pas de la marque d’un décorateur ou d’une fabrique. C’est tout simplement un signe que l’ouvrier faisait, avant cuisson, pour reconnaître son travail et se faire régler les pièces ainsi réalisées.

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Italie
Seconde moitié du XIXe siècle

Haut. : 203 cm ; Larg. : 130 cm

Important miroir d’apparat à parclose d’inspiration Régence en bois sculpté et doré. Encadrant une riche bordure à motifs végétaux, les parcloses sont parcourues d’arabesques sur fond de glace. Un imposant fronton surmonte le tout, orné d’un chérubin et d’un mascaron dans une coquille éclatée.

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Sculpteur et bronzier
(actif 1840-1890)

Charmante pendule 

France
Circa 1880

Signée Eug Hazart à Paris
Haut. : 55 cm ; Larg. : 17 cm

Belle pendule en bronze patiné et doré dont le cadran cylindrique, orné d’un trophée de l’amour, est soutenu par un amour agenouillé. L’ensemble repose sur une base en marbre rouge griotte cerclée d’un tors de laurier enrubanné, posée sur un contre socle en bronze doré.

Ce modèle de pendule à putto est très apprécié dans la seconde moitié du XIXe siècle, et l’on en trouve d’autres exemplaires signés du bronzier Henry Dasson (1825-1896), autour de 1880.

Biographie

Eugène Hazart est un bronzier parisien, membre de la Réunion des fabricants de bronze à partir de 1839 et membre de la commission sur la propriété des modèles. Connu dès 1843, dans la copie de styles anciens, en exécutant des bronzes « dans le goût gothique et à la Renaissance sur meubles, porcelaines, groupes, statuettes, etc… », il s’illustre encore grâce à ses reproductions d’œuvres du XVIIIe siècle. Il est installé au 122, rue Vieille-du-Temple (à partir de 1843) puis au 12, rue St-Gilles, Marais (1856) et enfin au 16, rue St-Gilles, Marais (1864).

Il fut un artiste fort apprécié puisqu’il figure, en 1884, dans le carnet des fournisseurs de Pannier Frères, dirigeant la célèbre maison « A l’Escalier de Cristal », marchande-éditrice de porcelaines, cristaux et meubles, implantée au Palais-Royal et rendue célèbre, à travers tout le XIXe s. par ses brillantes manifestations aux expositions des Produits de l’Industrie.

Bibliographie

Un âge d’or des Arts décoratifs, exposition Grand-Palais, RMN, 1991, p. 522.

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France
Circa 1880

Porcelaine, bronze doré

Haut : 15 cm ; Larg. : 31 cm

Belle paire de plats en porcelaine montés en bronze ciselé et doré. La monture repose sur trois pieds à pattes de lions reliés par des guirlandes de fruits, et cercle le plat dans une bordure godronnée à deux anses feuillagées. Le plat creux est orné d’une frise de palmettes dorées sur fond bleu au marli et d’une composition centrale de fleurs au naturel.

Cette paire de plats est à rapprocher de la production de la Manufacture de Sèvres.

Biographie

La Manufacture de Sèvres, centre de production de porcelaine à pâte tendre, est créée vers 1738 à Vincennes par des banquiers et financiers dans l’espoir de découvrir le secret de la porcelaine à pâte dure, déjà connu alors à Meissen. En 1753 Louis XV, roi de France, devient le principal actionnaire de la manufacture, qu’il transfère à Sèvres, alors plus proche de Versailles. En 1759, le Roi devient le seul actionnaire de la Manufacture devenue propriété de la Couronne. A partir de cette date, les oeuvres sorties des ateliers de Sèvres sont signées du chiffre royal, deux « L » entrelacés, ainsi que d’une lettre-date indiquant l’année de fabrication. De 1756 à 1779, la manufacture connaît ses années fastes. Louis XV fait de somptueuses commandes qu’il offre en présents diplomatiques. Sèvres invente aussi ses couleurs si caractéristiques : en 1752 le bleu lapis, en 1753 le bleu céleste, en 1756 le vert, en 1757 le fameux rose, et en 1763, le bleu royal.

Au milieu du XIX^ème siècle, sous Napoléon III, la manufacture impériale connaît une période de grand succès. Sensible à l’influence de l’art du Moyen et de l’Extrême-Orient, elle en transpose les techniques et invente les décors « en pâte sur pâte ». Avec la disparition du souverain, en 1871, la manufacture de Sèvres perd son protecteur naturel. La République, après quelques hésitations, décidera de la maintenir en activité.

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France
Circa 1880

Bronze doré, porcelaine
Haut. : 15 cm ; Larg. : 16 cm

Charmante paire de rafraîchissoirs à verre en porcelaine bleu céleste et bronze doré, ornée, sur une face, dans des médaillons, de deux scènes d’enfants, L’Eté et L’Hiver, et au revers, de scènes de jeux d’enfants inspirées de François Boucher. L’ensemble repose sur un socle en bronze doré à angles concaves, orné d’une frise de rosettes et entrelacs.

Cette paire de rafraîchissoirs est à rapprocher de la production de la Manufacture de Sèvres.

