Peintre (1816-1899)

« La jeune cavalière » et « La jeune fille au chapeau »

 École Française
Signés C^t Brochart

Circa 1870

Pastel sur papier

Hauteur : 45 cm ; Largeur : 31,5 cm
Avec cadre – Hauteur : 74 cm ; Largeur : 56 cm

Cette ravissante paire de pastels forme un pendant parfait et illustre avec brio le talent de Constant Joseph Brochart, portraitiste du XIXe siècle. Spécialiste des figures féminines vaporeuses et idéalisées, l’artiste cède ici à la mode du néo-rocaille qui fascinait tant la bourgeoisie du Second Empire, s’inspirant de l’élégance du siècle de Watteau et de Fragonard.

« La jeune cavalière », saisie de trois quarts, adresse au spectateur un regard doux mais assuré. Elle est vêtue d’un élégant costume fantaisiste, composé d’une veste blanche satinée aux reflets argentés, ceinturée d’une large écharpe corail. L’ample collerette en dentelle qui renvoie plutôt au XVIIe siècle et le chapeau de feutre gris, agrémenté de plumes d’autruche, encadrent un visage à la carnation de porcelaine. Elle tient délicatement de sa main droite une cravache, ajoutant une touche d’espièglerie à la composition.

En parfait écho au premier, « La jeune fille au chapeau » nous présente une jeune femme dans une tenue d’inspiration XVIIIe siècle. Elle porte une somptueuse robe bleue, richement rebrodée de motifs dorés et soulignée par d’abondants bouillonnés de dentelle aux poignets. Son visage candide est mis en valeur par un charmant chapeau de paille tressé et orné d’une guirlande de roses fraîches. Le traitement des tissus est remarquable, jouant sur les transparences de la mousseline et la lourdeur de la soie brodée. Elle tient dans ses bras un petit chien, ajoutant à la pureté de sa personne. 

Brochart démontre dans cette paire sa maîtrise de la technique du pastel, médium de prédilection pour traduire la douceur de la peau et la volatilité des étoffes. La lumière, habilement dirigée, vient caresser les visages de ces deux élégantes en faisant chanter les couleurs. 

biographie

Constant Joseph Brochart est né en 1816 à Pecq dans la province de Hainaut et décédé en 1899 à Paris. Étudiant aux beaux-arts de Lille où il obtint une médaille de première classe en 1837, il exposera au Salon de 1845 à 1862. Considéré comme le promoteur de la renaissance du pastel en France par le Journal des Artistes (14 mai 1899), il se spécialisa dans les portraits de dames élégantes qui firent sa renommée.

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Bronzier (1822-1897)

« La partie de boules »

France
Circa 1870

Signé Détrier

Bronze patiné et doré

Hauteur : 35 cm ; Largeur : 38 cm ; Profondeur : 34 cm

Charmant groupe intimiste en bronze patiné à rehauts dorés figurant une scène de genre s’inscrivant pleinement dans le genre historiciste du XIXe siècle, qui se plaît à recréer avec nostalgie et précision l’élégance du XVIIIe siècle. Deux gentilshommes vêtus à la mode du milieu du XVIIIe siècle, plongés dans une partie de boules, sont assis autour d’une table de jeu, parfaite réalisation de miniaturisation d’ébénisterie avec ses pieds galbés ornés de chutes d’acanthe et de coquilles asymétriques typiques de l’art rocaille. La ceinture de la table est agrémentée d’une frise de godrons.

Ce bronze est un témoignage précieux du goût du XIXe siècle pour le Siècle des Lumières, figeant ainsi l’esprit de conversation, de loisir et d’élégance de cette époque révolue.

Biographie

Pierre-Louis Détrier (1822-1897) est un bronzier né à Vougécourt en Haute-Saône. Élève de Guérard, il débute au Salon en 1866 et reçoit une mention honorable en 1885 pour un groupe de marbre représentant La jeune mère (n°3616). Le Bulletin de la Société historique et archéologique de Langres écrit en 1890 à son sujet qu’il « a su se faire un nom parmi nos sculpteurs français » et rappelle ses œuvres les plus remarquées aux Salons des Champs-Élysées, parmi lesquels La jeune mère (1885) précitée, Le Nid (1889) ou encore Grande Sœur (1890). Il y participera jusqu’en 1896.

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Créateur et Marchand-éditeur
(attribué à)

Jardinière

Chine, époque Daoguang (1820-1850)
France, circa 1875

Bronze, Émail

Hauteur : 41,5 cm ; Largeur : 50 cm ; Profondeur : 34 cm

Élégante jardinière formée d’une coupe en émail polychrome, à monture en bronze patiné et doré. Elle repose sur quatre pieds en volute à tête d’éléphant dans une patine noire à rehauts dorés sur les parties saillantes. Les pachydermes sont reliés par des lambrequins orientalisants ajourés et dorés, suspendus à une succession de frises, parmi lesquelles perles, médaillons ou encore rais-de-cœur. La panse présente un élégant décor émaillé à fond bleu cloisonné d’or aux motifs de branches fleuries et papillons. Se démarquent deux médaillons à fond noir, ornés du même répertoire iconographique. Les anses prennent la forme de deux dragons orientaux en bronze, patinés et dorés à l’instar des éléphants constituant les pieds. Les créatures sont retenues à la lèvre de la jardinière par leur queue.

Longue est la tradition européenne de monter en bronze toutes variétés d’objets, de la noix de coco au nautile ou encore les porcelaines chinoises. Le travail du bronzier était alors de sublimer ces curiosités et chefs-d’œuvre venus d’ailleurs. Héritiers de cette pratique, les fondeurs et artisans bronziers de la fin du XIXe siècle ne dérogèrent pas à la règle : Barbedienne, Maison Marnyhac ou encore l’Escalier de cristal sont tant de firmes qui s’adonnèrent à cette pratique, l’adaptant au goût de l’époque. De ce fait, nombre d’objets émaillés à fond bleu et à décor de fleurs caractéristiques de la production chinoise du XIXe siècle furent montés, comme des tables à thé, des guéridons, ou des jardinières.

biographie

L’Escalier de Cristal, ancienne et célèbre maison parisienne, spécialisée dans la céramique et la verrerie, mais proposant également du mobilier, des bronzes d’art et d’ameublement, avait été reprise à partir de 1885 – jusqu’en 1923 – par les fils d’Emile Pannier qui constituèrent Pannier Frères, à l’angle des rues Scribe et Auber, à côté du nouvel Opéra. Leurs créations d’inspiration extrême-orientale étaient entre autres grandement appréciées du public et de la critique. La maison remporta de multiples récompenses et médailles aux différentes expositions, dont la médaille d’or à l’Exposition Universelle de Paris en 1900. Dans le domaine du mobilier influencé par l’Extrême-Orient, Majorelle de Nancy, Edouard Lièvre ou Gabriel Viardot collaborèrent également au succès des Frères Pannier. Certaines de leurs œuvres sont visibles dans les plus grands musées, tels que celui de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg, le Musée d’Orsay ou le Corning Museum of Glass de New York. La maison étant parfois propriétaire exclusive des modèles, ses meubles et objets décoratifs n’étaient souvent signés que par l’Escalier de Cristal, quelquefois à côté de la signature de l’artiste. Elle avait aussi un véritable rôle créateur en personnalisant ces œuvres par de superbes bronzes dorés, des plaques en émail cloisonné, des plaques de verre à décor japonisant ou incluant également des éléments japonais authentiques.

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Bronziers (XIXe siècle)
(attribué à)

Lustre aux Acanthes

France
Circa 1870

Cristal, Bronze patiné et doré

Hauteur : 130 cm ; Diamètre : 100 cm

Exceptionnel lustre d’inspiration Louis XVI à douze lumières en bronze patiné « canon de fusil » et doré, richement orné de rosettes, de guirlandes, de perles, de prismes et de pampilles en cristal facetté et taillé. Le fût central, formé d’un bassin à drapé gravé d’entrelacs au culot décoré de feuillages et finissant par des glands, est surmonté d’une colonne cannelée sommée d’une urne. Il distribue deux rangées de six bras de lumières torsadés à double volutes, soulignés de feuilles d’acanthe, à bassins traités en feuilles de palmier et graines retombantes et agrémentés de carquois et de torches. Le couronnement du lustre est formé de lambrequins finement ciselés, suspendus entre trois montants architecturés richement garnis de feuilles d’acanthe retombantes et de glands. La partie supérieure s’évase en un panache de feuilles d’acanthe tourbillonnantes.

biographie

Lacarrière crée en 1825 une fabrique au 3 bis, rue Sainte-Elisabeth. Simple artisan, il se spécialise et excelle dans l’application du bronze dans les appareils d’éclairage. Il obtient dès 1834 une mention honorable, en 1839, une médaille de bronze et en 1844, une médaille d’argent pour un grand candélabre à pied triangulaire, préfigurant celui présenté à l’Exposition Universelle de Londres en 1862. Il participe également à la conception du lustre pour le théâtre de la Reine à Londres. De 1851 à 1870, il changea plusieurs fois de raison sociale.
Lacarrière, Delatour et Cie (actif en 1870) ont fondu et ciselé la majorité des lampadaires, candélabres et lustres de l’Opéra de Paris, dont celui de la salle, dessiné par Charles Garnier, l’architecte de l’Opéra, et modelé par Corboz. Lors de l’Exposition Universelle de 1878, le catalogue tient à rappeler que « leur exposition témoigne d’une grande habilité et d’un goût très pur dans les bronzes d’éclairage destinés à l’habitation privée ». En 1900, l’entreprise nommée Lacarrière et Cie fournit les quatorze monumentaux candélabres du pont Alexandre III, à Paris ; véritable tour de force à l’époque, puisque la plus importante de ces pièces pèse 667 Kgs, pour une hauteur de 4,50 m et un diamètre de 4,70 m.

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Orfèvre (actif 1863-1888)

Samovar

France – Circa 1870

Signé MEGEMOND PARIS

Bronze argenté

Hauteur : 49 cm ; Largeur : 34 cm ; Profondeur : 33 cm

Élégant samovar en bronze argenté, composé en partie supérieure d’une verseuse à anse, sommée d’un couvercle à prise finement ouvragée, flanquée de becs verseurs zoomorphes de chaque côté, participant ainsi à l’équilibre visuel de l’objet. La panse est ornée d’un médaillon chiffré suggérant une commande aristocratique ou bourgeoise entouré dans un cartouche à bords découpés et relié aux becs par un drapé à bords festonnés. Elle est posée sur un support composé de montants courbes en volutes, reliés par des entretoises ornées de motifs d’entrelacs et de mascarons féminins, et finissant par des volutes intégrées dans un plateau à pans découpés, sur lequel est surélevée sur une plateforme à gradins le réservoir de forme circulaire, permettant le maintien de l’eau chaude.

L’ensemble repose sur un plateau en bronze argenté à miroir de forme chantournée au contour mouluré de joncs de laurier réalisé par l’orfèvre Boin-Taburet.

Le samovar est un récipient destiné à la préparation et au maintien de l’eau chaude pour le thé. D’origine russe, ce dispositif apparaît au XVIIIᵉ siècle dans les centres métallurgiques de Toula et se diffuse rapidement en Europe occidentale comme objet à la fois utilitaire et de prestige. Dans sa version occidentalisée du XIXᵉ siècle, notamment en France sous le Second Empire, le samovar se transforme en pièce d’apparat intégrée aux services à thé aristocratiques. Il conserve sa fonction thermique, réservoir central chauffé par un foyer interne ou un réchaud, tout en devenant un véritable manifeste du savoir-faire orfévré.

biographie

Les produits de la maison Joseph Mégemond, située passage des Petites Ecuries, ont plusieurs fois obtenus des distinctions honorifiques, une médaille d’argent à l’Exposition Universelle de 1878, une médaille d’or (prix d’honneur) en 1880 et une médaille d’or (prix d’excellence) en 1887. Il insculpa de 1863 à 1888, année du rachat de son entreprise d’argenture par Paul Canaux.

Les deux orfèvres français Georges Boin et son gendre Emile Taburet créent à Paris la Maison Boin-Taburet vers 1875. Ils réalisent de nombreuses pièces d’orfèvrerie inspirées des magnifiques services du XVIII^ème siècle. A l’Exposition Universelle de Paris en 1878, Georges Boin présente un service de toilette inspirée de l’oeuvre de François-Thomas Germain (1726-1791), puis à l’Exposition Universelle de 1889, plusieurs surtouts de table, dont l’un d’eux exécuté d’après les dessins du célèbre ornemaniste Juste-Aurèle Meissonnier (1695-1750), ainsi que des services à thé de style Louis XIV, Louis XV et Louis XVI. La Maison Boin-Taburet y présente également une soupière et son plateau d’après Pierre Germain (1645-1684) pour le Jockey-Club, installé rue Scribe en 1863. Par ses somptueuses manifestations aux différentes Expositions Universelles, la Maison Boin-Taburet va ainsi contribuer à la renaissance des styles du XVIII^ème siècle.

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Coupe Fleurie aux Tritons

France
Circa 1870

Porcelaine, Bronze doré

Hauteur : 30 cm ; Largeur : 35,5 cm ; Profondeur : 25 cm

Belle coupe en porcelaine polychrome à fond turquoise inspiré du « bleu céleste » de Sèvres, enrichi d’un décor doré de semis losangés ponctués de fleurettes, entourant des cartouches réservés, à encadrement rocaille doré, représentant des bouquets floraux polychromes de roses, pensées, myosotis peints avec une grande délicatesse naturaliste. L’intérieur de la coupe, laissé en fond blanc, est orné de guirlandes de fleurs et de bouquets.
Elle est enchâssée dans une riche monture en bronze ciselé et doré composée de deux anses latérales en enroulements de feuilles d’acanthes soulignées de perles et surmontant des têtes de satyre, un piédouche godronné à décor de feuilles de laurier reposant sur une base quadripode figurant des tritons en position d’atlantes allongés sur des volutes asymétriques d’inspiration rocaille. 

