France
Circa 1870

Rhodonite, Bronze doré

Hauteur : 14,5 cm ; Base : 8 x 8 cm

Cette paire de bougeoirs est constituée d’un fût cylindrique en rhodonite polie, inséré dans une riche monture en bronze ciselé et doré. Chaque bougeoir repose sur une base tripode soulignant la stabilité et l’équilibre de l’ensemble.
La partie supérieure est formée d’une bobèche circulaire en bronze doré, à profil mouluré, ornée d’une frise gravée de motifs géométriques stylisés. Le fût est ceinturé de montants verticaux en bronze, finement ciselés, se prolongeant en pieds galbés à décor de feuilles et de sabots stylisés.
L’ornementation se distingue par la présence de têtes de béliers en ronde-bosse, disposées en applique sur la partie supérieure du fût. De ces mascarons partent des guirlandes de fruits et de feuillages, conférant à l’ensemble une iconographie d’inspiration antique, associée aux thèmes de l’abondance et de la force. Les têtes animales, aux cornes spiralées et au modelé naturaliste, témoignent d’un haut niveau de maîtrise technique.

L’association du bronze doré et de la rhodonite, matériau décoratif rare dans les arts du feu européens, inscrit ces bougeoirs dans une tradition de luxe décoratif du début du XIXᵉ siècle, dans le goût néoclassique. La qualité de la dorure, encore bien conservée, ainsi que la précision de la taille de la pierre suggèrent une commande destinée à un intérieur aristocratique ou de grand apparat.
L’ensemble présente une cohérence stylistique et matérielle remarquable, illustrant l’alliance entre arts lapidaires et bronzes d’ameublement dans les arts décoratifs européens.

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Sculpteur
(1822-1912)

Val d’Osne

Bronzier

Paire de Torchères « Nubiennes »

France
Début XXe siècle

Bronze patiné et doré

Hauteur totale : 234 cm ; Hauteur socle : 29 cm ; Largeur : 38 cm ; Profondeur : 45 cm

Belle paire de Nubiennes en bronze patiné et rehauts d’or. Chacune, drapée à l’antique, debout, bracelets dorés aux chevilles, les bras élégamment levés au-dessus de la tête pour soutenir une torche lumineuse. Leur visage est serein, animé d’une grande douceur, les paupières abaissées, la chevelure maintenue par un ruban doré. Le drapé, maintenu en place par une ceinture dorée, met en exergue le déhanchement subtil de ces femmes.
Chaque figure repose sur une base circulaire.
Numérotation d’édition visible sur l’une des terrasses (6471), conforme aux pratiques du Val d’Osne ; présence d’un poinçon circulaire d’atelier.

Modèle de candélabres par Mathurin Moreau, illustré dans le catalogue de la Société anonyme des hauts-fourneaux et fonderies du Val d’Osne

Biographie

Mathurin Moreau est un sculpteur français majeur du XIXᵉ siècle, connu pour son style académique et naturaliste. Élève de l’École des Beaux-Arts et lauréat du Prix de Rome, il participe régulièrement aux Salons à partir de 1848. Ses œuvres sont souvent inspirées de figures allégoriques ou féminines. Il travaille pour de nombreuses fonderies d’art, dont Barbedienne et le Val d’Osne, et reçoit plusieurs distinctions, dont une médaille d’honneur à l’Exposition universelle de 1878. Ses sculptures décorent de nombreux monuments et jardins en France et à l’étranger.

Le Val d’Osne, fondé en 1836 par Jean-Pierre-Victor André, est l’une des plus célèbres fonderies d’art françaises du XIXᵉ siècle. Spécialisée dans la fonte d’ornement en fer et en bronze, elle édite un vaste catalogue comprenant statues, fontaines, candélabres et éléments architecturaux. Réputée pour la qualité de ses fontes et pour ses collaborations avec de grands sculpteurs (dont Mathurin Moreau, Carrier-Belleuse, et Pradier), la fonderie exporte dans le monde entier et remporte de nombreuses récompenses aux Expositions universelles. Elle demeure une référence incontournable dans l’histoire du décor architectural et du mobilier urbain du Second Empire et de la Belle Époque.