NB. Faisant partie d’un service de table, le rafraîchissoir permet au convive de refroidir son verre afin de conserver la fraîcheur des boissons.

Biographie

La Manufacture de Sèvres, centre de production de porcelaine à pâte tendre, est créée vers 1738 à Vincennes par des banquiers et financiers dans l’espoir de découvrir le secret de la porcelaine à pâte dure, déjà connu à Meissen. En 1753 Louis XV, roi de France, devient le principal actionnaire de la manufacture, qu’il transfert à Sèvres, alors plus proche de Versailles et du château de Bellevue, propriété de la Marquise de Pompadour. La Marquise, très intéressée par les recherches de Sèvres, encourage et soutient la production. En 1759, le Roi devient le seul actionnaire de la Manufacture devenue propriété de la Couronne. A partir de cette date, les oeuvres sorties des ateliers de Sèvres sont signées du chiffre royal, deux « L » entrelacés, ainsi que d’une lettre indiquant l’année de fabrication. De 1756 à 1779, la manufacture connaît ses années fastes. Louis XV, afin d’aider Sèvres, fait de somptueuses commandes qu’il offre en présents diplomatiques. Les plus grands artistes de l’époque, comme le peintre Boucher, ou le sculpteur Falconet, travaillent pour Sèvres. Les recherches afin de trouver la technique de fabrication de la porcelaine à pâte dure se poursuivent et aboutissent après 1769. A partir de cette date, la Manufacture produit avec succès la porcelaine à pâte tendre et la porcelaine à pâte dure, et diversifie sa gamme colorée avec le bleu lapis (1752), le bleu céleste (1753), le vert (1756), le rose (1757) et le bleu royal (1763). Les plus belles pièces sont ornées de scènes inspirées des gravures d’après les plus grands peintres, et décorées de guirlandes, bouquets de fleurs, trophées, dorures… Cette production de luxe se perpétue au XIX^e siècle, avec de nouveaux artistes, mais en réutilisant également un certain nombre de modèles.

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Ebéniste
(1811-1885)
(attribué à)

Jardinière néo-grecque 

France
Circa 1870

Haut. : 104 cm ; Diam. : 54 cm

Charmante jardinière néo-grecque de forme circulaire à double-plateaux réunis par un trépied en bois noir. Jolie marqueterie de bois précieux soulignée par un filet de buis. Une belle ornementation de bronze doré complète cette ensemble.

Biographie

Installé à Paris vers 1840, Charles-Guillaume Diehl (1811-1885) fonde en 1855 son entreprise d’ébénisterie et de décoration au n°19, rue Michel-le-Comte. Ses ateliers exécutent d’élégants petits meubles en bois de rose et thuya et des « fantaisies avec bronzes et porcelaines » (voir Les ébénistes du XIXe siècle, D. Ledoux-Lebard, Ed. de l’amateur, 1982, p°164). Ce sont cependant les coffrets de Diehl (nécessaires, caves à liqueurs, à cigares, boîtes à jeu, à gants, à cachemires, à bijoux) qui assoient sa renommée (voir L’art en France sous le Second Empire, Exposition Grand-Palais, Paris, 1979, p°133). Récompensé d’une médaille de bronze à l’Exposition Universelle de 1855 à Paris, il présente à l’Exposition des Arts industriels de 1861 une jardinière à colonnes en faïence et une cave à liqueurs.

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France
Circa 1880

Hauteur : 29 cm ; Diamètre : 15,5 cm

Drageoir en cristal gravé de fleurs et taillé et monture de bronze argenté ajourée décorant le col et la base.

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Orfèvres
(Fin XIX^ème siècle)

Paire de Jardinières-Candélabres

Signées Boin-Taburet à Paris et numérotées 34369 et 34370

France
Circa 1880

Bronze argenté

Haut. : 25 cm ; Diam. : 34 cm

Ravissante paire de jardinières de style Louis XVI formant candélabres à trois bras de lumière. Les coupes au dessin imitant une corbeille reposent sur trois pieds feuillagés et une base trilobée. Les intérieurs des jardinières sont amovibles.

biographie

Les deux orfèvres français Georges Boin et son gendre Emile Taburet créent à Paris la Maison Boin-Taburet vers 1875. Ils réalisent de nombreuses pièces d’orfèvrerie inspirées des magnifiques services du XVIII^ème siècle. A l’Exposition Universelle de Paris en 1878, Georges Boin présente un service de toilette inspirée de l’oeuvre de François-Thomas Germain (1726-1791), puis à l’Exposition Universelle de 1889, plusieurs surtouts de table, dont l’un d’eux exécuté d’après les dessins du célèbre ornemaniste Juste-Aurèle Meissonnier (1695-1750), ainsi que des services à thé de style Louis XIV, Louis XV et Louis XVI. La Maison Boin-Taburet y présente également une soupière et son plateau d’après Pierre Germain (1645-1684) pour le Jockey-Club, installé rue Scribe en 1863. Par ses somptueuses manifestations aux différentes Expositions Universelles, la Maison Boin-Taburet va ainsi contribuer à la renaissance des styles du XVIII^ème siècle.

bibliographie

A. Dunan, The Paris Salons 1895-1914, Objets d’Art et Metalware, vol. V

J. Puiforcat, L’orfèvrerie française et étrangère, Paris, 1981, p. 112.

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France
Circa 1875

Largeur : 15 x 15 cm

Charmante paire de plats en porcelaine, pâte tendre du XVIIIe siècle, finement décorés au XIXe siècle.