Cette coupe, appartenant à la grande tradition des objets montés, renvoie à une production du XIXᵉ siècle, dans le goût du XVIIIᵉ siècle (plus particulièrement le style Louis XV), caractérisée par l’exubérance du décor rocaille (asymétrie, rinceaux, tritons), la combinaison de matériaux précieux (porcelaine et bronze doré), et le goût pour les objets de centre de table spectaculaires. Elle s’inscrit dans une production abondante mais souvent très raffinée, oscillant entre imitation de la manufacture royale de Sèvres et créations originales destinées à une clientèle bourgeoise ou aristocratique, sensible au luxe et à la virtuosité technique.

biographie

La Porcelaine de Paris, plus communément appelée « Vieux Paris », est une porcelaine à pâte dure, d’un blanc pur, laiteux, très brillant, décorée en peinture et très souvent en or. Il y avait à Paris des fabriques de porcelaine, d’un très haut niveau, avec leur marque bien définie. Mais on décorait, surtout, dans les ateliers, les blancs cuits dans la région de Limoges ou de la banlieue parisienne. 

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Ébéniste (1817-1884)

Bureau plat

France
Circa 1860

Bois de rose, Bronze doré

Hauteur : 73,5 cm ; Longueur : 118,5 cm ; Profondeur : 64 cm

Bureau de style Louis XV en placage de bois de rose et bronzes ciselés et dorés. Il est orné toute face, dans des cartouches bordés de frise d’oves et de feuillages, d’une marqueterie de losanges. Recouvert d’un plateau de forme mouvementé gainé de cuir noir doré aux petits fers et ceint d’une lingotière, il ouvre à trois tiroirs en ceinture. L’ensemble repose sur quatre pieds cambrés ornés aux angles de têtes de bélier et finissant par quatre sabots feuillagés.

biographie

Les Wassmus sont une famille d’ébénistes active à Paris d’environ 1815 à 1868, fournisseur du garde-Meuble impérial sous le Second Empire spécialisée dans la création de meubles marquetés de prestige. Sous la raison sociale Wassmus frères exercèrent d’abord Jean-Henri-Chrétien (1784-1858) et son frère Jean-Henri-Christophe (1786/1864) puis leurs fils, dont Henri-Léonard (1817-1884), qui créa et dessina la plupart des meubles sortant de l’atelier. Travaillant en famille, il est difficile d’attribuer précisément les œuvres par auteur. Ils étaient spécialisés dans la fabrication de meubles de très grande qualité notamment dans les styles Boulle, Louis XV, Louis XVI et Napoléon III. Les commodes de style Louis XVI, meublant l’hôtel de Marigny à Paris sont de Henri-Léonard Wassmus, elles proviennent de la chambre du Prince Impérial au Palais de l’Élysée. En 1844, ils obtinrent une médaille d’argent à l’Exposition des produits de l’Industrie, et exposèrent lors des Expositions Universelles de Paris en 1855 et 1867.

bibliographie

Les ébénistes du XIXe siècle, Denise Ledoux-Lebard, Ed. de l’Amateur, 1984, p. 620-621

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Dessinateur & Sculpteur
(1827-1875)                             

G. Viot et Cie

Compagnie des Marbres Onyx d’Algérie
(active 2^nde moitié du XIXe siècle)

(attribué à)

Jardinière orientaliste

France
Circa 1870

Email, Bronze doré, Onyx d’Algérie

Hauteur : 17 cm ; Longueur : 44,5 cm ; Profondeur : 24,5 cm

Belle jardinière orientaliste de forme rectangulaire en onyx d’Algérie et bronze ciselé et doré. La partie supérieure, en forme d’arabesque, est soulignée d’une frise de feuilles d’eau. Des cartouches rectangulaires en creux et carrés en relief accueillent des plaques en bronze doré à décor stylisé en émail cloisonné d’inspiration persane composé d’entrelacs et motifs géométriques dans une palette vive de bleus turquoise, roses, verts. Agrémentée sur les petits côtés de cabochons moulurés en onyx ornés de deux fleurons finissant en pointe, elle repose sur quatre pieds griffe en bronze doré.

Cette jardinière se présente comme un objet d’apparat caractéristique des productions d’arts décoratifs de la seconde moitié du XIXe siècle, où le goût pour l’exotisme et les matériaux précieux s’inscrit dans une esthétique historiciste et éclectique. Elle témoigne du raffinement technique et de l’intérêt pour l’orientalisme qui marquent le Second Empire

Biographie

Le sculpteur Eugène Cornu (1827-1899), installé 29 rue Popincourt à Paris, travailla tout d’abord comme dessinateur et directeur des travaux de la maison Tahan (1813-1892), avant de travailler à partir de 1858, en étroite collaboration avec la Compagnie des Marbres Onyx d’Algérie, dirigée par Gustave Viot (1828-1897), et créée par Alphonse Pallu (1808-1880) le 14 juin 1858. Cette compagnie se réfère à l’exploitation de l’onyx, connu depuis l’Antiquité et redécouvert en 1849 dans la province d’Oran en Algérie par Del Monte, un marbrier. Elle ouvrit en 1863 un magasin au n°24 du Boulevard des Italiens à Paris. Au milieu des années 1860, le nom de la compagnie changea pour « G. Viot & Cie » and produisit à partir de modèles de sculpteurs renommés, tels Eugène Cornu, Albert Carrier-Belleuse (1824-1887) (Victoria & Albert Museum, Inv. 9070-1863), Charles Cordier (1827-1905)(Orsay, Inv. RF 2996) ou Louis-Ernest Barrias (1841-1905) (Orsay, Inv. RF 1409) des œuvres décoratives de grand luxe ayant pour particularité d’associer l’onyx au bronze, et parfois l’émail. Ils présentèrent ainsi sur leur stand à l’Exposition Universelle de Paris en 1867, une impressionnante paire de vases en onyx, bronze et émail avec leurs sellettes à figures d’éléphants (signée « G. Viot et Cie, Exposition de 1867, Eugène Cornu Inventeur » ; Catalogue Officiel de l’Exposition, groupe III, classe XIV, « meubles de luxe », n°65) qui admirée du jury, leur rapporta une médaille d’or (Rapports du Jury International, Exposition Universelle de 1867 à Paris, 1868, t. III, groupe III, classe XV, chapitre II, § 2, p°45 & 46). Vers 1873 Eugène Cornu devint le directeur de la Compagnie qui prit alors le nom de Société des Onyx d’Algérie E. Cornu et Cie. Vers 1878, la société fut ensuite dirigée par H. Journet dont elle prit le nom. La société resta ouverte jusqu’au début du XXe siècle.

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Bronzier (actif de 1831 à 1864)

Paire de jardinières aux Amours

Signée H. PICARD

France – Circa 1860

Bronze doré

Hauteur : 20,5 cm ; Longueur : 64 cm ; Largeur : 37 cm

Belle paire de jardinières en bronze ciselé et doré de forme ovale, à doublure intérieure lisse. Elles sont ornées en relief, et mises en valeur par un subtil jeu de bruni et d’amati, de rinceaux feuillagés, enroulements asymétriques, coquilles et agrafes structurant la composition selon un rythme symétrique centré. Au centre se détachent deux amours ailés, traités en ronde-bosse, enlacés dans un geste tendre. Leur modelé souple, chairs pleines, visages aux traits arrondis, chevelures bouclées, témoigne d’une volonté de naturalisme tempérée par l’idéalisation académique. Une seconde paire d’amours, disposée en pendant répètent le même geste. Ils surmontent un médaillon représentant Vénus. Les anses latérales, ajourées et asymétriques, se déploient en larges volutes végétales, peuplées de fleurs et de feuillages, dans un esprit clairement rocaille. Le piètement, formé d’enroulements feuillagés reposant sur de petits appuis discrets, confère à l’ensemble une légèreté visuelle malgré la densité du décor.
Le vocabulaire décoratif emprunte au style Louis XV pour la dynamique des lignes et l’abondance des rinceaux, tandis que la composition générale, strictement axiale et équilibrée, révèle une rationalité héritée du néoclassicisme. Cette synthèse est caractéristique des productions de bronziers parisiens du XIXᵉ siècle, dans le contexte du goût pour le XVIIIᵉ siècle ravivé sous le Second Empire.

Le thème des amours renvoie à une iconographie d’origine antique, réinterprétée à la Renaissance puis largement diffusée dans les arts décoratifs français. Symbole d’amour, d’abondance ou de félicité domestique, leur présence est particulièrement adaptée à une jardinière, objet associé à la culture des fleurs et à l’ornement des intérieurs bourgeois. Destinée à recevoir des compositions florales, des plantes d’ornement ou de fruits, ces jardinières relevaient d’un mobilier d’apparat, probablement conçue pour un salon ou un boudoir. Elle témoigne du goût pour les pièces spectaculaires, à la fois utilitaires et sculpturales, qui participaient à la mise en scène du luxe domestique.

Biographie

Henri Picard (actif 1831-1864), doreur et bronzier, s’installa à Paris, au 6 rue de Jarente de 1831 à 1839 ; puis, au 10 rue de la Perle de 1840 à 1864. Il réalisa la dorure des Petits Appartements de Napoléon III au Palais de Louvre. Il exécuta des œuvres très diverses, comme un encrier Japonisant, ou des centres de table de style Pompéien. Henri Picard gagna sa réputation pour la grande qualité de ses jardinières et garnitures de cheminée.

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Bronzier (1805-1886)
(attribué à)

Paire de Tritons

France
Circa 1870

Bronze patiné et doré, Marbre Griotte

Hauteur : 35 cm ; Largeur : 28 cm ; Profondeur : 18 cm

Paire de sculptures en bronze patiné à rehauts dorés représentant deux tritons juvéniles légèrement tournés vers l’intérieur, créant un effet de pendant et de dialogue visuel.
Ces figures hybrides associent un torse d’enfant, proche d’un Amour, à une partie inférieure ichtyomorphe formant une queue enroulée. Cette typologie renvoie à la tradition iconographique des tritons, divinités marines issues du cortège de Poséidon/Neptune dans la mythologie gréco-romaine. Toutefois, le traitement juvénile et gracile, éloigné du triton barbu antique, relève davantage d’une réinterprétation décorative d’époque moderne, où l’imaginaire marin est adouci et intégré à une esthétique ornementale.
Les tritons sont figurés tenant ou entourés d’éléments aquatiques stylisés : coquilles, feuilles aquatiques et fleurs à larges pétales.
Chaque sculpture repose sur une base circulaire moulurée en marbre griotte tronquée à l’arrière, largement employé dans les arts décoratifs européens aux XVIIe–XIXe siècles, conférant à l’ensemble une assise chromatique riche et un caractère luxueux.

Biographie

Victor Paillard (1805-1886) est à compter parmi les plus grands bronziers français de la seconde moitié du XIX^e siècle. Il apprend la ciselure avec Jean-François Denière (1774-1866), puis ouvre dans les années 1830 sa propre entreprise “de bronzes d’art et d’ameublement”, installée n°105, boulevard Beaumarchais à Paris. Il fabrique d’abord des petits objets, puis des statuettes, des candélabres et des pendules, parfois de grandes dimensions. Il apparaît pour la première fois à l’Exposition des Produits de l’Industrie en 1839 et travaille pour les plus grands sculpteurs, tels Pradier, Barye ou Carrier-Belleuse.
Le succès ne se fait pas attendre, entre autres grâce aux Expositions Universelles de Londres en 1851 et 1862, et de Paris en 1855, 1867 et 1878, auxquelles il participe. Il y est célébré chaque fois pour la qualité de son travail. En exemple, John Burney Waring reproduit un miroir de Paillard dans son ouvrage de référence “Masterpieces of Industrial Art and Sculpture, 1862 (Plate 92)”, réunissant les plus belles œuvres de l’Exposition Internationale de Londres. Paillard est alors récompensé d’une médaille, et la “qualité exceptionnelle de son travail” est citée dans tous les rapports de jurys. Fait Chevalier de la Légion d’honneur, Paillard qui emploie une centaine d’ouvriers propose à sa clientèle plus de quatre cents modèles en bronze. Il ne se contente pas de réaliser les modèles des autres sculpteurs, mais crée également les siens, comme en témoignent ses figures de jeunes enfants et de chérubins alors très prisés, qui ornent pendules, vases et torchères. Remportant un franc succès aux Expositions Universelles de 1862 et 1867, ces amours symbolisent d’après Burney Waring “le bonheur et l’innocence de l’enfance”.

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France
Circa 1870

Rhodonite, Bronze doré

Hauteur : 14,5 cm ; Base : 8 x 8 cm

Cette paire de bougeoirs est constituée d’un fût cylindrique en rhodonite polie, inséré dans une riche monture en bronze ciselé et doré. Chaque bougeoir repose sur une base tripode soulignant la stabilité et l’équilibre de l’ensemble.
La partie supérieure est formée d’une bobèche circulaire en bronze doré, à profil mouluré, ornée d’une frise gravée de motifs géométriques stylisés. Le fût est ceinturé de montants verticaux en bronze, finement ciselés, se prolongeant en pieds galbés à décor de feuilles et de sabots stylisés.
L’ornementation se distingue par la présence de têtes de béliers en ronde-bosse, disposées en applique sur la partie supérieure du fût. De ces mascarons partent des guirlandes de fruits et de feuillages, conférant à l’ensemble une iconographie d’inspiration antique, associée aux thèmes de l’abondance et de la force. Les têtes animales, aux cornes spiralées et au modelé naturaliste, témoignent d’un haut niveau de maîtrise technique.