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France
Circa 1860

Bois doré

Hauteur : 183 cm ; Socle : 66 x 66 cm

Provenance : Château d’Île-de-France

Exceptionnelle paire de porte-torchères de style Régence en bois sculpté et doré. Le fût en console autour duquel s’enroule un dauphin est richement décoré de rinceaux feuillagés, de coquilles, de chutes fleuries et d’un masque féminin. Il soutient un plateau circulaire à motifs de palmettes et d’acanthe, cerclé d’une frise d’oves.
L’ensemble repose sur un piétement tripode ornés de frises d’oves et de feuillages, à décor de trois dauphins adossés à un lambrequin et finissant par six pieds feuillagés.

Selon la définition du Dictionnaire de l’Académie, en 1696, la torchère est un « espèce de petit guéridon au fût élevé sur lequel on met un flambeau, une girandole, des bougies ».
Dans les dernières années du XVIIe et au XVIIIe siècle, ce meuble fut particulièrement prisé afin de soutenir candélabres et girandoles en verre ou cristal de roche destinés à illuminer les intérieurs ainsi que les somptueuses galeries comme la galerie des Glaces de Versailles pour laquelle furent livrées en 1769, en prévision du mariage du Dauphin, deux modèles de douze exemplaires chacun : l’un à figures d’enfants sculpté par François Toussaint Foliot ; l’autre à figure de femme sculpté par Pierre-Edmé Babel d’après les dessin de Jacques Gonduin, architecte du Garde-Meuble de la Couronne.

Galerie des Glaces – Château de Versailles

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Manufacture de Cristal

Paire de Candélabres en cristal

France
Circa 1870

Hauteur : 115 cm ; Diamètre : 53 cm

Belle paire de candélabres à dix lumières en cristal taillé de Baccarat. Le fût central de forme balustre éclaire à deux rangées superposées de six et trois bras de lumières à branches façonnées et torsadées, et est sommé d’une corolle éclairant à une lumière. L’ensemble est orné de nombreux octogones et prismes à dard en cristal.

Biographie

La célèbre cristallerie de Baccarat, dont l’origine remonte au XVIIIe s., remporte sa première médaille d’or, à l’occasion de l’Exposition des Produits de l’Industrie de 1823, où elle est saluée pour “l’éclat et la finesse du cristal” et devient la première cristallerie de France. Baccarat est sans nul doute la seule industrie française qui est alors constamment et magistralement représentée au cours des différentes expositions auxquelles elle participe, remportant de ce fait les honneurs et de prestigieuses récompenses. Un maître-mot, “la perfection de la matière et de la taille”, revient dans tous les rapports d’Expositions Universelles entre 1855 et 1867, où la cristallerie Baccarat domine par la qualité de son cristal, jugé supérieur à ceux de Bohême et d’Angleterre. 

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France
Circa 1870

Bronze patiné et doré

Hauteur : 78 cm ; Base : 14,5 x 14,5 cm

Belle paire de vases de forme amphore de style Louis XVI en bronze doré et patiné canon de fusil. Le col, orné de cannelures torses, est surmonté d’un bouquet composé de trois bras de lumières ornés de feuilles d’acanthe et branches de pavots fleuris. La panse est flanquée de deux anses à enroulements sur lesquelles sont assis deux enfants tritons tenant entre leurs mains une guirlande de fleurs. Ils reposent sur un piédouche décoré de feuilles d’acanthe cerclé d’une frise de perle, finissant par une base carrée et moulurée à décor de godrons feuillagés.

Œuvres en relation

Cette paire de candélabres est inspirée d’un modèle de vases-candélabres attribués au célèbre bronzier Pierre Gouthière (1732-1813) et conservés au Musée du Louvre à Paris.

Paire de vases-candélabres attribués à Pierre Gouthière (Bronzier, 1732-1813) datée vers 1770 et conservée au Musée du Louvre, OA 5169 1 et 2. Une paire similaire est conservée au Getty Museum de Los Angeles (inv. 72.DF.43)

Biographie

Le bronzier Pierre Gouthière (1732-1813) épousa la veuve de François Ceriset et reprit l’atelier de ce dernier en 1758. Protégé par le duc d’Aumont, qui lui commande plusieurs œuvres, il obtint de travailler pour les prestigieux dans l’administration des Menus-Plaisirs du roi. La qualité artistique et technique de ses œuvres (il fut l’inventeur de la dorure au mat, qui donnait au bronze l’apparence de l’or), lui valut de compter parmi sa clientèle la reine Marie-Antoinette, Madame Du Barry ou encore le comte d’Artois. Il fut le maître de Pierre-Philippe Thomire, autre bronzier de génie. S’il connut une très grande renommée, il mourut dans la misère. Peu de ses œuvres ont subsisté jusqu’à nos jours. Elles sont aujourd’hui conservées dans les plus grands musées : le Louvre, la Wallace Collection, le Philadelphia Museum of Art, ou encore la Frick Collection. 