Représentant dans les cartouches des personnages du théâtre japonais vêtus en costume traditionnel, belle ornementation d’or en relief sur fond polychrome.

Cette paire de plats est à rapprocher de la production de la Manufacture de Sèvres.

commentaire

La Manufacture de Sèvres, centre de production de porcelaine à pâte tendre, est créée vers 1738 à Vincennes par des banquiers et financiers dans l’espoir de découvrir le secret de la porcelaine à pâte dure, déjà connue à Meissen. En 1753 Louis XV, roi de France, devient le principal actionnaire de la manufacture, qu’il transfert à Sèvres, alors plus proche de Versailles et du château de Bellevue, propriété de la Marquise de Pompadour. La Marquise, très intéressée par les recherches de Sèvres, encourage et soutient la production. En 1759, le Roi devient le seul actionnaire de la Manufacture devenue propriété de la Couronne. A partir de cette date, les œuvres sorties des ateliers de Sèvres sont signées du chiffre royal, deux « L » entrelacés, ainsi que d’une lettre indiquant l’année de fabrication.

De 1756 à 1779, la manufacture connaît ses années fastes. Louis XV, afin d’aider Sèvres, fait de somptueuses commandes qu’il offre en présents diplomatiques. Les plus grands artistes de l’époque, comme les peintres Boucher, Bachelier, ou les sculpteurs Falconet et Boizot, travaillent pour Sèvres. Les recherches afin de trouver la technique de fabrication de la porcelaine à pâte dure se poursuivent et aboutissent après 1769. A partir de cette date, la Manufacture produit avec succès la porcelaine à pâte tendre et la porcelaine à pâte dure. C’est également dans ces années que les couleurs les plus belles et les plus caractéristiques sont inventées : en 1752 le bleu lapis, en 1753 le bleu céleste, en 1756 le vert, en 1757 le fameux rose, et en 1763, le bleu royal. Les plus belles pièces sont ornées de scènes inspirées des gravures d’après les plus grands peintres (Boucher) et ornemanistes. Elles sont également décorées de guirlandes, bouquets de fleurs, trophées, dorures… De grande qualité, la production de Sèvres couvre un large éventail comprenant des statuettes (l’Amour menaçant de Falconet), des services entiers (en 1788 le service de Rambouillet est servi à Marie-Antoinette), ainsi que des objets utilitaires ou purement décoratifs. Le rôle joué par les marchands merciers dans le développement de la production est capital. Ils surent créer des modes autour des articles sortis de la Manufacture, à l’image de Daguerre qui orna ses meubles les plus précieux de plaques de porcelaine.

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France

Bronze patiné et doré, marbre « Rosso Antico », Lapis lazuli, Porphyre.
Hauteur : 178 cm ; Larg. : 100 cm

Production Tobogan New Line : édition limitée à 6 exemplaires

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Ebéniste & Bronzier
(1825-1896)

Paire de Baromètre-Thermomètre

France
Circa 1880

Haut. : 45,5 cm ; Larg. : 13 cm ; Prof. : 1,5 cm

Paire de baromètre-thermomètre de style Louis XVI, en bronze doré et ciselé à décor de feuilles d’acanthe et de graines sur fond de velours vert. Cadran polychrome émaillé et doré signé Henry Dasson / à Paris.

Biographie

Ebéniste et bronzier, Henry Dasson exécuta de somptueuses copies de meubles royaux du XVIIIème siècle et quelques créations d’inspiration similaire. Ses meubles et objets d’art  étaient ornés des plus beaux bronzes, dorés au mercure. Dasson acheta le fonds d’atelier du célèbre ébéniste parisien Charles Winckelsen, après sa mort en 1871, et produisit principalement dans les styles rocaille et néoclassique. Il participa brillamment aux différentes Expositions Universelles, comme à celle de 1878 à Paris, où il fut particulièrement remarqué par le jury en exposant une copie du célèbre bureau de Louis XV (original conservé au Château de Versailles), et une table de style Louis XVI, réalisée tout en bronze et considérée comme « un chef-d’œuvre de ciselure ». A l’Exposition Universelle de 1889, Dasson obtint un grand prix pour ses meubles jugés admirables. Sa grande notoriété ne subit pratiquement aucune concurrence.

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France
Circa 1820

Hauteur : 40 cm ; Largeur : 17 cm ; Profondeur : 10 cm

Charmante pendule d’époque Restauration en bronze doré à deux colonnes balustres jointes par une arche fleurie, abritant le cadran, et surmontée d’une couronne de fleurs. Des chiffres romains indiquent les heures. Une femme aux allures antiques est assise sur une balançoire mobile suspendue au cadran. L’ensemble repose un socle ovale, orné d’une frise à motifs de rosaces ainsi que d’une guirlande de fleurs, supporté par quatre pieds boules.