L’association du bronze doré et de la rhodonite, matériau décoratif rare dans les arts du feu européens, inscrit ces bougeoirs dans une tradition de luxe décoratif du début du XIXᵉ siècle, dans le goût néoclassique. La qualité de la dorure, encore bien conservée, ainsi que la précision de la taille de la pierre suggèrent une commande destinée à un intérieur aristocratique ou de grand apparat.
L’ensemble présente une cohérence stylistique et matérielle remarquable, illustrant l’alliance entre arts lapidaires et bronzes d’ameublement dans les arts décoratifs européens.

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France
Circa 1870

Bois doré, Marbre

Hauteur : 90 cm ; Largeur : 117 cm ; Profondeur : 55 cm

Cette console en bois sculpté et doré de style Régence, présente une composition élégante et architecturée. Elle se distingue par sa structure à deux pieds en console fortement galbés, richement sculptés de feuillages, cannelures et enroulements, se terminant par des pieds à griffes reposant sur des bases moulurées.
La ceinture est abondamment décorée : au centre, un important motif de coquille rayonnante, encadré de rinceaux et de volutes symétriques, s’inscrit dans un panneau au fond finement quadrillé. Des chutes sculptées et des ornements feuillagés soulignent les angles et renforcent l’équilibre décoratif de l’ensemble. L’ornementation, bien que riche, reste maîtrisée, illustrant parfaitement la transition entre la rigueur du style Louis XIV et la liberté décorative du futur Louis XV. Les deux pieds sont reliés par une entretoise ajourée, ornée d’une coquille centrale et de volutes, apportant stabilité et raffinement à la structure. Le plateau en marbre blanc, sobre et légèrement mouluré, contraste avec l’éclat de la dorure, mettant en valeur la profondeur de la sculpture.
L’ensemble dégage une impression de prestige et de légèreté, caractéristique des consoles Régence destinées aux appartements d’apparat.

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Élégante paire de Vases

France
Circa 1860

Porcelaine

Hauteur : 51 cm ; Diamètre : 18 cm

Paire de vases de forme balustre, en porcelaine dure, reposant sur un pied circulaire mouluré et s’évasant vers un col à lèvre plate soulignée d’un filet doré. Chaque vase est pourvu de deux anses latérales appliquées, à décor ajouré et doré, de profil chantourné, s’inscrivant dans le vocabulaire ornemental historiciste du milieu du XIXᵉ siècle.
La surface est couverte d’un fond bleu profond, richement rehaussé d’un décor doré composé de rinceaux feuillagés, volutes, treillages et motifs floraux stylisés. Le décor est organisé autour de larges réserves ovales cernées de frises dorées.
Sur une face de chaque vase, les réserves présentent des scènes animalières et ornithologiques peintes en polychromie, figurant des oiseaux exotiques dans des paysages idéalisés, traités avec une grande précision naturaliste et une palette subtile, évoquant l’influence des recueils zoologiques et des décors orientalistes alors en vogue. Sur les faces opposées, les réserves sont ornées de bouquets floraux luxuriants, composés de roses, dahlias, pivoines et fleurs de jardin, rendus avec un sens aigu du modelé, de la transparence des pétales et des dégradés chromatiques, caractéristiques de la peinture de fleurs sur porcelaine de haute qualité.

L’alternance des décors — scènes d’oiseaux et compositions florales — ainsi que la symétrie générale de l’ornementation confèrent à cette paire une forte unité visuelle, tout en soulignant la virtuosité technique des peintres et doreurs. L’ensemble témoigne du savoir-faire de la manufacture de Valentine, active au XIXᵉ siècle et réputée pour ses productions luxueuses destinées à une clientèle bourgeoise et aristocratique, s’inscrivant dans la tradition française des porcelaines d’apparat, héritière à la fois des modèles de Sèvres et du goût éclectique du Second Empire.

La manufacture dite de Valentine est une manufacture de porcelaine fondée en 1832, à la suite de la découverte d’un filon de kaolin dans les Pyrénées centrales, à Saint-Gaudens. Elle est la seule fabrique de porcelaine du sud de la France. Chassés par des ennuis politiques, d’anciens faïenciers de Moustiers-Sainte-Marie (Alpes-de-Haute-Provence) fondent une manufacture à Toulouse, au début du XIXe siècle. Dès 1820, cette manufacture « Fouque et Arnoux, fabricants de faïence, place Saint-Sernin à Toulouse », compte soixante-dix ouvriers et une annexe à Saint-Gaudens, sur les bords de la Garonne, où les deux fabriques seront regroupées en 1832. Cette manufacture employant jusqu’à 250 ouvriers dans les années 1850 fait alors face à la colline de Valentine où les 6 fours de la fabrique se ravitaillent en bois, et dont les porcelaines prendront le nom. Ces “porcelaines de Valentine”, produites à Saint-Gaudens jusqu’en 1878, sont à pâte dure, d’un blanc pur, laiteux, à émail très brillant, et dont les fameux “Bleus de Valentine” sont colorés au bleu de cobalt. Les décors sont très souvent enrichis de bouquets floraux et de filets d’or peints sur l’émail.

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Bronzier (actif de 1831 à 1864)
(attribué à)

Guéridon aux Bacchantes

France
Circa 1860

Bronze doré, Malachite

Hauteur : 80,5 cm ; Diamètre : 104 cm

Rare guéridon circulaire reposant sur un piètement tripode en bronze finement ciselé et doré, supportant un plateau en malachite de l’Oural appareillé, cerclé d’une frise de feuilles d’eau et de perles.
Le piètement se compose de trois bacchantes traitées en ronde-bosse, disposées en caryatides et reliées entre elles par des rinceaux feuillagés et des cartouches ornés de mascarons. Les figures, aux proportions élancées et à l’anatomie idéalisée, adoptent une posture dynamique, bras levés soutenant la ceinture du plateau.
Le socle triangulaire à angles arrondis est enrichi de motifs néoclassiques – palmettes, godrons et feuilles d’acanthe.

Par la qualité exceptionnelle de la fonte, la finesse de la ciselure et l’équilibre savant entre sculpture et architecture décorative, ce guéridon s’inscrit dans la tradition du mobilier d’apparat parisien du milieu du XIXe siècle. Il est attribuable au bronzier Henri Picard, dont l’atelier s’illustra par des œuvres d’un raffinement extrême, destinées à une clientèle aristocratique et internationale, et par une relecture érudite des modèles antiques et Renaissance, caractéristique du goût éclectique du Second Empire. 

Biographie

Henri Picard, doreur et bronzier, s’installa à Paris, au 6 rue de Jarente de 1831 à 1839 ; puis, au 10 rue de la Perle de 1840 à 1864. Il réalisa la dorure des Petits Appartements de Napoléon III au Palais de Louvre. Il exécuta des œuvres très diverses, comme un encrier Japonisant, ou des centres de table de style Pompéien. Henri Picard gagna sa réputation pour la grande qualité de ses jardinières et garnitures de cheminée.

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Bronzier (XIXe siècle)

Lustre « aux Amours » 

France
Circa 1880

Bronze patiné et doré, Cristal

Hauteur : 100 cm ; Diamètre : 70 cm

Charmant lustre en bronze doré et patiné composé de neuf branchages se terminant par des roses éclairantes. Il est formé d’un panier à treillis de perles et rosaces en cristal soutenant trois amours assis portant des torches lumineuses. L’ensemble est suspendu par des montants enrubannés se terminant par un plafonnier à décor végétal ajouré. 

Un poinçon “B M” avec numéro d’atelier (019) indique un marquage de la maison Boin-Masson, bronzier parisien actif fin XIXᵉ siècle, ancêtre de la maison Boin-Taburet.  

Commentaire

La maison Boin-Masson naît dans le contexte du Paris du Second Empire, à une époque où les grands ateliers de bronze d’art se multiplient (Barbedienne, Beurdeley, Christofle…). Boin-Masson est fondée par l’association entre Alexandre BOIN et Étienne MASSON. Tous deux sont des maîtres ornemanistes, travaillant le bronze doré, les montures de cristal, et la ciselure décorative inspirée du XVIIIᵉ siècle. La maison s’installe dans le quartier des bronziers : rue Amelot et plus tard rue Chapon, à Paris. Leurs pièces sont signées ou marquées “B M” + numéro. À la fin du XIXᵉ siècle (vers 1880-1900), la maison passe entre les mains de Georges BOIN et Émile TABURET (Maison BOIN-TABURET). 

Les appliques, lustres, bougeoirs et candélabres, qui permettent d’éclairer l’espace, se développent considérablement au cours du XVII^e siècle. Bien qu’existant déjà au XVIIe siècle, le terme “lustre” n’a été employé que tardivement puisque jusqu’au XVIIIe siècle dans les anciens inventaires, le lustre est désigné simplement par le terme chandelier. Leur raffinement témoigne du statut social de leur propriétaire. A la fin du XIXème siècle, les grandes maisons comme Barbedienne, Beurdeley, Christofle, ainsi que Boin-Masson / Boin-Taburet, se spécialisent dans les montures inspirées du XVIIIᵉ siècle mais réinterprétées selon le goût Second Empire. 

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Créateur et Marchand-Editeur
(attribué à)

Paire d’Appliques « aux Fleurs »

France
Circa 1890

Porcelaine, Bronze doré, Tôle peinte

Hauteur : 50 cm ; Largeur : 31 cm ; Profondeur : 14 cm

Paire d’appliques à deux bras de lumière en tôle, bronze doré et porcelaine peinte à rehauts dorés.
Composées chacune d’une demi-coupe à décor floral dans des cartouches sur fond pastillé rose, surmontée d’un bouquet formé de fleurs en porcelaine polychrome et de feuilles en tôle peinte. Elles reposent sur une petite console en bronze doré à motifs de feuilles et de fleurs.

Biographie

L’Escalier de Cristal, ancienne et célèbre maison parisienne, spécialisée dans la céramique et la verrerie, mais proposant également du mobilier, des bronzes d’art et d’ameublement, avait été reprise à partir de 1885 – jusqu’en 1923 – par les fils d’Emile Pannier, Georges et Henri, qui constituèrent Pannier Frères, à l’angle des rues Scribe et Auber, à côté du nouvel Opéra.
Leurs créations d’inspiration extrême-orientale étaient entre autres grandement appréciées du public et de la critique. La maison remporta de multiples récompenses et médailles aux différentes expositions, dont la médaille d’or à l’Exposition Universelle de Paris en 1900. Dans le domaine du mobilier influencé par l’Extrême-Orient, Majorelle de Nancy, Edouard Lièvre ou Gabriel Viardot collaborèrent également au succès des Frères Pannier. Certaines de leurs œuvres sont visibles dans les plus grands musées, tels que celui de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg, le Musée d’Orsay ou le Corning Museum of Glass de New York. La maison étant parfois propriétaire exclusive des modèles, ses meubles et objets décoratifs n’étaient souvent signés que par l’Escalier de Cristal, quelquefois à côté de la signature de l’artiste. Elle avait aussi un véritable rôle créateur en personnalisant ces œuvres par de superbes bronzes dorés, des plaques en émail cloisonné, des plaques de verre à décor japonisant ou incluant également des éléments japonais authentiques.

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Bronzier (1815-1903)
(attribué à)                                                                

Coupe aux Amours

France
Circa 1870

Bronze doré et argenté, Cristal

Hauteur : 23 cm ; Longueur : 46,5 cm ; Profondeur : 34 cm

Belle coupe de forme ovale à bords évasés, en cristal gravé à décor d’entrelacs fleuris. Elle est enserrée dans une élégante monture ajourée en bronze ciselé et doré à décor végétal gravé prolongée d’un piédouche perlé. L’ensemble repose sur une base quadrilobée à gradins, sur laquelle sont assis deux amours atlantes en bronze argenté tenant un drapé, ornée d’un côté d’un cartouche monogrammé et de l’autre d’une palmette.

Biographie

Guillaume Denière (Paris, 1815-1903) est l’élève du célèbre ornemaniste Aimé Chenavard (1798-1838) et de l’architecte Henri Labrouste (1801-1875). En 1844, Denière succède à son père, établi depuis 1804, au 15 rue Vivienne à Paris. L’entreprise est alors très prospère et quatre cents ouvriers travaillent à satisfaire les nombreuses commandes du roi Louis-Philippe et de la haute bourgeoisie. Il exécute des bronzes d’ameublement, des candélabres, des pendules ainsi que des surtouts de table. Il collabore avec de nombreux artistes parmi lesquels Carrier-Belleuse (1848-1913) et Constant Sévin (1821-1888). Il livre plusieurs pendules (Génie de Arts, Liseuse et chien) pour le palais des Tuileries en 1852 ; ainsi qu’une pendule « globe » à cadrans tournants pour le Grand Salon du Château de Bagatelle. Ses centres de table, au style souple et vigoureux, comme en témoigne le surtout du Duc d’Orléans (1842), sont alors salués par la critique. Ses œuvres sont très souvent remarquées aux Expositions Universelles, à tel point que l’Empereur Napoléon III lui achète à l’exposition parisienne de 1867 une garniture de cheminée. Sa renommée s’étend à travers le monde. Parmi ses plus prestigieuses commandes, Denière livre un spectaculaire surtout en bronze en 1854 à l’ambassadeur de Russie, Kisselef, et des bronzes décoratifs au Vice-Roi d’Egypte, Saïd Pacha en 1862 ainsi qu’au roi du Cambodge, Norodom 1^er (Grilles de la Salle du Trône).