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Sculpteurs et bronziers
(attribué à)

Paire de Bougeoirs Orientalisants

France
Circa 1890

Email, Bronze doré, Onyx

Hauteur : 17,5 cm ; Base : 7,5 x 7,5 cm

Charmante paire de bougeoirs orientalisants en onyx rubané d’Algérie et bronze doré, au fût en forme de colonnette moulurée. Le binet, la bague centrale et la base carrée sont ornés d’émaux cloisonnés à motif floraux. L’ensemble repose sur quatre pieds toupie perlés.

Biographie

Paul Louchet (1854-1936) est un ciseleur sur bronze français, devenu président de Réunion des Fabricants de Bronzes (qui devient à partir de 1919 la Chambre syndicale des Fabricants de Bronzes). Sculpteur et peintre, il est même reçu membre de la Société des Beaux-arts, il collabore avec son frère, Charles et, ensemble, ils présentent un stand à l’Exposition universelle de 1893 à Chicago, avec un grand succès : « Il n’y a pas de plus belle ou plus magnifique exposition à Chicago qui attire l’attention universelle que celle dans la section des fabricants de Paris. Il s’agit du stand des frères Louchet de Paris, fabricants de porcelaines, de bronzes et d’objets d’art émaillés. Les produits de cette entreprise représentent sans aucun doute dans la conception, la fabrication et la finition le plus haut niveau dans l’art décoratif. » Convertis à l’Art nouveau, ces derniers exécutent des œuvres en collaboration avec Louis Majorelle, René Lalique ou les frères Daum.

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Sculpteur
(1824-1887)

E. Colin

Bronzier
(2nde moitié du XIX^ème siècle)

Paire de Torchères “Le Jour” et  “La Nuit”

 Signées A. Carrier et Anc. M^on Colin éditeur – fondeur Paris

France
Fin XIXe siècle

Bronze, Marbre

Hauteur totale : 257 cm ; Hauteur socle : 52 cm ; Largeur socle : 48×48 cm

Exceptionnelle paire de femmes porte-torchères en bronze patiné à rehauts dorés. Chacune, différemment drapée à l’antique, tenant un élégant candélabre en bronze doré à sept lumières. Le Jour, la tête découverte et coiffée de tresses ; La Nuit, la tête couverte de son manteau et tenant des fleurs et fruits de pavot symbolisant le sommeil. Reposant sur un piédestal de forme octogonale en marbre mouluré et orné de frises d’oves, et agrémenté de figures de Victoires ailées tenant une amphore en bronze patiné.

Ces femmes porte-torchères reprennent un thème cher à Carrier-Belleuse, dont le modèle de l’une des deux figures fut présenté pour la première fois à l’Exposition Universelle de Paris en 1867. Il était pour l’occasion utilisé pour une grande pendule exécutée en collaboration avec la société G. Viot, et où en place du candélabre la figure tenait un grand balancier (reproduit et commenté in 1851-1900 Le arti decorative alle grandi Esposizioni Universalli, D. Alcouffe, Idea Libri, p° 78, n° 256.)

Biographie

Albert-Ernest Carrier-Belleuse (1824-1887), surnommé le « Clodion du XIX^ème siècle », fut un sculpteur d’une exceptionnelle fécondité, traitant ses sujets décoratifs comme ses portraits avec la même rigueur naturaliste, pleins de charme et de vie. Il entre à l’Ecole des Beaux-Arts de Paris en 1840, où il est l’élève de David d’Angers. Dès le début des années 1860 il connaît le succès avec ses sculptures présentées au Salon des Artistes Français. Son Messie, présenté au Salon de 1867, lui vaut la médaille d’honneur et la Croix de la Légion d’Honneur.
Parmi les commandes officielles, la ville de Paris, cette « nouvelle » capitale, redessinée par les soins du Baron Haussmann, se pare de quelques-unes des plus belles œuvres de Carrier-Belleuse : l’Abondance du Pavillon de Flore au Louvre (1865), ou la somptueuse décoration du célèbre hôtel particulier de la Marquise de la Païva, situé avenue des Champs-Elysées. Mais c’est surtout avec les statues-torchères du grand escalier de l’Opéra de Paris (1873), récemment construit par Charles Garnier, que Carrier-Belleuse rencontre un immense succès auprès du public parisien. Dans le catalogue de l’Exposition Universelle de 1878, il est fait éloge de son travail, et l’on dit qu’on « vient même de Londres lui demander des modèles ». Ses nombreux bustes, groupes et allégories, ainsi que ses candélabres, vases et pendules, tous d’une ciselure remarquable, connurent sous le Second Empire un succès considérable.