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Ornemaniste
(1821-1888)

F. Barbedienne

Bronzier
(1810-1892)
(attribué à)

Plateau Japonisant

France (pour la monture)
Japon (pour l’émail)
Circa 1860

Haut. : 13,5 cm ; Larg. 68 cm ; Prof. : 43 cm

Beau plateau japonisant à décor de riche paysage lacustre en émail cloisonné sur fond bleu et brun imitant l’Aventurine représentant un cours d’eau bordé de glycines, chrysanthèmes, pivoines, iris et roseaux, animé par des oiseaux et poissons. L’ensemble est encadré d’une frise à motif floraux. L’émail repose sur une magnifique monture en bronze aux quatre pieds à têtes d’éléphants surmontés de anses à lambrequins typiques de la Maison Barbedienne.

Biographie

Louis-Constant Sévin (1821-1888) crée dès 1839 en tant que dessinateur, des objets d’orfèvrerie pour des maisons renommées telles Denière, Froment-Meurice et Morel. Pendant la Révolution de 1848, C. Sévin rejoint Morel à Londres et lui crée des pièces qui sont alors exposées à l’Exposition Universelle de 1851. Revenu en France, Constant Sévin travaille en 1855 pour le célèbre bronzier Ferdinand Barbedienne qui le nomme chef de ses décorateurs. L’œuvre de C. Sévin est considérable. Parmi ses deux mille dessins répertoriés, il réalise ceux destinés aux bronzes d’ameublement de l’hôtel de La Païva sur les Champs-Elysées. Son talent est alors reconnu et à l’Exposition de Londres en 1862, il reçoit une médaille « pour l’excellence artistique des meubles qu’il a dessinés et qui sont exposés par Barbedienne ». Une médaille d’or en qualité de coopérateur lui est également décernée à l’exposition de l’Union centrale des Arts décoratifs de 1863. F. Barbedienne disait que la postérité se souviendrait des compositions de Constant Sévin. L’objet le plus extraordinaire créé par C. Sévin pour F. Barbedienne, fut une horloge monumentale en bronze doré de style Renaissance, de quatre mètres de haut, qui valut une médaille d’or et la légion d’honneur à son créateur à l’Exposition Universelle de 1878 à Paris. Cet incontestable triomphe perdura à l’Exposition Universelle de 1889.

Né en 1810, mort à Paris en 1892, Ferdinand Barbedienne créa et dirigea l’une des plus importantes fonderies d’art du XIXème siècle. En plus de sa propre production, il travailla pour les sculpteurs les plus renommés comme Clésinger, Carrier-Belleuse ou encore Guillemin. L’ensemble de sa production fut toujours hautement remarquée et sa personne constamment honorée par la critique contemporaine, notamment en le comparant, à l’Exposition Universelle de 1878, à “un prince de l’Industrie et au roi du bronze”. Il y reçut le Grand prix de l’Exposition Universelle et 28 médailles de collaborateurs. Sa gloire ne tarit pas avec les années, puisqu’à l’Exposition Universelle de 1889, les critiques remercièrent Barbedienne de servir de maître aux autres bronziers, par la qualité toujours exemplaire de ses bronzes.

Bibliographie

« Les artistes de l’industrie, Constant Sévin », dans la Revue des arts décoratifs,Victor Champier, décembre 1888, février 1889, p.163.

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Ebéniste & Bronzier
(1825-1896)

Importante Pendule à l’Enfant Guerrier

Signée et datée Henry Dasson 1877

France
1877

Haut. : 63 cm ; Larg. : 64 cm ; Prof. : 29 cm

Rare pendule à l’enfant guerrier en bronze patiné, doré, et ébène marqueté, composée en partie haute d’un amour appuyé sur le cadran, coiffé d’un casque et tenant un glaive. En partie basse, un joli socle mouluré en ébène est orné d’une marqueterie florale dite « Boulle » de cuivre sur fond d’écaille brune, et décoré d’une tête de satyre au centre. Le tout repose sur quatre pieds à griffes à décor de feuillages en bronze ciselé et doré.

Autre pendule par H. Dasson en marbre et bronze, signée pour la sculpture Bouchardon, 1731.

Biographies

Ebéniste et bronzier, Henry Dasson exécuta de somptueuses copies de meubles royaux du XVIIIème siècle et quelques créations d’inspiration similaire. Ses meubles et objets d’art  étaient ornés des plus beaux bronzes, dorés au mercure. Dasson acheta le fonds d’atelier du célèbre ébéniste parisien Charles Winckelsen, après sa mort en 1871, et produisit principalement dans les styles rocaille et néoclassique. Il participa brillamment aux différentes Expositions Universelles, comme à celle de 1878 à Paris, où il fut particulièrement remarqué par le jury en exposant une copie du célèbre bureau de Louis XV (original conservé au Château de Versailles), et une table de style Louis XVI, réalisée tout en bronze et considérée comme « un chef-d’œuvre de ciselure ». A l’Exposition Universelle de 1889, Dasson obtint un grand prix pour ses meubles jugés admirables. Sa grande notoriété ne subit pratiquement aucune concurrence.