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Horlogers & Bronziers (Maison fondée en 1813)
(attribué à)

Paire de Chenets

France
Circa 1870

Bronze patiné et doré

Hauteur : 61 cm ; Longueur minimum : 101 cm ; Longueur maximum : 150 cm ; Profondeur : 20 cm

Grande paire de chenets et sa barre de foyer de style Louis XVI en bronze ciselé patiné et doré. Les chenets sont ornés de colonnes cannelées rudentées à asperge, surmontées de cassolettes flammées, devant lesquelles sont assis des Amours ailés ayant déposé leur carquois soufflant pour attiser la flamme. Ils reposent sur des pieds en forme de sabots de cervidé. La barre de foyer est ornée d’une frise ajourée d’entrelacs centrés de fleurettes.

Biographie

La maison Raingo Frères, fondée en 1813 à Paris, s’installe vers 1830 au 8 de la rue de Touraine puis au 102 rue Vieille-du-Temple. Les quatre frères Raingo d’abord connus comme horlogers ajoutent des bronzes d’art et d’ameublement à leur catalogue en 1841. En 1860, cette maison fournit en bronzes l’Empereur et l’Impératrice et possède un grand nombre de pièces de collection. Spécialisés au départ dans la reproduction d’antiques, ils éditent ensuite des artistes contemporains, moulant un petit nombre de modèles. Les plus connus sont James Pradier (1790-1852), Albert Carrier-Belleuse (1824-1887) et Auguste Moreau (1834-1917). Présente aux Expositions Universelles de 1862 à Londres et de 1867, 1878 et 1889 à Paris, elle remporte à chaque fois des récompenses, dont la médaille d’or en 1889.

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France
Circa 1860

Bois doré

Hauteur : 183 cm ; Socle : 66 x 66 cm

Provenance : Château d’Île-de-France

Exceptionnelle paire de porte-torchères de style Régence en bois sculpté et doré. Le fût en console autour duquel s’enroule un dauphin est richement décoré de rinceaux feuillagés, de coquilles, de chutes fleuries et d’un masque féminin. Il soutient un plateau circulaire à motifs de palmettes et d’acanthe, cerclé d’une frise d’oves.
L’ensemble repose sur un piétement tripode ornés de frises d’oves et de feuillages, à décor de trois dauphins adossés à un lambrequin et finissant par six pieds feuillagés.

Selon la définition du Dictionnaire de l’Académie, en 1696, la torchère est un « espèce de petit guéridon au fût élevé sur lequel on met un flambeau, une girandole, des bougies ».
Dans les dernières années du XVIIe et au XVIIIe siècle, ce meuble fut particulièrement prisé afin de soutenir candélabres et girandoles en verre ou cristal de roche destinés à illuminer les intérieurs ainsi que les somptueuses galeries comme la galerie des Glaces de Versailles pour laquelle furent livrées en 1769, en prévision du mariage du Dauphin, deux modèles de douze exemplaires chacun : l’un à figures d’enfants sculpté par François Toussaint Foliot ; l’autre à figure de femme sculpté par Pierre-Edmé Babel d’après les dessin de Jacques Gonduin, architecte du Garde-Meuble de la Couronne.

Galerie des Glaces – Château de Versailles

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Manufacture de Cristal

Paire de Candélabres en cristal

France
Circa 1870

Hauteur : 115 cm ; Diamètre : 53 cm

Belle paire de candélabres à dix lumières en cristal taillé de Baccarat. Le fût central de forme balustre éclaire à deux rangées superposées de six et trois bras de lumières à branches façonnées et torsadées, et est sommé d’une corolle éclairant à une lumière. L’ensemble est orné de nombreux octogones et prismes à dard en cristal.

Biographie

La célèbre cristallerie de Baccarat, dont l’origine remonte au XVIIIe s., remporte sa première médaille d’or, à l’occasion de l’Exposition des Produits de l’Industrie de 1823, où elle est saluée pour “l’éclat et la finesse du cristal” et devient la première cristallerie de France. Baccarat est sans nul doute la seule industrie française qui est alors constamment et magistralement représentée au cours des différentes expositions auxquelles elle participe, remportant de ce fait les honneurs et de prestigieuses récompenses. Un maître-mot, “la perfection de la matière et de la taille”, revient dans tous les rapports d’Expositions Universelles entre 1855 et 1867, où la cristallerie Baccarat domine par la qualité de son cristal, jugé supérieur à ceux de Bohême et d’Angleterre. 

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France
Circa 1870

Bronze patiné et doré

Hauteur : 78 cm ; Base : 14,5 x 14,5 cm

Belle paire de vases de forme amphore de style Louis XVI en bronze doré et patiné canon de fusil. Le col, orné de cannelures torses, est surmonté d’un bouquet composé de trois bras de lumières ornés de feuilles d’acanthe et branches de pavots fleuris. La panse est flanquée de deux anses à enroulements sur lesquelles sont assis deux enfants tritons tenant entre leurs mains une guirlande de fleurs. Ils reposent sur un piédouche décoré de feuilles d’acanthe cerclé d’une frise de perle, finissant par une base carrée et moulurée à décor de godrons feuillagés.

Œuvres en relation

Cette paire de candélabres est inspirée d’un modèle de vases-candélabres attribués au célèbre bronzier Pierre Gouthière (1732-1813) et conservés au Musée du Louvre à Paris.

Paire de vases-candélabres attribués à Pierre Gouthière (Bronzier, 1732-1813) datée vers 1770 et conservée au Musée du Louvre, OA 5169 1 et 2. Une paire similaire est conservée au Getty Museum de Los Angeles (inv. 72.DF.43)

Biographie

Le bronzier Pierre Gouthière (1732-1813) épousa la veuve de François Ceriset et reprit l’atelier de ce dernier en 1758. Protégé par le duc d’Aumont, qui lui commande plusieurs œuvres, il obtint de travailler pour les prestigieux dans l’administration des Menus-Plaisirs du roi. La qualité artistique et technique de ses œuvres (il fut l’inventeur de la dorure au mat, qui donnait au bronze l’apparence de l’or), lui valut de compter parmi sa clientèle la reine Marie-Antoinette, Madame Du Barry ou encore le comte d’Artois. Il fut le maître de Pierre-Philippe Thomire, autre bronzier de génie. S’il connut une très grande renommée, il mourut dans la misère. Peu de ses œuvres ont subsisté jusqu’à nos jours. Elles sont aujourd’hui conservées dans les plus grands musées : le Louvre, la Wallace Collection, le Philadelphia Museum of Art, ou encore la Frick Collection. 

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Manufacture de Cristal
(attribué à)                                          

V. Paillard                         

Bronzier (1805-1886)

Paire d’Appliques aux Médaillons

Signées V^OR PAILLARD A PARIS

France
Circa 1870

Hauteur : 77 cm ; Largeur : 41 cm ; Profondeur : 46 cm

Belle paire d’appliques d’époque Second Empire à huit lumières en bronze ciselé et doré à décor d’acanthes et de rosaces, surmontées d’un Amour musicien jouant de la flûte, et finissant en partie basse par un masque. Les huit bras de lumière torsadés et feuillagés, finissant par des binets à godrons et frises de perles, s’organisent autour d’un fût central orné d’un portrait de femme de profil dans un médaillon perlé et sommé d’un poignard en cristal. L’ensemble est agrémenté de nombreuses rosaces, prismes et pendeloques en cristal.

Biographie

Victor Paillard (1805-1886) est à compter parmi les plus grands bronziers français de la seconde moitié du XIX^e siècle. Il apprend la ciselure avec Jean-François Denière (1774-1866), puis ouvre dans les années 1830 sa propre entreprise “de bronzes d’art et d’ameublement”, installée n°105, boulevard Beaumarchais à Paris. Il fabrique d’abord des petits objets, puis des statuettes, des candélabres et des pendules, parfois de grandes dimensions. Il apparaît pour la première fois à l’Exposition des Produits de l’Industrie en 1839 et travaille pour les plus grands sculpteurs, tels Pradier, Barye ou Carrier-Belleuse.
Le succès ne se fait pas attendre, entre autres grâce aux Expositions Universelles de Londres en 1851 et 1862, et de Paris en 1855, 1867 et 1878, auxquelles il participe. Il y est célébré chaque fois pour la qualité de son travail. En exemple, John Burney Waring reproduit un miroir de Paillard dans son ouvrage de référence “Masterpieces of Industrial Art and Sculpture, 1862 (Plate 92)”, réunissant les plus belles œuvres de l’Exposition Internationale de Londres. Paillard est alors récompensé d’une médaille, et la “qualité exceptionnelle de son travail” est citée dans tous les rapports de jurys. Fait Chevalier de la Légion d’honneur, Paillard qui emploie une centaine d’ouvriers propose à sa clientèle plus de quatre cents modèles en bronze. Il ne se contente pas de réaliser les modèles des autres sculpteurs, mais crée également les siens, comme en témoignent ses figures de jeunes enfants et de chérubins alors très prisés, qui ornent pendules, vases et torchères. Remportant un franc succès aux Expositions Universelles de 1862 et 1867, ces amours symbolisent d’après Burney Waring “le bonheur et l’innocence de l’enfance”.

La célèbre cristallerie de Baccarat, dont l’origine remonte au XVIIIe s., remporte sa première médaille d’or, à l’occasion de l’Exposition des Produits de l’Industrie de 1823, où elle est saluée pour “l’éclat et la finesse du cristal” et devient la première cristallerie de France. Baccarat est sans nul doute la seule industrie française qui est alors constamment et magistralement représentée au cours des différentes expositions auxquelles elle participe, remportant de ce fait les honneurs et de prestigieuses récompenses. Un maître-mot, “la perfection de la matière et de la taille”, revient dans tous les rapports d’Expositions Universelles entre 1855 et 1867, où la cristallerie Baccarat domine par la qualité de son cristal, jugé supérieur à ceux de Bohême et d’Angleterre. 

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Manufacture de Cristal
(attribué à)

Coupe en cristal

France
Circa 1880

Cristal, Bronze

Hauteur : 15 cm ; Longueur : 42 cm ; Largeur : 25,5 cm

Élégante coupe ovale en cristal taillé à décor de palmettes stylisées sur fond quadrillé, reposant sur une monture en bronze à patine argentée représentant des branchages fleuris.

Biographie

La célèbre cristallerie de Baccarat, dont l’origine remonte au XVIII^ème s., remporte sa première médaille d’or, à l’occasion de l’Exposition des Produits de l’Industrie de 1823, où elle est saluée pour « l’éclat et la finesse du cristal » et devient la première cristallerie de France. Baccarat est sans nul doute la seule industrie française qui est alors constamment et magistralement représentée au cours des différentes expositions auxquelles elle participe, remportant de ce fait les honneurs et de prestigieuses récompenses. Un maître-mot, « la perfection de la matière et de la taille », revient dans tous les rapports d’Expositions Universelles entre 1855 et 1867, où la cristallerie Baccarat domine par la qualité de son cristal, jugé supérieur à ceux de Bohême et d’Angleterre.

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Sculpteur
(1824-1887)

E. Colin

Bronzier
(2nde moitié du XIX^ème siècle)

Paire de Torchères “Le Jour” et  “La Nuit”

 Signées A. Carrier et Anc. M^on Colin éditeur – fondeur Paris

France
Fin XIXe siècle

Bronze, Marbre

Hauteur totale : 257 cm ; Hauteur socle : 52 cm ; Largeur socle : 48×48 cm

Exceptionnelle paire de femmes porte-torchères en bronze patiné à rehauts dorés. Chacune, différemment drapée à l’antique, tenant un élégant candélabre en bronze doré à sept lumières. Le Jour, la tête découverte et coiffée de tresses ; La Nuit, la tête couverte de son manteau et tenant des fleurs et fruits de pavot symbolisant le sommeil. Reposant sur un piédestal de forme octogonale en marbre mouluré et orné de frises d’oves, et agrémenté de figures de Victoires ailées tenant une amphore en bronze patiné.

Ces femmes porte-torchères reprennent un thème cher à Carrier-Belleuse, dont le modèle de l’une des deux figures fut présenté pour la première fois à l’Exposition Universelle de Paris en 1867. Il était pour l’occasion utilisé pour une grande pendule exécutée en collaboration avec la société G. Viot, et où en place du candélabre la figure tenait un grand balancier (reproduit et commenté in 1851-1900 Le arti decorative alle grandi Esposizioni Universalli, D. Alcouffe, Idea Libri, p° 78, n° 256.)

Biographie

Albert-Ernest Carrier-Belleuse (1824-1887), surnommé le « Clodion du XIX^ème siècle », fut un sculpteur d’une exceptionnelle fécondité, traitant ses sujets décoratifs comme ses portraits avec la même rigueur naturaliste, pleins de charme et de vie. Il entre à l’Ecole des Beaux-Arts de Paris en 1840, où il est l’élève de David d’Angers. Dès le début des années 1860 il connaît le succès avec ses sculptures présentées au Salon des Artistes Français. Son Messie, présenté au Salon de 1867, lui vaut la médaille d’honneur et la Croix de la Légion d’Honneur.
Parmi les commandes officielles, la ville de Paris, cette « nouvelle » capitale, redessinée par les soins du Baron Haussmann, se pare de quelques-unes des plus belles œuvres de Carrier-Belleuse : l’Abondance du Pavillon de Flore au Louvre (1865), ou la somptueuse décoration du célèbre hôtel particulier de la Marquise de la Païva, situé avenue des Champs-Elysées. Mais c’est surtout avec les statues-torchères du grand escalier de l’Opéra de Paris (1873), récemment construit par Charles Garnier, que Carrier-Belleuse rencontre un immense succès auprès du public parisien. Dans le catalogue de l’Exposition Universelle de 1878, il est fait éloge de son travail, et l’on dit qu’on « vient même de Londres lui demander des modèles ». Ses nombreux bustes, groupes et allégories, ainsi que ses candélabres, vases et pendules, tous d’une ciselure remarquable, connurent sous le Second Empire un succès considérable.