Emile Colin, célèbre fondeur installé depuis 1843 au n° 29, rue de Sévigné à Paris, édite dès 1855 les plus grands maîtres de la sculpture française, tels A.E. Carrier-Belleuse (Le Zouave), J. Pradier (Les Trois Grâces, Vénus consolant l’Amour) ou J.B. Carpeaux à partir de 1875 (L’Enfant au cor), et l’orfèvre parisien Christofle. Il marque ses bronzes de la mention “E. Colin & C^ie” de 1882 à 1898. La marque évolue pour devenir “M. Colin & C^ie” de 1898 à 1906, puis “Ancienne Maison Colin, Jollet & C^ie” de 1906 à 1923. De réputation internationale, Emile Colin envoie à l’Exposition Universelle de Chicago en 1893 des œuvres en bronze, dont des vases en marbre montés et une grande horloge en bronze. La maison Colin, compte à la fin du XIX^ème siècle parmi les plus grands bronziers aux côtés de Barbedienne, Susse et Siot-Decauville. A la mort d’Emile Colin en 1900, ses vieux modèles sont vendus à la maison Doistal, avenue Daumesnil à Paris, entreprise depuis lors disparue. La maison Colin est une nouvelle fois honorée à l’Exposition Universelle de Paris en 1900 avec notamment des luminaires de style, modelés par Léon Méssagé.

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Orfèvre et Bronzier (1824-1889)
(attribué à)

Paire de Pique-Cierges « à la Sainte Famille »

France
Circa 1880

Email à froid, Bronze doré et argenté

Hauteur : 65 cm ; Largeur : 24,5 cm ; Profondeur : 24,5 cm

Rare paire de pique-cierges en bronze doré et argenté au fût gravé orné de bagues agrémentées de cabochons de couleur à l’imitation de pierres semi-précieuses. Le caractère religieux de ces pique-cierges est rappelé par la présence d’anges en médaillons au centre du fut, et par la présence des membres de la Sainte Famille dans une mandorle sur chaque face du pied tripode. Un riche bestiaire d’animaux fantastiques s’inspirant du Moyen-Âge décore l’ensemble.

L’abondance du décor transforme ces pique-cierges de simples objets utilitaires lors d’une célébration religieuse en œuvre décorative à part entière.

Biographie

Placide Poussielgue-Rusand (1824-1889) est un orfèvre et bronzier parisien connu surtout pour ses objets liturgiques (calices, ciboires, patènes, ostensoirs…) et bronzes d’église (chandeliers d’autel, candélabres, lustres, lampes, croix d’autel et croix de procession, autel…).
Il reprit en 1849 la maison Choiselat-Gallien. Son sens du commerce lui permit d’organiser de façon industrielle sa production d’objets modulables, vendus sur catalogue. En 1862, son entreprise employait 250 ouvriers.
Reconnus par ses pairs, officier de la Légion d’honneur et portant le titre d’Orfèvre de NSP le pape, il obtint des prix aux expositions universelles de 1851 à 1878. Il présida le jury de l’orfèvrerie en 1889. À la mort de Placide Poussielgue-Rusand, en 1889, l’entreprise prit le nom de Maison Poussielgue-Rusand Fils, dirigée par son fils, Maurice Poussielgue-Rusand (1861-1933), puis son petit-fils, Jean-Marie Poussielgue-Rusand (1895-1967) qui mit fin à l’activité de l’entreprise en 1963.