C’est d’abord auprès de son père, sculpteur-architecte, que se forme Edmé Bouchardon avant d’entrer dans l’atelier de Guillaume Coustou. Grâce au Premier Prix de sculpture qu’il remporte en 1722, Edmé Bouchardon part pour Rome en 1723. Il acquière là-bas une réputation qui le précèdera à son retour à Paris où il sera agrée à l’Académie Royale en 1733, lui conférant ainsi le titre de sculpteur du Roi. On retrouve parmi ses réalisations prestigieuses les statues du chœur de l’Eglise Saint-Sulpice, la fontaine de la rue de Grenelle qu’il exécute entre 1739 -1745, puis entre 1740 et 1750, L’Amour se taillant un arc dans la massue d’Hercule, aujourd’hui exposée au Musée du Louvre

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Créateur & Marchand-éditeur
(attribué à)

Paire de vases en émail cloisonné

France
Circa 1870

Haut. : 32 cm ; Diam. : 17 cm

Paire de vases de forme “rouleau” de style japonisant, en émail cloisonné et bronze doré. Panse cylindrique à décor de branches fleuries, de fleurs et de papillons polychromes sur fond bleu. Belle monture en bronze ajouré à patine “vieil or”, formant le col, et la base à motifs de nuages et de têtes animales stylisés.

Biographie

L’Escalier de Cristal, ancienne et célèbre maison parisienne, spécialisée dans la céramique et la verrerie, mais proposant également du mobilier, des bronzes d’art et d’ameublement, avait été reprise à partir de 1885 – jusqu’en 1923 – par les fils d’Emile Pannier qui constituèrent Pannier Frères, à l’angle des rues Scribe et Auber, à côté du nouvel Opéra.

Leurs créations d’inspiration extrême-orientale étaient entre autres grandement appréciées du public et de la critique. La maison remporta de multiples récompenses et médailles aux différentes expositions, dont la médaille d’or à l’Exposition Universelle de Paris en 1900.

Dans le domaine du mobilier influencé par l’Extrême-Orient, Majorelle de Nancy, Edouard Lièvre ou Gabriel Viardot collaborèrent également au succès des Frères Pannier. Certaines de leurs œuvres sont visibles dans les plus grands musées, tels que celui de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg, le Musée d’Orsay ou le Corning Museum of Glass de New York.

La maison étant parfois propriétaire exclusive des modèles, ces meubles et objets décoratifs n’étaient souvent signés que par l’Escalier de Cristal , quelquefois à côté de la signature de l’artiste. Elle avait aussi un véritable rôle créateur en personnalisant ces œuvres par de superbes bronzes dorés, des plaques en émail cloisonné, des plaques de verre à décor japonisant ou incluant également des éléments japonais authentiques.

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Porcelaine d’Arita

Paire de grands vases en porcelaine

Japon
Fin XIXème siècle

Haut. : 107 cm ; Diam. : 40 cm

Très belle paire de grands vases en porcelaine, de forme balustre à col évasé et dentelé. Décor polychrome sur fond blanc à motifs de fleurs et d’oiseaux. La panse est ornée de deux réserves présentant des scènes de cour. Un dragon réalisé en relief s’enroule autour du vase.

Commentaire

La porcelaine d’Imari est un style de céramique né vers 1600 dans la région d’Arita (有田町), cité de potiers de l’île de Kyūshū, au Sud du Japon.
 Selon la tradition, c’est un coréen du nom de Ri Sampei, installé dans la région, qui exploita un gisement de kaolin situé au pied de la colline de l’Izumiyama. Il réussit la fusion du kaolin, vers 1400 °C, pour obtenir de la porcelaine semblable à celle des Chinois mettant fin à un monopole qui était vieux de plus de sept siècles. Cette porcelaine se caractérise par un décor utilisant trois couleurs: le bleu de cobalt, le rouge de fer et le fond blanc de la porcelaine, l’ensemble étant rehaussé d’or.
 Elle présente surtout des motifs floraux et a été appelée « Imari » du nom du port de l’île de Kyùshù, d’où elle était exportée, à quelques kilomètres d’Arita. Ce sont les difficultés d’approvisionnement en Chine (dues aux troubles politiques au XVIIe siècle) qui incitèrent les occidentaux à trouver d’autres sources de production et c’est ainsi que les Hollandais, avec leur Compagnie Orientale des Provinces-Unies, importèrent du Japon, les premiers Imaris.

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Ebéniste et tabletier
(1813-1892)

Remarquable coffret de voyage

Signé Tahan, Fr du Roi, à Paris

France
Circa 1860

Haut. : 25,5 cm ; Larg. : 66 cm ; Prof. : 44 cm

Remarquable coffret de voyage ou « serre-papiers » réalisé en bois noirci, orné d’une fine marqueterie de laiton, d’écaille rouge et de nacre, et de bronzes dorés. Ouvrant sur trois tiroirs et un intérieur entièrement plaqué de bois de satiné, par un abattant monogrammé et un large bandeau pivotant.