Emile Colin, célèbre fondeur installé depuis 1843 au n° 29, rue de Sévigné à Paris, édite dès 1855 les plus grands maîtres de la sculpture française, tels A.E. Carrier-Belleuse (Le Zouave), J. Pradier (Les Trois Grâces, Vénus consolant l’Amour) ou J.B. Carpeaux à partir de 1875 (L’Enfant au cor), et l’orfèvre parisien Christofle. Il marque ses bronzes de la mention “E. Colin & C^ie” de 1882 à 1898. La marque évolue pour devenir “M. Colin & C^ie” de 1898 à 1906, puis “Ancienne Maison Colin, Jollet & C^ie” de 1906 à 1923. De réputation internationale, Emile Colin envoie à l’Exposition Universelle de Chicago en 1893 des œuvres en bronze, dont des vases en marbre montés et une grande horloge en bronze. La maison Colin, compte à la fin du XIX^ème siècle parmi les plus grands bronziers aux côtés de Barbedienne, Susse et Siot-Decauville. A la mort d’Emile Colin en 1900, ses vieux modèles sont vendus à la maison Doistal, avenue Daumesnil à Paris, entreprise depuis lors disparue. La maison Colin est une nouvelle fois honorée à l’Exposition Universelle de Paris en 1900 avec notamment des luminaires de style, modelés par Léon Méssagé.

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Elegante paire de Vases

France
Circa 1880

Porcelaine

Hauteur : 44 cm ; Diamètre : 20 cm

Ravissante paire de vases amphores en porcelaine dure de Paris, à décor tournant polychrome de lilas, roses, clématites, fuschias et autres fleurs au naturel, sur fond blanc. Le pied et le col sont rehaussés de filets dorés.

Porcelaine de Paris

Paris, capitale de l’art, de la mode et du luxe ne pouvait, lors de la découverte du Kaolin au XVIII^ème siècle vers 1765, à Saint-Yrieix-la-Perche à côté de Limoges, ne pas produire une porcelaine de prestige. La Porcelaine de Paris, plus communément appelée « Vieux Paris », est une porcelaine à pâte dure, d’un blanc pur, laiteux, très brillant, décorée par peinture et très souvent par or. Il y avait à Paris des fabriques de porcelaine, d’un très haut niveau, avec leur marque bien définie. Mais on décorait, surtout, dans les arrière-boutiques, les blancs cuits dans la région de Limoges. Sans marque, ces blancs ont souvent des lettres ou chiffres qui sont recouverts d’émail. Il ne s’agit pas de la marque d’un décorateur ou d’une fabrique. C’est tout simplement un signe que l’ouvrier faisait, avant cuisson, pour reconnaître son travail et se faire régler les pièces ainsi réalisées.

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Bronzier (Actif de 1853 à 1918)
(attribué à)

Paire de Brûle-parfums aux Béliers

France
Circa 1870

Fluorite, Bronze doré

Hauteur : 43 cm ; Diamètre base : 16 cm

Provenance : Collection Michahelles, Hambourg

Belle paire de brûle-parfums de style Louis XVI en fluorite et à élégante monture en bronze ciselé et doré. Le couvercle surmonté d’un frétel en bronze doré repose sur une frise de postes perlée surmontant une galerie ajourée. La panse, de forme ovoïde, est ceinte d’une frise de laurier enrubannée et se termine par des feuillages centrés d’une pomme de pin. Agrémentés de trois montants sommés de têtes de béliers et finissant par des sabots feuillagés, ils reposent sur une base tripode de forme concave, centrée d’un bouton de fleur, et à pans coupés ornés de fleurettes.

Réputée pour la qualité de sa ciselure et le choix des matériaux, la Maison Millet disposait d’un grand atelier où travaillaient de nombreux ouvriers, utilisait ses propres maîtres-modèles de bronze et bénéficiait de collaboration avec de célèbres sculpteurs et bronziers comme Claude Marioton.   

Vue d’un stand de la Maison Millet présentant un modèle de brûle-parfums à têtes de bélier similaire aux nôtres.

Biographie

La maison Millet T. fut fondée à Paris en 1853. Spécialiste de grand talent dans la reproduction de mobilier du XVIII^e siècle, Millet exécuta des meubles et des bronzes d’art de très haute qualité. Il fut l’un des très rares ébénistes à obtenir l’autorisation du château de Versailles pour réaliser la réplique du célèbre serre-bijoux de la reine Marie-Antoinette. Artiste de grand mérite, il obtint les plus hautes récompenses, telle la Médaille d’Or à l’Exposition Universelle de Paris en 1889 durant laquelle il expose pour la première fois, ou le Grand Prix à l’Exposition Universelle de 1900. Les archives photographiques montrent, parmi les vues d’atelier et de son magasin parisien, le stand de Millet à l’Exposition Universelle de Saint-Louis (États-Unis) en 1904. Le rayonnement de cette maison à l’international se fait alors par le biais de son antenne à New-York « Duryea and Potter » 469 fifth avenue, New-York. La Maison Millet subsista jusqu’en 1918.

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« La Floraison »

France
Circa 1880

Porcelaine

Hauteur : 27,5 cm ; Largeur : 23 cm ; Profondeur : 17 cm

Belle paire de vases en porcelaine blanche richement décorée de belles compositions florales polychromes et de papillons rehaussés d’or sur fond bleu, encadrées d’anses en porcelaine dorée en forme de tête de lion enserrant un anneau dans la gueule.
Ces vases sont cerclés d’or aux cols et aux pieds.

La Manufacture de Porcelaine de Paris

Paris, capitale de l’art, de la mode et du luxe ne pouvait, lors de la découverte du Kaolin au XVIIIème siècle vers 1765, à Saint-Yrieix-la-Perche à côté de Limoges, ne pas produire une porcelaine de prestige. La Porcelaine de Paris, plus communément appelée « Vieux Paris », est une porcelaine à pâte dure, d’un blanc pur, laiteux, très brillant, décorée par peinture et très souvent par or. Il y avait à Paris des fabriques de porcelaine, d’un très haut niveau, avec leur marque bien définie. Mais on décorait, surtout, dans les arrière-boutiques, les blancs cuits dans la région de Limoges. Sans marque, ces blancs ont souvent des lettres ou chiffres qui sont recouverts d’émail. Il ne s’agit pas de la marque d’un décorateur ou d’une fabrique. C’est tout simplement un signe que l’ouvrier faisait, avant cuisson, pour reconnaître son travail et se faire régler les pièces ainsi réalisées.

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Bronzier
(Actif de 1853 à 1918)
(attribué à)

Belle Lanterne 

France
Circa 1890

Cristal, Bronze 

Haut. : 110 cm ; Diam. : 30 cm  

Belle lanterne, en bronze à double patine et cristal. Le fût central de forme pansue est gravé d’une frise de grecques centrée d’une étoile. Le tout est surmonté d’une couronne évasée à décor ajouré de feuilles stylisées d’où partent trois montants finissant par un plafonnier.

Biographie

La maison Millet T. fut fondée à Paris en 1853. Spécialiste de grand talent dans la reproduction de mobilier du XVIII^e siècle, Millet exécuta des meubles et des bronzes d’art de très haute qualité. Il fut l’un des très rares ébénistes à obtenir l’autorisation du château de Versailles pour réaliser la réplique du célèbre serre-bijoux de la reine Marie-Antoinette. Artiste de grand mérite, il obtint les plus hautes récompenses, telle la Médaille d’Or à l’Exposition Universelle de Paris en 1889 durant laquelle il expose pour la première fois, ou le Grand Prix à l’Exposition Universelle de 1900. Les archives photographiques montrent, parmi les vues d’atelier et de son magasin parisien, le stand de Millet à l’Exposition Universelle de Saint-Louis (Etats-Unis) en 1904. Le rayonnement de cette maison à l’international se fait alors par le biais de son antenne à New-York « Duryea and Potter » 469 fifth avenue, New-York. La Maison Millet subsista jusqu’en 1918.

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France
Circa 1865

Huile sur Toile , Bois Sculpté et Doré

Hauteur : 180 cm ; Largeur : 63,5 cm ; Profondeur : 12 cm

Rare ensemble de quatre peintures représentant des allégories aux Arts interprétées par des personnages accompagnés d’amours :

La Musique, La Sculpture, La Peinture et Le Théâtre.

Les parties basses sont agrémentées de quatre bouquets de fleurs épanouies.

Le tout est joliment encadré de coquilles, volutes et palmes en bois délicatement sculpté et doré.

Provenance

Collection Baron Maurice Lemonnier

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Manufacture de Cristal

Exceptionnel Lustre et ses dix appliques

France
Circa 1860

Lustre – Haut. : 255 cm ; Diam. : 170 cm
Appliques – Haut. : 102 cm ; Larg. : 58 cm ; Prof. : 64 cm 

Provenance : Palais privé, Italie

Exceptionnel lustre en cristal à 90 lumières accompagné de dix appliques. Le fût central est formé d’une succession de balustres, de coupes et de sphères en cristal taillé et facetté d’où émergent deux rangées de dix et vingt bras de lumières formés de bouquets de deux et trois lumières surmonté d’un poignard, et quatorze aigrettes finissant par des clochettes.

Par dessous, cinquante-quatre couteaux à pans biseautés forment une étoile, d’où descend une sphère facettée. Le lustre est richement paré de pendeloques, gouttes, d’octogones et clochettes finement taillés.

Il est accompagné de dix appliques assorties de neuf lumières chacune, à fût central en forme de balustre, agrémenté d’une couronne d’où jaillissent deux rangs de bras de lumière et d’une coupe d’où émergent six aigrettes finissant par des cloches surmontées d’une sphère facettée et d’un poignard. L’ensemble est orné de nombreuses pendeloques, gouttes et octogones.

Dessin préparatoire pour un lustre à 140 verrines, 1858. Baccarat, archives de la manufacture, reproduit page 25 du catalogue de l’exposition « Baccarat, la légende du cristal » présentée au Petit Palais du 15 octobre 2014 au 4 janvier 2015.

Ce dessin préparatoire a probablement servi de modèle au lustre ici présenté.
En effet, Baccarat proposait plusieurs variantes d’un même modèle à ses clients qui pouvaient ainsi adapter leur commande en choisissant le nombre de lumières, la hauteur du lustre ou la forme du fût selon leur goût et leurs intérieurs.

Entre 1764 et 1860, à de rares exceptions, la Cristallerie de Baccarat ne signe pas ses œuvres. Les premières étiquettes en papier apparaissent en 1860 et représentent à l’intérieur d’un cercle, une carafe entourée d’un verre à pied et d’un gobelet au-dessus desquels est marqué BACCARAT.

A partir de 1875, la marque « BACCARAT » en lettres bâton et en relief est présente  sur certains modèles soufflés et sur les parties en bronze des montures. 

C’est à partir de 1936 que la carafe entourée d’un verre à pied et d’un gobelet, avec « BACCARAT » marqué au-dessus, apparaît systématiquement sur l’ensemble de la production.

Depuis 1990, une signature au laser complète la marque gravée.

Biographie

La célèbre cristallerie de Baccarat, dont l’origine remonte au XVIIIe s., remporte sa première médaille d’or, à l’occasion de l’Exposition des Produits de l’Industrie de 1823, où elle est saluée pour “l’éclat et la finesse du cristal” et devient la première cristallerie de France. Baccarat est sans nul doute la seule industrie française qui est alors constamment et magistralement représentée au cours des différentes expositions auxquelles elle participe, remportant de ce fait les honneurs et de prestigieuses récompenses. Un maître-mot, “la perfection de la matière et de la taille”, revient dans tous les rapports d’Expositions Universelles entre 1855 et 1867, où la cristallerie Baccarat domine par la qualité de son cristal, jugé supérieur à ceux de Bohême et d’Angleterre. Afin de fidéliser ses clients fortunés, parmi lesquels figure bien évidemment les membres de la Famille Royale, Baccarat se doit de découvrir et lancer de nouvelles modes, de nouveaux décors ainsi que de nouvelles matières, comme le cristal opale, qui devint rapidement l’une des spécialités de Baccarat dans les années 1850.

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Ebéniste (1799-1871)
(attribué à)

Gaine de présentation

France
Circa 1865

Hauteur : 135 cm ; Largeur : 45 cm ; Profondeur : 48 cm

Rare gaine de présentation Napoléon III à façade bombée, en placage de bois de rose et de violette et ornementation en bronze ciselé et doré. Sommée d’un plateau circulaire rotatif souligné d’une frise de lauriers, elle est décorée sur trois faces de marqueteries florales et d’entrelacs dans des cartouches délimités par des filets de buis, et soulignés de baguettes en bronze doré. La face principale est ornée d’un bouquet de fleurs marqueté dans un grand médaillon ovale enrubanné surmonté d’une guirlande de fleurs et soulignée de lauriers.
Le socle, en marqueterie de frisage, est ceint d’une frise d’ove et d’une frise de feuillages en bronze doré.

Biographie

Alexandre-Georges Fourdinois est né à Paris en 1799 et mort en 1871. Fondant sa maison en 1835, il devint l’un des plus importants sculpteurs-fabricants de meubles du Second-Empire, fournisseur attitré de l’impératrice Eugénie et eut parmi sa clientèle la princesse Mathilde, les bnaquiers Pereire et Ottinguer, la Païva et les Rothschild.
Jusqu’en 1848, il travailla avec le sculpteur Fossey, et participèrent ensemble à l’Exposition des produits de l’industrie française en 1844 où ils obtinrent une médaille d’argent. A l’Exposition Universelle de Paris en 1855, il partagea avec Barbedienne la médaille d’honneur. L’Exposition de Londres en 1862 lui conféra deux médailles de grande excellence de composition et d’exécution et le grade d’officier de la Légion d’Honneur. En 1867, il laissa son entreprise à son fils Henri-Auguste qui le secondait depuis 1860.