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France
Circa 1880

Bronze doré et patiné, Marbre griotte

Haut. : 51 cm ; Socle : 16 x 16 cm

Paire de candélabres d’après un modèle de de Clodion, à figure de faune et de Bacchus enfants en bronze patiné, tenant chacun trois bras de lumière en bronze ciselé et doré à décor de pampres. Ils reposent sur une base carrée aux bords incurvés en marbre griotte, surmontée d’une colonne en bronze doré tronquée et cannelée, cerclée d’un tore.

oeuvre en relation

Candélabre Satyre enfant (formant paire avec une petite fille), modèle de Clodion
Circa 1775, Bronze patiné et doré
Provenance : Palais de Compiègne au XIXe siècle
Conservé au musée du Louvre (OA 5207)

La paternité du modèle est établie par le catalogue de vente du Cabinet de M. Aubert, le 2 mars 1786 :

biographie

Claude Michel, dit Clodion, est un sculpteur français né en 1738 issu de la dynastie des Adam. Il entre en 1755 dans l’atelier de son oncle Lambert Sigisbert Adam puis devient l’élève de Jean-Baptiste Pigalle. Il gagne en 1759 le grand prix de sculpture et part à Rome en 1762 jusqu’en 1771.

En 1773, il est agréé par l’Académie et reçoit sa première commande du Roi en 1779 pour une statue de Montesquieu. Il est connu pour ses groupes mythologiques de danseuses, de nymphes ou de baigneuses en terre cuite, et nombre de ses œuvres sont conservées dans les musées comme au Louvre, à la National Gallery of Art de Washington, ou le musée des Beaux-Arts de Nancy.

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France
Circa 1880

Porcelaine, Bronze doré, Cristal

Haut. : 120 cm ; Diam. : 58 cm

Grande paire de vases-candélabres de forme balustre à sept lumières, en porcelaine gros bleu et bronze ciselé et doré. Les bras de lumière, ornés de rinceaux et de pampres, sont réunis par d’élégantes guirlandes de cristaux taillés en prismes et mirzas. Deux anses ajourées ornées de feuillages et d’une guirlande encadrent la panse.

Ils reposent sur une base à décor des frises d’entrelacs finissant par quatre pieds feuillagés.

Ces vases candélabres sont à rapprocher de la production de la Manufacture de Sèvres.

Biographie

La Manufacture de Sèvres, centre de production de porcelaine à pâte tendre, est créée vers 1738 à Vincennes par des banquiers et financiers dans l’espoir de découvrir le secret de la porcelaine à pâte dure, déjà connu à Meissen. En 1753 Louis XV, roi de France, devient le principal actionnaire de la manufacture, qu’il transfert à Sèvres, alors plus proche de Versailles et du château de Bellevue, propriété de la Marquise de Pompadour. La Marquise, très intéressée par les recherches de Sèvres, encourage et soutient la production. En 1759, le Roi devient le seul actionnaire de la Manufacture devenue propriété de la Couronne. A partir de cette date, les oeuvres sorties des ateliers de Sèvres sont signées du chiffre royal, deux « L » entrelacés, ainsi que d’une lettre indiquant l’année de fabrication. De 1756 à 1779, la manufacture connaît ses années fastes. Louis XV, afin d’aider Sèvres, fait de somptueuses commandes qu’il offre en présents diplomatiques. Les plus grands artistes de l’époque, comme le peintre Boucher, ou le sculpteur Falconet, travaillent pour Sèvres. Les recherches afin de trouver la technique de fabrication de la porcelaine à pâte dure se poursuivent et aboutissent après 1769. A partir de cette date, la Manufacture produit avec succès la porcelaine à pâte tendre et la porcelaine à pâte dure, et diversifie sa gamme colorée avec le bleu lapis (1752), le bleu céleste (1753), le vert (1756), le rose (1757) et le bleu royal (1763). Les plus belles pièces sont ornées de scènes inspirées des gravures d’après les plus grands peintres, et décorées de guirlandes, bouquets de fleurs, trophées, dorures… Cette production de luxe se perpétue au XIXe siècle, avec de nouveaux artistes, mais en réutilisant également un certain nombre de modèles.

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Bronzier
(actif à partir de 1831)
(attribué à)

Grande paire de girandoles en cristal de roche

France
Circa 1860

Hauteur : 105 cm ; Diamètre : 60 cm
Hauteur colonnes : 115 cm

Cristal de roche, bronze doré

Grande paire de girandoles d’inspiration Louis XIV à douze bras de lumière, ornées de cinq rangs de pendeloques en cristal de roche finement taillé et facetté, surmontées d’un poignard. L’ensemble est soutenu par une belle garniture de bronze doré et ciselé organisée autour d’un fût balustre reposant sur une base circulaire décorée de godrons et lambrequins.
Un système d’éclairage indirect permet de révéler tout l’éclat du cristal de roche.