Biographie

Jean-Pierre-Alexandre Tahan prit la succession de l’entreprise de son père, qui s’était déjà spécialisé dans la confection de coffrets raffinés, de caves à liqueurs, et de luxueux petits meubles, entrant alors dans la catégorie de la « tabletterie ». Grâce à lui, la Maison Tahan connut un grand succès et devint l’une des plus célèbres firmes parisiennes spécialisées dans la fabrication de meubles et objets d’art. Ils s’installèrent dans le nouveau quartier à la mode sous le Second Empire, proche de l’Opéra, rue de la Paix, puis boulevard des Italiens dans un immeuble encore plus luxueux. Tahan devint lors l’un des fournisseurs attitrés de l’Empereur Napoléon III et l’Impératrice Eugénie. Il exécuta pour les palais impériaux de nombreuses tables, vitrines, coffrets et autres objets décoratifs. En d’autres mots, il était devenu le « spécialiste des œuvres raffinées ». La Maison Tahan participa aux Expositions Universelles, où elle connut un succès constant, jamais démenti, et fut récompensée par de nombreuses médailles. Une médaille d’argent lui fut décernée dès 1849, une seconde à Londres en 1852 et une médaille d’or à l’Exposition Universelle de Paris en 1867.

Bibliographie

Les ébénistes du XIXe siècle, D. Ledoux-Lebard, Ed. de l’amateur, 1984, p.593

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Ebéniste et bronzier
(1847-1919)

Importante paire d’urnes et piédestaux

Signé BY au revers des bronzes

France
Circa 1890

Urnes – Haut. : 76 cm ; Larg. : 62 cm
Piédestaux – Haut. : 115 cm ; Base : 53 x 53 cm

Exceptionnelle paire d’urnes couvertes en rare marbre « Brèche africaine » godronné et bronze doré. Décor à motifs de feuilles d’acanthe, crosses, masques de lion et pétrifications. Ils reposent sur de magnifiques piédestaux décorés sur trois faces d’exceptionnelles plaques de « Jaspe de Sicile » à encadrement de feuilles d’eau. Riche décor en bronze doré de masques de lions, crosses, guirlandes, feuilles d’acanthe et couronnes de laurier. Alfred-Emmanuel Beurdeley prit pour ses vases le célèbre modèle en porphyre, monté en bronze doré au XVIIIe siècle et conservé au Musée du Louvre.

Vu la qualité de ciselure des bronzes, de leur dorure au mercure et la rareté des matériaux employés, tels la Brèche africaine et le Jaspe de Sicile, nous pouvons considérer ces pièces comme l’une des plus prestigieuses productions d’A.-E. Beurdeley. Une paire de vases similaire, en porphyre monté en bronze doré, fut réalisée par Alfred-Emmanuel Beurdeley pour le grand hall de la luxueuse villa The Breakers, propriété du milliardaire Cornelius II Vanderbilt à Newport (USA).

Biographie

Alfred-Emmanuel Beurdeley (1847-1919) fut, en 1875, le collaborateur, puis le successeur de son père, Louis-Auguste Beurdeley, l’un des principaux ébénistes du Second Empire, fabriquant essentiellement des meubles de style XVIIIe et désigné comme la « vedette » des expositions et le « préféré des familles royales et impériales ». Si Alfred réalisait le même genre de travaux que son père, il se distingua également non seulement comme un bronzier hors pair mais aussi comme l’un des plus célèbres collectionneurs d’art. Il participa brillamment à l’Exposition Universelle de 1878 où, comparé aux plus célèbres artistes de l’époque, comme Dasson, Grohé, Sauvrezy ou encore Fourdinois, il remporta la médaille d’or. Couronné de gloire, il ouvrit même une succursale à New York. En 1883, suite à sa participation très remarquée à l’Exposition Universelle d’Amsterdam, « Alfred Beurdeley, fabricant de bronzes d’art » était nommé au grade de Chevalier de l’Ordre National de la Légion d’Honneur ; il fut alors porté aux nues tant par le gouvernement que par la critique contemporaine. Sa dernière grande manifestation fut l’Exposition Universelle et Internationale de 1889 où le directeur n’hésitait pas à avancer dans son rapport que « le talent de M. Beurdeley s’impose de lui-même par la seule inspection de ses meubles ».

Bibliographie

L’univers des bronzes, Yves Devaux, Ed. Pygmalion, Paris, 1978, p°261.

« La saga Beurdeley (1814-1919) », Bernard Dorival, B.S.H.A.F., 1989, p°191.

L’ameublement d’art français, 1850-1900, Camille Mestdagh, Les Ed. de l’Amateur, Paris, 2010, p°130.