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Dessinateur
(1825-1854)                                                                         

F. Barbedienne

Bronzier
(1810-1892)

(attribué à)

Sellettes ‘bambous’

Un modèle similaire fut exposé à l’Exposition Universelle de Paris en 1855

Bronze à patine brune nuancée, marbre rouge griotte

France, circa 1855

Hauteur totale : 154 cm ; Largeur : 33 x 33 cm
Coupe : hauteur 17 cm

Très jolie paire de sellettes en bronze dites aussi Candélabres bambous. Elles reposent chacune sur trois pieds griffes ornés de têtes de lion séparées par des palmettes. De ce piètement s’élève une tige de bambou qui s’achève en trois boutons de fleurs supportant un plateau circulaire en marbre rouge griotte, sur lequel est posée une coupe à l’antique ornée de lierre.

La sobriété du décor de ces pièces met en valeur la qualité du bronze et les nuances de patine. Les chainettes retombant du plateau viennent animer ces pièces à la ligne épurée.

Le modèle

Le dessin de ces sellettes, inspiré des trépieds antiques, est un modèle bien connu dans la production de Ferdinand Barbedienne, qui fut à plusieurs reprises utilisé par le bronzier. Dessiné par le chef décorateur Henri Cahieux, ce modèle fut édité par la Maison Barbedienne dès 1855 sous le titre Candélabre antique porte-lampe h. 1m35 et vendu au prix de 440 francs. A partir de 1875, la paire est commercialisée sous l’appellation Candélabre bambou, trépied, porte-lampe et est alors proposée en trois tailles : 1m90, 1m70 et 1m35. Ce modèle de sellette se retrouvera ensuite dans tous les catalogues de la Maison Barbedienne.

Cette paire de candélabres bambous permet ainsi de voir comment F. Barbedienne sut décliner un même modèle sur plusieurs décennies et qu’on retrouve dans plusieurs grands intérieurs du Second Empire.

Un modèle identique aux nôtres est présenté par la Maison Barbedienne lors de l’Exposition Universelle de Paris en 1855. A cette occasion, l’Impératrice Eugénie l’achète pour son cabinet de toilette du château de Saint-Cloud. Une aquarelle de Fortuné de Fournier, réalisée en 1860, les représente disposés de part et d’autre d’une psyché réalisée par la Maison Fourdinois.

Ce modèle plut tellement à l’Impératrice qu’elle en commanda deux autres paires en 1858 pour ses boudoirs des palais de Compiègne et de Fontainebleau.

Candélabre, Exposition Universelle de 1855

Aquarelle montrant le cabinet de toilette de l’Impératrice à Saint-Cloud, Palais de Compiègne

    Par ailleurs on sait aussi que des sellettes de ce type prenaient place dans la maison pompéienne construite en 1856 par l’architecte Alfred Normand (1822-1909) pour le Prince Napoléon. Plusieurs photographies et gravures de la demeure nous permettent ainsi de voir ces candélabres, alors utilisés comme porte-lampes. Si l’ensemble du mobilier néo-antique avait été dessiné par Charles Rossigneux (1818-1908), la présence de ces sellettes dans la demeure témoigne de la participation de la Maison Barbedienne sur le chantier, mais aussi du succès de ce modèle au sein du cercle impérial.

Gravure représentant la fête donnée par le Prince Napoléon pour l’inauguration de sa maison pompéienne, le 14 février 1860, Bibliothèque Nationale de France

Vue de l’atrium de la maison pompéienne vers 1860, Bibliothèque Nationale de France

Biographies

Henri Cahieux (1825-1854) : chef des décorateurs du fabricant de bronzes d’art Ferdinand Barbedienne, il était promis à une brillante carrière comme en témoignent ses œuvres envoyées aux Salons de 1850 et 1853. La plupart de ses pièces étaient réalisées dans le style Grec, alors très en vogue à cette époque. L’article de Victor Champier, “Les artistes de l’Industrie” paru dans la Revue des arts décoratifs (déc. 1888), se fait l’écho du génie de cet artiste : “Barbedienne venait de perdre (en 1854) ce garçon plein d’avenir, enlevé par le choléra dans la fleur de l’âge, et dont les œuvres empreintes d’une grâce savoureuse, annonçaient en lui un maître”. A l’Exposition Universelle de Paris en 1855, ses lampes qui figuraient comme son dernier témoignage, remportaient une Médaille d’Honneur au stand de Barbedienne. Louis-Constant Sévin (1821-1888) lui succèdera dans l’entreprise avec succès.

Ferdinand Barbedienne (1810-1892) : il a créé et dirigé l’une des plus importantes fonderies d’art pendant la seconde moitié du XIX^ème siècle. Il doit sa renommée tant à ses fontes de sculptures anciennes et modernes, dont les sujets étaient tirés des plus grands musées d’Europe, qu’à ses bronzes originaux, dessinés dans ses ateliers et destinés à l’ameublement et la décoration. En plus de sa propre production, Barbedienne travaille pour les sculpteurs les plus renommés comme Barrias, Bosio, Clésinger ou encore Carrier-Belleuse. Déjà saluée par deux grandes médailles (Council medals) à l’Exposition de Londres en 1851, la Maison Barbedienne remporte à l’Exposition Universelle de 1855 à Paris, une grande médaille d’honneur et onze médailles de coopérateurs récompensant, ses créateurs de modèles, ses ciseleurs et ses monteurs. Les succès rencontrés par la Maison Barbedienne dans les Expositions Internationales lui valent en conséquence de nombreuses commandes officielles, comme celle de fournir les bronzes d’ameublement pour la maison pompéienne du Prince Napoléon-Joseph, vers 1860, avenue Montaigne à Paris. Déclaré hors concours, en sa qualité de membre et de rapporteur du jury, à l’Exposition Universelle de 1867, il y expose cependant avec succès. Nommé alors Officier de la Légion d’Honneur, il est fait Commandeur en 1878, suite à l’Exposition Universelle où le jury le compare à “un prince de l’Industrie et au roi du bronze”. Sa gloire ne tarit pas avec les années, puisqu’à l’Exposition Universelle de 1889, les critiques remercient Barbedienne de servir de maître aux autres bronziers, par la qualité toujours exemplaire de ses bronzes.

Bibliographie

– F. Barbedienne fondeur, Catalogue des bronzes d’art, Paris, 1855, p.14.
– F. Barbedienne fondeur, Bronzes d’art, Paris, 1858, p.47.
– F. Barbedienne, Bronzes d’art, Paris, 1862, p.56.
– F. Barbedienne fondeur, Catalogue des bronzes d’art, Paris, 1875, p.68.
– F. Barbedienne fondeur, Catalogue des bronzes d’art, Paris, 1882, p.91.
– F. Barbedienne éditeur, Leblanc-Barbedienne successeur, Bronzes d’art, Paris, 1893, p.99.
– Barbedienne éditeur, Leblanc-Barbedienne successeur, Bronzes et objets d’art, Paris, 1900, p.117.
– « La maison pompéienne du Prince Napoléon avenue Montaigne », Marie-Claude Dejean de la Batie, in La Gazette des Beaux-arts, t. LXXXVII, 1287^e livraison, avril 1976, pp. 127-134. fig. 9.

Muséologie

– Paire de porte-lampes de F. Barbedienne, acquise par l’Impératrice en 1858 pour le palais de Compiègne, conservée au palais de Compiègne (Inv. C.348.C)

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Peintre (1825-1908)
Ecole Française

“ Le moineau de Lesbie ”

Tableau exposé au Salon de 1861

Signé C. Brun et daté 1860
Huile sur toile

Dimensions avec cadre : Haut. : 116 cm ; Larg. : 144 cm
Dimensions sans cadre : Haut. : 85 cm ; Larg. : 118 cm

Atrium au riche décor pompéien dans lequel une jeune femme allongée sur un lit joue avec un moineau, indifférente à l’attention que lui porte le jeune homme assis à ses pieds.

Ce tableau, intitulé « Le Moineau de Lesbie » est une œuvre majeure dans le répertoire de C.G Brun, reconnu pour la précision de sa technique, de par l’élégance de la composition, la pureté des couleurs, la finesse de la touche et l’expressivité des personnages.

Exposé au Salon de 1861, ce tableau a été grandement apprécié par le public et les critiques.

Cette rare scène intimiste d’intérieur décoré dans le style pompéien illustre parfaitement le goût de l’époque pour les découvertes des grandes villas de Pompéi grâce aux fouilles archéologiques du XVIIIe siècle et la publications d’ouvrages s’y référant. Aménager ses intérieurs sur le modèle des villas pompéiennes va alors devenir une mode à laquelle vont s’adonner de grands noms du Second Empire, comme le Prince Napoléon, cousin de l’Empereur Napoléon III, qui va se faire bâtir une superbe villa Pompéienne avenue Montaigne, dont il ne reste pour témoignages que quelques photographies et un tableau de Gustave Boulanger, daté de 1861 et intitulé Répétition du « Joueur de flûte » et de la « Femme de Diomède » chez le Prince Napoléon.

Ce tableau illustre le poème « Fletus passeris Lesbiae » provenant du recueil « Carmina » écrit par Catulle (87-54 av. J.-C.) : dans son oeuvre, l’auteur, épris de Lesbie, femme mariée vivant à Rome, met en scène un moineau faisant l’objet de toutes les attentions de sa maîtresse, qui délaisse ainsi son soupirant.

Ce thème, Le Moineau de Lesbie, a fait l’objet de nombreux tableaux, dont celle de Raphaël Poggi exposée au Salon de 1865, Lawrence Alma-Tadema en 1866 ou encore Edward Poynter en 1907.

Tableau présenté sous le n°467 au Salon de 1861 sur les cimaises du Palais des Champs-Elysées (Hall des sculptures et cimaises du salon de 1861, Photographies par Richebourg, vue 17, 1861, BNF)

Biographie

Charles Guillaume Brun, né à Montpellier en 1825, mort à Paris en 1908, s’inscrit en 1847 à l’Ecole des Beaux-Arts de Paris, où il étudie sous la direction de François-Edouard Picot (1786-1868) puis d’Alexandre Cabanel (1823-1889). Sa participation au Salon débute en 1851 avec des sujets de genre (Jeune fille faisant sa prière du matin), mais dès 1853, il envoie régulièrement des scènes Orientalistes, situées en Algérie (La Prière en 1859, Rendez-vous à Constantine en 1861, Femme Mauresque en 1867), d’une grande rigueur architecturale, animées de contrastes tranchants dans les effets d’éclairage et montrant dans les modulations de gris une fine sensibilité. Outre ses nombreux paysages d’Algérie, il se fait aussi connaître comme portraitiste militaire, peignant avec précision les uniformes, et devient naturellement peintre officiel au ministère de la Guerre, où il collabore avec Alexandre Cabanel. Il est également l’auteur de décorations d’églises, dont celle de Villemomble (Martyre de saint Laurent, 1857). Brun devient sociétaire des Artistes Français à partir de 1883.

Bibliographie

– 1820-1920 – Les Petits Maitres De La Peinture, G. Schurr, Les Editions de l’amateur, Paris, 1975, t.V, p.32.

– Dictionnaire des peintres, sculpteurs, dessinateurs et graveurs, Bénézit, éd. Gründ, 1976, vol. II, p.887.

– Hall des sculptures et cimaises du salon de 1861/Photographies par Richebourg, Pierre-Ambroise Richebourg, 1861, vue 17

– Explication des ouvrages de peinture, sculpture, gravure, lithographie et architecture des artistes vivants exposés au palais des Champs-Elysées le 1^er mai 1861, Charles de Mourgues Frères, Imprimeurs des musées impériaux, 1861

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Sculpteur
(1827-1905)

F. Barbedienne

Fondeur
(1810-1892)

« Chanteur florentin »

Signé P. Dubois 1865 et F. Barbedienne Fondeur
Porte le cachet réduction mécanique Collas.

France
Circa 1880

Haut. : 93 cm ; Larg. 39 cm ; Prof. : 27 cm

Sculpture en bronze patiné d’un chanteur florentin, sujet historiciste inspiré à Dubois par son séjour en Italie. Le modèle en plâtre est présenté au Salon de 1865 à Paris, et permet à son auteur d’en obtenir la médaille d’honneur.

Le premier exemplaire tiré en bronze est acquis par la princesse Mathilde. Le modèle entre ensuite au catalogue du bronzier Ferdinand Barbedienne, édité entre 1865 et 1953 avec le procédé de réduction mécanique d’Achille Collas, en six grandeurs, de 39 à 115 cm. 

Biographies

Paul Dubois (1827-1905) entre comme élève à l’Ecole des Beaux-Arts en 1858. C’est en 1865, qu’il expose au Salon le Chanteur Florentin, illustrant la forte influence de la sculpture florentine, suite à son voyage en Italie. Dubois expose de nouveau cette œuvre, cette fois réalisée en bronze argenté, à l’Exposition Universelle de 1867 à Paris (Paris, musée d’Orsay). Son succès grandissant lui amène nombre de commandes privées (Portrait du Duc d’Aumale) et publiques (Jeanne d’Arc, à Reims). Nommé conservateur du musée du Luxembourg en 1873, il devient rapidement membre de l’Institut et finalement directeur de l’Ecole des Beaux-Arts en 1878.