Elles reposent sur deux colonnes en noyer, tronquées et rudentées.

biographie

Henri Picard, doreur et bronzier, s’installa à Paris, au 6 rue de Jarente de 1831 à 1839 ; puis, au 10 rue de la Perle de 1840 à 1864. Il réalisa la dorure des Petits Appartements de Napoléon III au Palais de Louvre. Il exécuta des œuvres très diverses, comme un encrier Japonisant, ou des centres de table de style Pompéien. H. Picard gagna sa réputation pour la grande qualité de ses jardinières et garnitures de cheminée.

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France
Circa 1880

Porcelaine, Bronze doré

Haut. : 43 cm ; Diam. : 20 cm

Charmante paire de vases candélabres en bronze doré et porcelaine bleu celeste à décor polychrome de style Louis XVI. Chaque face est ornée d’un portrait de femme tenant un chien ou un agneau et au revers d’une scène paysagère sur porcelaine. L’ensemble est orné d’un décor végétal doré rehaussé de perles en relief. Chaque vase est surmonté d’une girandole à quatre lumières en bronze doré et ciselé, et doté d’anses à enroulements de feuillages.

Cette paire de vases-candélabres est à rapprocher de la production de la Manufacture de Sèvres.

Commentaire

La Manufacture de Sèvres, centre de production de porcelaine à pâte tendre, est créée vers 1738 à Vincennes par des banquiers et financiers dans l’espoir de découvrir le secret de la porcelaine à pâte dure, déjà connu à Meissen. En 1753 Louis XV, roi de France, devient le principal actionnaire de la manufacture, qu’il transfert à Sèvres, alors plus proche de Versailles et du château de Bellevue, propriété de la Marquise de Pompadour. La Marquise, très intéressée par les recherches de Sèvres, encourage et soutient la production. En 1759, le Roi devient le seul actionnaire de la Manufacture devenue propriété de la Couronne. A partir de cette date, les oeuvres sorties des ateliers de Sèvres sont signées du chiffre royal, deux « L » entrelacés, ainsi que d’une lettre indiquant l’année de fabrication. De 1756 à 1779, la manufacture connaît ses années fastes. Louis XV, afin d’aider Sèvres, fait de somptueuses commandes qu’il offre en présents diplomatiques. Les plus grands artistes de l’époque, comme les peintres Boucher, Bachelier, ou les sculpteurs Falconet et Boizot, travaillent pour Sèvres. Les recherches afin de trouver la technique de fabrication de la porcelaine à pâte dure se poursuivent et aboutissent après 1769. A partir de cette date, la Manufacture produit avec succès la porcelaine à pâte tendre et la porcelaine à pâte dure. C’est également dans ces années que les couleurs les plus belles, et les plus caractéristiques sont inventées: en 1752 le bleu lapis, en 1753 le bleu céleste, en 1756 le vert, en 1757 le fameux rose, et en 1763, le bleu royal. Les plus belles pièces sont ornées de scènes inspirées des gravures d’après les plus grands peintres (Boucher) et ornemanistes. Elles sont également décorées de guirlandes, bouquets de fleurs, trophées, dorures… De grande qualité, la production de Sèvres couvre un large éventail comprenant des statuettes (l’Amour menaçant de Falconet), des services entiers (en 1788 le service de Rambouillet est servi à Marie-Antoinette), ainsi que des objets utilitaires ou purement décoratifs. Le rôle joué par les marchands merciers dans le développement de la production est capital. Ils surent créer des modes autour des articles sortis de la Manufacture, à l’image de Daguerre qui orna ses meubles les plus précieux de plaques de porcelaine.

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Orfèvres
(Fin XIX^ème siècle)

Paire de Jardinières-Candélabres

Signées Boin-Taburet à Paris et numérotées 34369 et 34370

France
Circa 1880

Bronze argenté

Haut. : 25 cm ; Diam. : 34 cm

Ravissante paire de jardinières de style Louis XVI formant candélabres à trois bras de lumière. Les coupes au dessin imitant une corbeille reposent sur trois pieds feuillagés et une base trilobée. Les intérieurs des jardinières sont amovibles.