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Dessinateur
(1821-1888)

F. Barbedienne

Bronzier
(1810-1892)

Exceptionnelle paire de jardinières

Signé F. Barbedienne

France

Haut. : 61 cm ; Larg. : 75 cm ; Prof. : 35 cm

Modèle présenté à l’Exposition Universelle de Paris en 1889
(Reproduit et commenté dans l’ouvrage de Victor Champier « Les Industries d’Art, Exposition Universelle de 1889 »)

Exceptionnelle paire de jardinières réalisées dans un très beau marbre « Griotte » rouge. Chacune, de forme « cratère », somptueusement ornée d’une monture en bronze doré de style Renaissance d’après un dessin de Louis-Constant Sévin, présentant des masques de la Méduse sous des coquilles feuillagées, de larges rinceaux découpés, d’amours accoudés et sur les côtés des mufles de lion formant les anses.

Biographie

Louis-Constant Sévin (1821-1888) apprend le dessin et la sculpture chez Marneuf, sculpteur d’ornements pour les monuments de Paris. En 1839, il s’associe aux sculpteurs Phénix et Joyau, et crée en tant que dessinateur, des objets d’orfèvrerie pour des maisons renommées telles Denière, Froment-Meurice et Morel. Pendant la Révolution de 1848, C. Sévin rejoint Morel à Londres et lui crée des pièces qui sont alors exposées à l’Exposition Universelle de 1851. Revenu en France, C. Sévin participe à l’Exposition Universelle de 1855, pour avoir conçu des modèles de porcelaines pour Jouhanneaud et Dubois de Limoges. C’est à partir de cette date, que Constant Sévin travaille chez le célèbre bronzier Ferdinand Barbedienne qui le nomme chef de ses décorateurs. L’œuvre de C. Sévin est considérable. Parmi ses deux mille dessins répertoriés, il réalise ceux destinés aux bronzes d’ameublement de l’hôtel de La Païva sur les Champs-Elysées. Son talent est alors reconnu et à l’Exposition de Londres en 1862, il reçoit une médaille « pour l’excellence artistique des meubles qu’il a dessinés et qui sont exposés par Barbedienne ». Une médaille d’or en qualité de coopérateur lui est également décernée à l’exposition de l’Union centrale des Arts décoratifs de 1863. F. Barbedienne disait que la postérité se souviendrait des compositions de Constant Sévin. L’objet le plus extraordinaire créé par C. Sévin pour F. Barbedienne, fut une horloge monumentale en bronze doré de style Renaissance, de quatre mètres de haut, qui valut une médaille d’or et la légion d’honneur à son créateur à l’Exposition Universelle de 1878 à Paris. Cet incontestable triomphe perdura à l’Exposition Universelle de 1889.

Né en 1810, mort à Paris en 1892, Ferdinand Barbedienne créa et dirigea l’une des plus importantes fonderies d’art du XIXème siècle. En plus de sa propre production, il travailla pour les sculpteurs les plus renommés comme Clésinger, Carrier-Belleuse ou encore Guillemin. L’ensemble de sa production fut toujours hautement remarquée et sa personne constamment honorée par la critique contemporaine, notamment en le comparant, à l’Exposition Universelle de 1878, à “un prince de l’Industrie et au roi du bronze”. Il y reçut le Grand prix de l’Exposition Universelle et 28 médailles de collaborateurs. Sa gloire ne tarit pas avec les années, puisqu’à l’Exposition Universelle de 1889, les critiques remercièrent Barbedienne de servir de maître aux autres bronziers, par la qualité toujours exemplaire de ses bronzes.

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Manufacture de Cristal
(attribué à)

Paire de vases en cristal

France
Circa 1920

Hauteur : 35,5 cm ; Diamètre : 13 cm

Belle paire de vases de forme balustre en cristal taillé, décoré de motifs d’étoile et pointes de diamant. Serti sur le col d’une bague en argent.

Entre 1764 et 1860, à de rares exceptions, la Cristallerie de BACCARAT ne signe pas ses oeuvres. Les premières étiquettes en papier apparaissent en 1860 et représentent à l’intérieur d’un cercle, une carafe entourée d’un verre à pied et d’un gobelet au-dessus desquels est marqué BACCARAT.  A partir de 1875, la marque « BACCARAT » en lettres bâton et en relief est présente  sur certains modèles soufflés et sur les parties en bronze des montures. C’est à partir de 1936 que la carafe entourée d’un verre à pied et d’un gobelet, avec « BACCARAT » marqué au-dessus, apparaît systématiquement sur l’ensemble de la production.

Biographie

La célèbre cristallerie de Baccarat, dont l’origine remonte au XVIIIème s., remporte sa première médaille d’or, à l’occasion de l’Exposition des Produits de l’Industrie de 1823, où elle est saluée pour « l’éclat et la finesse du cristal » et devient la première cristallerie de France. Baccarat est sans nul doute la seule industrie française qui est alors constamment et magistralement représentée au cours des différentes expositions auxquelles elle participe, remportant de ce fait les honneurs et de prestigieuses récompenses. Un maître-mot, « la perfection de la matière et de la taille », revient dans tous les rapports d’Expositions Universelles entre 1855 et 1867, où la cristallerie Baccarat domine par la qualité de son cristal, jugé supérieur à ceux de Bohême et d’Angleterre.