Né en 1810, mort à Paris en 1892, Ferdinand Barbedienne créa et dirigea l’une des plus importantes fonderies d’art du XIXème siècle. En plus de sa propre production, il travailla pour les sculpteurs anciens ou contemporains les plus renommés comme Barrias, Clésinger ou encore Carrier-Belleuse. Les succès rencontrés par la maison Barbedienne dans les Expositions Internationales lui valurent de nombreuses commandes officielles. L’ensemble de la production de F. Barbedienne fut toujours hautement remarqué et sa personne constamment honorée par la critique contemporaine, notamment en le comparant, à l’Exposition Universelle de 1878, à “un prince de l’Industrie et au roi du bronze”. Sa gloire ne tarit pas avec les années, puisqu’à l’Exposition Universelle de 1889, les critiques remercièrent Barbedienne de servir de maître aux autres bronziers, par la qualité exemplaire de ses bronzes.

Bibliographie

P. Kjellberg, Les bronzes du XIX^e siècle. Dictionnaire des sculpteurs, Paris, éd. de l’Amateur, 1989.

F. Rionnet, Les bronzes Barbedienne. L’œuvre d’une dynastie de fondeurs, Paris, Arthena, 2016.

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San Ildefonso, Espagne
(Attribué à)

Magnifique lustre en cristal

Espagne
Circa 1900

Cristal

Haut. : 120 cm ; Diam. : 125 cm

Magnifique lustre en cristal taillé à trois étages soulignés par des couronnes à décor de prismes, perles et mirza. Le niveau inférieur porte dix bras de lumière se terminant par des soucoupes en cristal teinté vert à décor végétal doré. Il est supporté en son centre par un fût à balustre en cristal taillé et orné de coupes en cristal teinté vert, éclairée par des lumières intérieures.

Un lustre de ce modèle est conservé au palais de Liria, à Madrid, résidence des ducs d’Albe.

Commentaire

La Real Fábrica de Cristales de La Granja fut établie en 1727 à San Ildefonso par ordre du roi Bourbon Philippe V d’Espagne, à l’effet notamment de fournir les glaces et miroirs du palais royal de la Granja. La manufacture royale accueillit alors des maîtres verriers français (1746) puis Allemands et de Bohême (1750), les plus qualifiés d’Europe au XVIIIe siècle. A l’instar de la manufacture de porcelaine du Buen Retiro, de la manufacture de tapisserie de Santa Barbara, la manufacture de cristal de La Granja contribua au rayonnement des arts décoratifs espagnols. Suite à la guerre d’indépendance d’Espagne, la manufacture fut fermée en 1808, avant d’être réhabilitée en 1815 sous le règne de Fernando VII. La production continua durant tout le XIXe siècle, gérée par des entrepreneurs privés et fut exportée en Europe et outre-Atlantique. Pour rendre hommage à ce savoir-faire, une fondation et un musée furent créés en 1982.

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Manufacture de Cristal

Exceptionnel Lustre en cristal

France
Circa 1870

Hauteur : 140 cm ; Diamètre : 105 cm

Très important lustre en cristal taillé de Baccarat et bronze doré à trente-cinq lumières. Le fût central est composé de balustres et de coupes en cristal taillé d’exceptionnelle qualité. Agrémenté d’une élégante monture en bronze doré formant les bras de lumière alternant bouquets de six et un seul, tous décorés de lierre grimpant. Par dessous, trente-huit couteaux à pans biseautés forment une étoile, d’où descend une clochette. Richement paré de pendeloques, prismes, myrzas, et diamants en cristal finement taillé.

Biographie

La célèbre cristallerie de Baccarat, dont l’origine remonte au XVIIIème s., remporte sa première médaille d’or, à l’occasion de l’Exposition des Produits de l’Industrie de 1823, où elle est saluée pour « l’éclat et la finesse du cristal » et devient la première cristallerie de France. Baccarat est sans nul doute la seule industrie française qui soit alors constamment et magistralement représentée au cours des différentes expositions auxquelles elle participe, remportant de ce fait les honneurs et prestigieuses récompenses. Un maître-mot revient dans tous les rapports d’Expositions Universelles où la cristallerie Baccarat domine, c’est « la perfection de la matière et de la taille ».

Ce remarquable lustre est à rapprocher d’un autre lustre, chef-d’œuvre de la Maison Baccarat (Collection particulière).

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France
Circa 1880

Haut. : 77 cm ; Long. : 153 cm ; Prof. : 84 cm

Cet important bureau Mazarin en placage d’ébène et marqueterie “Boulle” d’écaille rouge, de cuivre et d’étain ouvre en façade par sept tiroirs et un vantail central. Il repose sur deux caissons latéraux terminés chacun par quatre pieds en console reliés par des entretoises et munis de griffes. Le plateau très richement décoré d’arabesques inspirées des décors de Jean Ier Berain (ornemaniste, « dessinateur de la chambre et du cabinet du roi », 1640-1711) présente en son centre des personnages mythologiques abrités par un dais et entourés de singes. Ils se détachent sur un fond flamboyant d’écaille teintée rouge. La façade et les côtés présentent quant à eux un décor d’arabesques agrémenté d’oiseaux et de mascarons entourant des personnages qui jouent.

oeuvre en relation

Table bureau dit mazarin, Nicolas Sageot (1666-1731), vers 1700-1720, placage d’écaille de tortue et de laiton, bronze doré, conservé au Petit Palais (n° inventaire ODUT1500)

La forme de bureau dite “Mazarin” apparaît à la fin du XVIIe siècle, dans un premier temps avec un placage de bois à motifs floraux (Pierre Gole, c.1620-1685) puis avec un placage d’écaille, de cuivre et parfois d’étain (André-Charles Boulle, 1642-1732), comme en témoigne notre meuble. Leurs nombreux tiroirs et la partie centrale en retrait permettaient un usage confortable de ces meubles. Toutefois, ils étaient aussi considérés comme des meubles d’apparat, comme en témoigne le riche décor toutes faces de marqueterie et la part importante donnée aux arabesques. Au XIXe siècle, la marqueterie “Boulle” était très appréciée des collectionneurs et fut réutilisée par des ébénistes tels que Befort Jeune (1813-1880), Joseph Cremer (1811-1878) ou Monbro Aîné (1807-1884).

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Ebéniste & Bronzier
(1825-1896)

Importante Pendule à l’Enfant Guerrier

Signée et datée Henry Dasson 1877

France
1877

Haut. : 63 cm ; Larg. : 64 cm ; Prof. : 29 cm

Rare pendule à l’enfant guerrier en bronze patiné, doré, et ébène marqueté, composée en partie haute d’un amour appuyé sur le cadran, coiffé d’un casque et tenant un glaive. En partie basse, un joli socle mouluré en ébène est orné d’une marqueterie florale dite « Boulle » de cuivre sur fond d’écaille brune, et décoré d’une tête de satyre au centre. Le tout repose sur quatre pieds à griffes à décor de feuillages en bronze ciselé et doré.

Autre pendule par H. Dasson en marbre et bronze, signée pour la sculpture Bouchardon, 1731.

Biographies

Ebéniste et bronzier, Henry Dasson exécuta de somptueuses copies de meubles royaux du XVIIIème siècle et quelques créations d’inspiration similaire. Ses meubles et objets d’art  étaient ornés des plus beaux bronzes, dorés au mercure. Dasson acheta le fonds d’atelier du célèbre ébéniste parisien Charles Winckelsen, après sa mort en 1871, et produisit principalement dans les styles rocaille et néoclassique. Il participa brillamment aux différentes Expositions Universelles, comme à celle de 1878 à Paris, où il fut particulièrement remarqué par le jury en exposant une copie du célèbre bureau de Louis XV (original conservé au Château de Versailles), et une table de style Louis XVI, réalisée tout en bronze et considérée comme « un chef-d’œuvre de ciselure ». A l’Exposition Universelle de 1889, Dasson obtint un grand prix pour ses meubles jugés admirables. Sa grande notoriété ne subit pratiquement aucune concurrence.

C’est d’abord auprès de son père, sculpteur-architecte, que se forme Edmé Bouchardon avant d’entrer dans l’atelier de Guillaume Coustou. Grâce au Premier Prix de sculpture qu’il remporte en 1722, Edmé Bouchardon part pour Rome en 1723. Il acquière là-bas une réputation qui le précèdera à son retour à Paris où il sera agrée à l’Académie Royale en 1733, lui conférant ainsi le titre de sculpteur du Roi. On retrouve parmi ses réalisations prestigieuses les statues du chœur de l’Eglise Saint-Sulpice, la fontaine de la rue de Grenelle qu’il exécute entre 1739 -1745, puis entre 1740 et 1750, L’Amour se taillant un arc dans la massue d’Hercule, aujourd’hui exposée au Musée du Louvre

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France
Fin XIXe siècle

Très beau salon de style Régence réalisé en noyer. Composé de quatre fauteuils et de deux chaises à entretoise et d’une autre paire de chaises sans entretoise ; ce salon est richement sculpté d’ornements telles les coquilles feuillagées, les petites guirlandes de fleurs et les belles acanthes grimpant sur les accotoirs aux formes mouvementées. Les pieds des sièges également sculptés de feuilles se terminent en enroulements et sabots de biche.

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Italie – Venise
2nde moitié du XIXe siècle

Haut. : 87 cm ; Larg. : 84 x 70 cm

Table de salon en bois doré s’inspirant des motifs décoratifs et architecturaux du Trecento, la pré-Renaissance italienne du XIVe siècle. Avec un magnifique plateau quadrilobé et mouluré orné au centre, dans des cartouches à bordure d’or, d’un décor entièrement peint sous verre de motifs à l’imitation de pierres semi-précieuses tels l’agate, le lapis-lazuli ou la malachite, sur un fond imitant le porphyre. Sur la ceinture du plateau, le piétement et la base très architecturés, d’élégants cartouches s’inspirant des cuirs découpés, accueillent des cabochons en verre peints imitant d’autres pierres.

Cette table Vénitienne de la seconde moitié du XIXe siècle, est une réminiscence du Trecento italien et plus proprement de Venise, où une forte tradition gothique teintée d’originalités locales donnait alors des chefs-d’œuvre. Tous les caractères y sont réunis : tant le goût de l’or, que celui de la lumière à travers le verre et les pierres semi-précieuses.

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Peintre
(1684-1721)
(Dans le goût de)

Paire de tableaux Fêtes Galantes
“l’Amour courtois” et “l’Amour volage”

Ecole Française
Fin XIXe siècle

Dimensions avec cadres : Haut. : 135 cm ; Larg. : 94 cm ; Prof. : 6 cm

Magnifique paire d’importants tableaux formant pendant, ayant pour sujet les “Fêtes galantes” et consacré ainsi à l’art de la séduction. L’un représente “l’Amour courtois”, où des couples élégants se promènent dans un parc, conversant et déclamant leur amour sincère. L’autre peinture met en scène des jeunes femmes et des comédiens courtisant beaucoup moins sagement près d’une fontaine jaillissante, un sujet animé et représentatif de “l’Amour volage”.

Ces œuvres rappellent celles du peintre Antoine Watteau (1684-1721), l’inventeur des “Fêtes galantes”, où l’artiste accordait par ces saynètes juxtaposées une importance considérable aux attitudes et à la position des corps exprimant ainsi les sentiments dans un décor extérieur.

Ces fêtes galantes promptes à aiguillonner le trouble amoureux, traité toutefois avec délicatesse, se perpétuèrent tout au long du XVIIIème siècle, grâces aux suiveurs de Watteau, tels Jean-Baptiste Pater (1695-1736), Nicolas Lancret (1690-1743), François Boucher (1703-1770) et Jean-Honoré Fragonard (1732-1806).

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Porte au dos le numéro 359/576

France
Circa 1880

Terre cuite

Haut. : 115 cm ; Larg. du socle 37 x 30 cm

Importante sculpture en terre cuite patinée, présentant une jeune servante remplissant sa cruche à une fontaine. Celle-ci est ornée en partie basse d’une tête de lion (d’où jaillit l’eau), surmontée d’une colonne cannelée et tronquée, sur laquelle s’enroule une plante dont les fleurs abritent cinq lumières.

Les tirages en terre cuite portent presque toujours un numéro de modèle, et plus rarement le nombre ou le tantième tiré, indiquant l’importance de la production, faite dans le cas présent en tirage limité.
A l’origine, la signature du sculpteur n’apparaissait jamais sur les éditions de terre cuite. Cette revendication des artistes de voir figurer leur nom à côté de celui de l’éditeur n’apparaîtra qu’à la fin du XIXe siècle.

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Fondeur
(1805-1886)
(attribué à)

Paire de torchères “aux Amours”

France
Circa 1870

Bronze patiné et doré

Hauteur totale : 262 cm
Torchères – Hauteur : 180 cm ; Largeur : 75 cm
Base – Hauteur : 82 cm ; Diamètre : 52 cm

Paire de torchères à deux patines représentant deux groupes de deux Amours en bronze patiné, soutenant un grand bouquet d’acanthes en bronze doré formant les onze bras de lumière. L’ensemble repose sur des colonnes cannelées en bois noirci et doré.

Torchères inspirées d’un modèle de la seconde moitié du XVIIIe siècle, exécuté par Jean Louis Prieur (né vers 1725), et faisant partie de la collection Wallace (Inv. F 138 et F 139).
Reproduit et commenté in H. Ottomeyer, Vergoldete Bronzen, T. I, Klinkhardt & Biermann, Munich, 1986, p. 95.

Un autre groupe comparable de chérubins tenant une torchère feuillagée réalisée vers 1870 par Victor Paillard.