biographie

Les deux orfèvres français Georges Boin et son gendre Emile Taburet créent à Paris la Maison Boin-Taburet vers 1875. Ils réalisent de nombreuses pièces d’orfèvrerie inspirées des magnifiques services du XVIII^ème siècle. A l’Exposition Universelle de Paris en 1878, Georges Boin présente un service de toilette inspirée de l’oeuvre de François-Thomas Germain (1726-1791), puis à l’Exposition Universelle de 1889, plusieurs surtouts de table, dont l’un d’eux exécuté d’après les dessins du célèbre ornemaniste Juste-Aurèle Meissonnier (1695-1750), ainsi que des services à thé de style Louis XIV, Louis XV et Louis XVI. La Maison Boin-Taburet y présente également une soupière et son plateau d’après Pierre Germain (1645-1684) pour le Jockey-Club, installé rue Scribe en 1863. Par ses somptueuses manifestations aux différentes Expositions Universelles, la Maison Boin-Taburet va ainsi contribuer à la renaissance des styles du XVIII^ème siècle.

bibliographie

A. Dunan, The Paris Salons 1895-1914, Objets d’Art et Metalware, vol. V

J. Puiforcat, L’orfèvrerie française et étrangère, Paris, 1981, p. 112.

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France
XVIIIe siècle

Bronze argenté

Haut. : 26,5 cm ; Diam. : 14 cm

Ravissante paire de bougeoirs balustres en bronze argenté composés d’un fût à facettes profondément sculpté de cannelures soutenant le binet également cannelé. Chaque flambeau repose sur une large base circulaire à gradins et bords ondulés. La bobèche est amovible.

Commentaire

Les appliques, lustres, bougeoirs et candélabres, qui permettent d’éclairer l’espace, se développent considérablement au cours du XVII^ème siècle. Dès le siècle suivant, les ornemanistes apportent, par leurs modèles, une nouvelle vivacité dans les arts décoratifs, les libérant du Classicisme de Charles Le Brun, et ouvrant la voie au style Régence, plus intime et léger.

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Fondeur
(1805-1886)
(attribué à)

Paire de torchères “aux Amours”

France
Circa 1870

Bronze patiné et doré

Hauteur totale : 262 cm
Torchères – Hauteur : 180 cm ; Largeur : 75 cm
Base – Hauteur : 82 cm ; Diamètre : 52 cm

Paire de torchères à deux patines représentant deux groupes de deux Amours en bronze patiné, soutenant un grand bouquet d’acanthes en bronze doré formant les onze bras de lumière. L’ensemble repose sur des colonnes cannelées en bois noirci et doré.

Torchères inspirées d’un modèle de la seconde moitié du XVIIIe siècle, exécuté par Jean Louis Prieur (né vers 1725), et faisant partie de la collection Wallace (Inv. F 138 et F 139).
Reproduit et commenté in H. Ottomeyer, Vergoldete Bronzen, T. I, Klinkhardt & Biermann, Munich, 1986, p. 95.

Un autre groupe comparable de chérubins tenant une torchère feuillagée réalisée vers 1870 par Victor Paillard.

Biographie

Victor Paillard (1805-1886) est à compter parmi les plus grands bronziers français de la seconde moitié du XIX^e siècle. Il apprend la ciselure avec Jean-François Denière (1774-1866), puis ouvre dans les années 1830 sa propre entreprise “de bronzes d’art et d’ameublement”, installée n°105, boulevard Beaumarchais à Paris. Il fabrique d’abord des petits objets, puis des statuettes, des candélabres et des pendules, parfois de grandes dimensions. Il apparaît pour la première fois à l’Exposition des Produits de l’Industrie en 1839 et travaille pour les plus grands sculpteurs, tels Pradier, Barye ou Carrier-Belleuse. Le succès ne se fait pas attendre, entre autres grâce aux Expositions Universelles de Londres en 1851 et 1862, et de Paris en 1855, 1867 et 1878, auxquelles il participe. Il y est célébré chaque fois pour la qualité de son travail. En exemple, John Burney Waring reproduit un miroir de Paillard dans son ouvrage de référence “Masterpieces of Industrial Art and Sculpture, 1862 (Plate 92)”, réunissant les plus belles œuvres de l’Exposition Internationale de Londres. Paillard est alors récompensé d’une médaille, et la “qualité exceptionnelle de son travail” est citée dans tous les rapports de jurys. Fait Chevalier de la Légion d’honneur, Paillard qui emploie une centaine d’ouvriers propose à sa clientèle plus de quatre cents modèles en bronze. Il ne se contente pas de réaliser les modèles des autres sculpteurs, mais crée également les siens, comme en témoignent ses figures de jeunes enfants et de chérubins alors très prisés, qui ornent pendules, vases et torchères. Remportant un franc succès aux Expositions Universelles de 1862 et 1867, ces amours symbolisent d’après Burney Waring “le bonheur et l’innocence de l’enfance”.