Bibliographie

Dany Sautot, Baccarat, une histoire, éd. Baccarat, 1993.

L’Art en France sous le Second Empire, Exposition Grand-Palais, Paris, 1979, p. 238-239.

Exposition Universelle de 1867, Rapport adressé à la commission d’encouragement, classe 16 et 17, p.24- 25.

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Fabricant de Porcelaines
(XIXème siècle)
(attribué à)

Paire de vases couverts

France
Circa 1890

Porcelaine, Bronze doré

Hauteur : 45 cm ; Largeur : 21 cm ; Profondeur : 15 cm

Paire de vases couverts de style Louis XVI, de forme balustre en porcelaine à fond vert et points d’or, ornés pour les anses en applique, de double-serpents enroulés blancs et or. Sur les panses, un fin décor polychrome peint dans des médaillons, de scènes mythologiques représentant sur l’un “Diane surprise au bain par Actéon” et sur l’autre “Méléagre présentant à Atalante la hure du sanglier de Calydon”. Belle monture en bronze ciselé et doré pour la prise du couvercle en forme de graine, le bord du col et le piédouche reposant sur sa base.

Biographie

Edmé Samson (1810-1891), peintre décorateur sur céramique établi en 1845 au n°7 rue Vendôme à Paris, achetait ses blancs, autrement dit les porcelaines non décorées, à diverses manufactures parisiennes. Son fils Emile (1837-1913) qui lui succéda, commença à faire des reproductions d’anciennes porcelaines. Présent à l’Exposition des Beaux-Arts appliqués à l’Industrie de 1863, Emile Samson se fit particulièrement remarqué pour ses porcelaines imitant les « Vieux Japon ». Il installa en 1864 une manufacture à Montreuil-sous-Bois, près de Paris et connut un grand succès à l’Exposition Universelle de Paris en 1867 avec ses imitations de Saxe, Chine et Japon, jugées toutes de très belle qualité. A l’Exposition Universelle de 1889, Samson & Cie était réputée pour être spécialisée dans les pièces de grandes dimensions tant en faïence qu’en porcelaine, dont les modèles provenaient des plus grands musées français et étrangers, comme le Musée du Louvre ou le Victoria & Albert Museum de Londres. Emile s’associa en 1891 avec son fils Léon (1868-1928), sous la raison sociale de Samson & Fils, qui donna une grande extension à la manufacture, employant un grand nombre d’ouvriers et de décorateurs. Outre la fabrication et décoration de ces porcelaines, la manufacture Samson disposait également d’un atelier de bronzes pour leurs superbes montures.

Bibliographie

F. Slitine, Samson, génie de l’imitation, Massin, Paris, 2002.

Faënce et porcelaine de Paris, XVIIIe-XIXe siècles, Régine de Plinval de Guillebon, Editions Faton, Paris, 1995, p° 406.

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Fabricant de Porcelaines
(XIXème siècle)
(attribué à)

Importante paire de potiches

Marque AR entrelacés (Manufacture Samson)

France
Circa 1890

Haut. : 59 cm ; Diam. : 35 cm

Paire de grandes potiches couvertes dans le goût de la Chine, de forme balustre en porcelaine blanche, à décor polychrome de scènes galantes XVIIIème s. et de guirlandes de fleurs. L’ornementation du col s’inspire du célèbre « caillouttis or » inventé à la Manufacture de Sèvres. Prise du couvercle en forme de bouton doré.

Biographie

Edmé Samson (1810-1891), peintre décorateur sur céramique établi en 1845 au n°7 rue Vendôme à Paris, achetait ses blancs, autrement dit les porcelaines non décorées, à diverses manufactures parisiennes. Son fils Emile (1837-1913) qui lui succéda, commença à faire des reproductions d’anciennes porcelaines. Présent à l’Exposition des Beaux-Arts appliqués à l’Industrie de 1863, Emile Samson se fit particulièrement remarqué pour ses porcelaines imitant les « Vieux Japon ». Il installa en 1864 une manufacture à Montreuil-sous-Bois, près de Paris et connut un grand succès à l’Exposition Universelle de Paris en 1867 avec ses imitations de Saxe, Chine et Japon, jugées toutes de très belle qualité. A l’Exposition Universelle de 1889, Samson & Cie était réputée pour être spécialisée dans les pièces de grandes dimensions tant en faïence qu’en porcelaine, dont les modèles provenaient des plus grands musées français et étrangers, comme le Musée du Louvre ou le Victoria & Albert Museum de Londres. Emile s’associa en 1891 avec son fils Léon (1868-1928), sous la raison sociale de Samson & Fils, qui donna une grande extension à la manufacture, employant un grand nombre d’ouvriers et de décorateurs. Outre la fabrication et décoration de ces porcelaines, la manufacture Samson disposait également d’un atelier de bronzes pour leurs superbes montures.

Bibliographie

F. Slitine, Samson, génie de l’imitation, Massin, Paris, 2002.

Faënce et porcelaine de Paris, XVIIIe-XIXe siècles, Régine de Plinval de Guillebon, Editions Faton, Paris, 1995, p° 406.

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