Muséologie

Nombreux sont les bronzes de Paillard conservés dans les collections privées et publiques, comme au Dahesh Museum of Art de New York, avec Sappho (1851). Mais c’est encore in situ, qu’on peut le mieux apprécier l’œuvre de Victor Paillard : le Quai d’Orsay à Paris (Ministère des Affaires Etrangères), construit vers 1855 présente dans l’Escalier d’honneur, le Salon du Congrès, le Salon de l’Horloge et le Salon des Ambassadeurs, quelques unes de ses plus belles pendules, torchères et autres pièces d’exception.

Bibliographie

Les bronzes du XIXe siècle, P. Kjellberg, Les Ed. de l’amateur, 1989, p° 662.

Masterpieces of Industrial Art and Sculpture, John Burney Waring, 1862, Plate 92.

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France
Circa 1880

Bronze argenté

Haut. : 57 cm ; Diam. : 37 cm

Paire de candélabres de style Louis XIV, à cinq lumières, en bronze ciselé et argenté. Ornés de motifs de palmettes, de médaillons et de masques féminins. Fût central à motifs guillochés, terminé par une base à doucine, de forme octogonale.

A rapprocher : chandelier en argent réalisé vers 1720 par l’orfèvre Jacques Besnier, d’après un dessin de Jean Bérain (1640-1711). Conservé aujourd’hui au Metropolitan Museum of Art, New York (Reproduit et commenté in « L’art du luminaire », J.Bourne, V.Brett, Flammarion, 1992, p°50).

Les appliques, lustres, bougeoirs et candélabres, qui permettent d’éclairer l’espace, se développent considérablement au cours du XVIIème siècle. Leur raffinement témoigne du statut social de leur propriétaire. Leur décor sophistiqué marqué par une grande rigueur et une solennité classique, s’inspire des dessins d’ornement de Jean Bérain, Daniel Marot, C. de Moelder ou Le Pautre, diffusés par des livres de modèles, à travers l’Europe, et largement repris par d’autres artisans appartenant aussi à d’autres corps de métiers que l’orfèvrerie. A la fin du XVIIème siècle et au début du XVIIIème, les ornemanistes apportent, par leurs modèles, une nouvelle vivacité dans les arts décoratifs, les libérant du Classicisme de Charles Le Brun, et ouvrant la voie au style Régence, plus intime et léger.

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Bronzier
(1828-c.1890)
(attribué à)

Paire de candélabres néo-Grecs

France
Circa 1870

Bronze patiné et doré

Haut. : 93 cm ; Larg. : 43 cm

Paire de candélabres néo-grecs en bronze patiné et bronze doré à dix bras de lumière, surmontés au plus haut d’un héron aux ailes déployées. Ils sont ornés de nombreux motifs de style grec telles les pommes de pin, les palmettes et les feuilles d’eau. Ils reposent sur une petite architecture triangulaire présentant un masque de théâtre et une base tripode aux pattes de lion.

Biographie

Georges Emile Henri Servant (1828-c. 1890), succède à son père dès 1855 à la tête d’une fonderie rue Vieille-du-Temple à Paris. Il se spécialise dans la production non seulement de pendules néo-Egyptiennes, alors très populaires en France depuis les années 1860, mais aussi d’objets décoratifs de style Grec. Déjà très remarqué par le public et la critique pour ses bronzes de grande qualité à l’Exposition Universelle de Paris en 1855, puis à celle de Londres en 1862, G. Servant exporte dès cette époque jusqu’à 40% de sa production, principalement vers les Etats-Unis. C’est ainsi que ses pendules sont vendues avec beaucoup de succès par Louis C. Tiffany Inc. ou Hamann & Roche, à New York. Ses œuvres néo-Grecques et Egyptiennes lui valent enfin la médaille d’or à l’Exposition Universelle de Paris en 1867 (Les Merveilles de l’Exposition Universelle de 1867, t. II, p° 165 & 167), puis c’est en 1874 que lui vient la consécration, avec sa nomination au rang de chevalier de la Légion d’honneur. A l’Exposition Universelle de 1878, Servant qui est alors membre du Jury de la classe des bronzes d’art, expose néanmoins des vases et des petites pièces de mobilier en bronze, qui retiennent une fois de plus l’admiration générale. Il prend finalement sa retraite peu avant l’Exposition Universelle de 1889.

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