Biographie

Victor Paillard (1805-1886) est à compter parmi les plus grands bronziers français de la seconde moitié du XIX^e siècle. Il apprend la ciselure avec Jean-François Denière (1774-1866), puis ouvre dans les années 1830 sa propre entreprise “de bronzes d’art et d’ameublement”, installée n°105, boulevard Beaumarchais à Paris. Il fabrique d’abord des petits objets, puis des statuettes, des candélabres et des pendules, parfois de grandes dimensions. Il apparaît pour la première fois à l’Exposition des Produits de l’Industrie en 1839 et travaille pour les plus grands sculpteurs, tels Pradier, Barye ou Carrier-Belleuse. Le succès ne se fait pas attendre, entre autres grâce aux Expositions Universelles de Londres en 1851 et 1862, et de Paris en 1855, 1867 et 1878, auxquelles il participe. Il y est célébré chaque fois pour la qualité de son travail. En exemple, John Burney Waring reproduit un miroir de Paillard dans son ouvrage de référence “Masterpieces of Industrial Art and Sculpture, 1862 (Plate 92)”, réunissant les plus belles œuvres de l’Exposition Internationale de Londres. Paillard est alors récompensé d’une médaille, et la “qualité exceptionnelle de son travail” est citée dans tous les rapports de jurys. Fait Chevalier de la Légion d’honneur, Paillard qui emploie une centaine d’ouvriers propose à sa clientèle plus de quatre cents modèles en bronze. Il ne se contente pas de réaliser les modèles des autres sculpteurs, mais crée également les siens, comme en témoignent ses figures de jeunes enfants et de chérubins alors très prisés, qui ornent pendules, vases et torchères. Remportant un franc succès aux Expositions Universelles de 1862 et 1867, ces amours symbolisent d’après Burney Waring “le bonheur et l’innocence de l’enfance”.

Muséologie

Nombreux sont les bronzes de Paillard conservés dans les collections privées et publiques, comme au Dahesh Museum of Art de New York, avec Sappho (1851). Mais c’est encore in situ, qu’on peut le mieux apprécier l’œuvre de Victor Paillard : le Quai d’Orsay à Paris (Ministère des Affaires Etrangères), construit vers 1855 présente dans l’Escalier d’honneur, le Salon du Congrès, le Salon de l’Horloge et le Salon des Ambassadeurs, quelques unes de ses plus belles pendules, torchères et autres pièces d’exception.

Bibliographie

Les bronzes du XIXe siècle, P. Kjellberg, Les Ed. de l’amateur, 1989, p° 662.

Masterpieces of Industrial Art and Sculpture, John Burney Waring, 1862, Plate 92.

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Ebéniste et tabletier
(1813-1892)

Remarquable coffret de voyage

Signé Tahan, Fr du Roi, à Paris

France
Circa 1860

Haut. : 25,5 cm ; Larg. : 66 cm ; Prof. : 44 cm

Remarquable coffret de voyage ou « serre-papiers » réalisé en bois noirci, orné d’une fine marqueterie de laiton, d’écaille rouge et de nacre, et de bronzes dorés. Ouvrant sur trois tiroirs et un intérieur entièrement plaqué de bois de satiné, par un abattant monogrammé et un large bandeau pivotant.

Biographie

Jean-Pierre-Alexandre Tahan prit la succession de l’entreprise de son père, qui s’était déjà spécialisé dans la confection de coffrets raffinés, de caves à liqueurs, et de luxueux petits meubles, entrant alors dans la catégorie de la « tabletterie ». Grâce à lui, la Maison Tahan connut un grand succès et devint l’une des plus célèbres firmes parisiennes spécialisées dans la fabrication de meubles et objets d’art. Ils s’installèrent dans le nouveau quartier à la mode sous le Second Empire, proche de l’Opéra, rue de la Paix, puis boulevard des Italiens dans un immeuble encore plus luxueux. Tahan devint lors l’un des fournisseurs attitrés de l’Empereur Napoléon III et l’Impératrice Eugénie. Il exécuta pour les palais impériaux de nombreuses tables, vitrines, coffrets et autres objets décoratifs. En d’autres mots, il était devenu le « spécialiste des œuvres raffinées ». La Maison Tahan participa aux Expositions Universelles, où elle connut un succès constant, jamais démenti, et fut récompensée par de nombreuses médailles. Une médaille d’argent lui fut décernée dès 1849, une seconde à Londres en 1852 et une médaille d’or à l’Exposition Universelle de Paris en 1867.

Bibliographie

Les ébénistes du XIXe siècle, D. Ledoux-Lebard, Ed. de l’amateur, 1984, p.593

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France
Circa 1880

Haut. : 76 cm ; Larg. : 51 cm ; Prof. : 32 cm

Belle table formant écritoire de style Louis XVI réalisée en acajou. Le plateau rectangulaire, entouré sur trois côtés d’une fine galerie en bronze ajouré et doré, surmonte un tiroir dont la façade s’ouvre au moyen d’un habile mécanisme, laissant ainsi place à un élégant écritoire gainé de cuir brun. La table repose sur deux montants à patins, en acajou ajouré et décoré d’entrelacs, réunis par une tablette d’entretoise ornée en son centre d’une corbeille en bronze ajouré et doré.

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Ebéniste et bronzier
(1847-1919)

Importante paire d’urnes et piédestaux

Signé BY au revers des bronzes

France
Circa 1890

Urnes – Haut. : 76 cm ; Larg. : 62 cm
Piédestaux – Haut. : 115 cm ; Base : 53 x 53 cm

Exceptionnelle paire d’urnes couvertes en rare marbre « Brèche africaine » godronné et bronze doré. Décor à motifs de feuilles d’acanthe, crosses, masques de lion et pétrifications. Ils reposent sur de magnifiques piédestaux décorés sur trois faces d’exceptionnelles plaques de « Jaspe de Sicile » à encadrement de feuilles d’eau. Riche décor en bronze doré de masques de lions, crosses, guirlandes, feuilles d’acanthe et couronnes de laurier. Alfred-Emmanuel Beurdeley prit pour ses vases le célèbre modèle en porphyre, monté en bronze doré au XVIIIe siècle et conservé au Musée du Louvre.

Vu la qualité de ciselure des bronzes, de leur dorure au mercure et la rareté des matériaux employés, tels la Brèche africaine et le Jaspe de Sicile, nous pouvons considérer ces pièces comme l’une des plus prestigieuses productions d’A.-E. Beurdeley. Une paire de vases similaire, en porphyre monté en bronze doré, fut réalisée par Alfred-Emmanuel Beurdeley pour le grand hall de la luxueuse villa The Breakers, propriété du milliardaire Cornelius II Vanderbilt à Newport (USA).

Biographie

Alfred-Emmanuel Beurdeley (1847-1919) fut, en 1875, le collaborateur, puis le successeur de son père, Louis-Auguste Beurdeley, l’un des principaux ébénistes du Second Empire, fabriquant essentiellement des meubles de style XVIIIe et désigné comme la « vedette » des expositions et le « préféré des familles royales et impériales ». Si Alfred réalisait le même genre de travaux que son père, il se distingua également non seulement comme un bronzier hors pair mais aussi comme l’un des plus célèbres collectionneurs d’art. Il participa brillamment à l’Exposition Universelle de 1878 où, comparé aux plus célèbres artistes de l’époque, comme Dasson, Grohé, Sauvrezy ou encore Fourdinois, il remporta la médaille d’or. Couronné de gloire, il ouvrit même une succursale à New York. En 1883, suite à sa participation très remarquée à l’Exposition Universelle d’Amsterdam, « Alfred Beurdeley, fabricant de bronzes d’art » était nommé au grade de Chevalier de l’Ordre National de la Légion d’Honneur ; il fut alors porté aux nues tant par le gouvernement que par la critique contemporaine. Sa dernière grande manifestation fut l’Exposition Universelle et Internationale de 1889 où le directeur n’hésitait pas à avancer dans son rapport que « le talent de M. Beurdeley s’impose de lui-même par la seule inspection de ses meubles ».

Bibliographie

L’univers des bronzes, Yves Devaux, Ed. Pygmalion, Paris, 1978, p°261.

« La saga Beurdeley (1814-1919) », Bernard Dorival, B.S.H.A.F., 1989, p°191.

L’ameublement d’art français, 1850-1900, Camille Mestdagh, Les Ed. de l’Amateur, Paris, 2010, p°130.

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Dessinateur
(1821-1888)

F. Barbedienne

Bronzier
(1810-1892)

Exceptionnelle paire de jardinières

Signé F. Barbedienne

France

Haut. : 61 cm ; Larg. : 75 cm ; Prof. : 35 cm

Modèle présenté à l’Exposition Universelle de Paris en 1889
(Reproduit et commenté dans l’ouvrage de Victor Champier « Les Industries d’Art, Exposition Universelle de 1889 »)

Exceptionnelle paire de jardinières réalisées dans un très beau marbre « Griotte » rouge. Chacune, de forme « cratère », somptueusement ornée d’une monture en bronze doré de style Renaissance d’après un dessin de Louis-Constant Sévin, présentant des masques de la Méduse sous des coquilles feuillagées, de larges rinceaux découpés, d’amours accoudés et sur les côtés des mufles de lion formant les anses.

Biographie

Louis-Constant Sévin (1821-1888) apprend le dessin et la sculpture chez Marneuf, sculpteur d’ornements pour les monuments de Paris. En 1839, il s’associe aux sculpteurs Phénix et Joyau, et crée en tant que dessinateur, des objets d’orfèvrerie pour des maisons renommées telles Denière, Froment-Meurice et Morel. Pendant la Révolution de 1848, C. Sévin rejoint Morel à Londres et lui crée des pièces qui sont alors exposées à l’Exposition Universelle de 1851. Revenu en France, C. Sévin participe à l’Exposition Universelle de 1855, pour avoir conçu des modèles de porcelaines pour Jouhanneaud et Dubois de Limoges. C’est à partir de cette date, que Constant Sévin travaille chez le célèbre bronzier Ferdinand Barbedienne qui le nomme chef de ses décorateurs. L’œuvre de C. Sévin est considérable. Parmi ses deux mille dessins répertoriés, il réalise ceux destinés aux bronzes d’ameublement de l’hôtel de La Païva sur les Champs-Elysées. Son talent est alors reconnu et à l’Exposition de Londres en 1862, il reçoit une médaille « pour l’excellence artistique des meubles qu’il a dessinés et qui sont exposés par Barbedienne ». Une médaille d’or en qualité de coopérateur lui est également décernée à l’exposition de l’Union centrale des Arts décoratifs de 1863. F. Barbedienne disait que la postérité se souviendrait des compositions de Constant Sévin. L’objet le plus extraordinaire créé par C. Sévin pour F. Barbedienne, fut une horloge monumentale en bronze doré de style Renaissance, de quatre mètres de haut, qui valut une médaille d’or et la légion d’honneur à son créateur à l’Exposition Universelle de 1878 à Paris. Cet incontestable triomphe perdura à l’Exposition Universelle de 1889.

Né en 1810, mort à Paris en 1892, Ferdinand Barbedienne créa et dirigea l’une des plus importantes fonderies d’art du XIXème siècle. En plus de sa propre production, il travailla pour les sculpteurs les plus renommés comme Clésinger, Carrier-Belleuse ou encore Guillemin. L’ensemble de sa production fut toujours hautement remarquée et sa personne constamment honorée par la critique contemporaine, notamment en le comparant, à l’Exposition Universelle de 1878, à “un prince de l’Industrie et au roi du bronze”. Il y reçut le Grand prix de l’Exposition Universelle et 28 médailles de collaborateurs. Sa gloire ne tarit pas avec les années, puisqu’à l’Exposition Universelle de 1889, les critiques remercièrent Barbedienne de servir de maître aux autres bronziers, par la qualité toujours exemplaire de ses bronzes.

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Manufacture de Cristal
(attribué à)

Paire de vases en cristal

France
Circa 1920

Hauteur : 35,5 cm ; Diamètre : 13 cm

Belle paire de vases de forme balustre en cristal taillé, décoré de motifs d’étoile et pointes de diamant. Serti sur le col d’une bague en argent.

Entre 1764 et 1860, à de rares exceptions, la Cristallerie de BACCARAT ne signe pas ses oeuvres. Les premières étiquettes en papier apparaissent en 1860 et représentent à l’intérieur d’un cercle, une carafe entourée d’un verre à pied et d’un gobelet au-dessus desquels est marqué BACCARAT.  A partir de 1875, la marque « BACCARAT » en lettres bâton et en relief est présente  sur certains modèles soufflés et sur les parties en bronze des montures. C’est à partir de 1936 que la carafe entourée d’un verre à pied et d’un gobelet, avec « BACCARAT » marqué au-dessus, apparaît systématiquement sur l’ensemble de la production.

Biographie

La célèbre cristallerie de Baccarat, dont l’origine remonte au XVIIIème s., remporte sa première médaille d’or, à l’occasion de l’Exposition des Produits de l’Industrie de 1823, où elle est saluée pour « l’éclat et la finesse du cristal » et devient la première cristallerie de France. Baccarat est sans nul doute la seule industrie française qui est alors constamment et magistralement représentée au cours des différentes expositions auxquelles elle participe, remportant de ce fait les honneurs et de prestigieuses récompenses. Un maître-mot, « la perfection de la matière et de la taille », revient dans tous les rapports d’Expositions Universelles entre 1855 et 1867, où la cristallerie Baccarat domine par la qualité de son cristal, jugé supérieur à ceux de Bohême et d’Angleterre.

Bibliographie

Dany Sautot, Baccarat, une histoire, éd. Baccarat, 1993.

L’Art en France sous le Second Empire, Exposition Grand-Palais, Paris, 1979, p. 238-239.

Exposition Universelle de 1867, Rapport adressé à la commission d’encouragement, classe 16 et 17, p.24- 25.

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Fabricant de Porcelaines
(XIXème siècle)
(attribué à)

Paire de vases couverts

France
Circa 1890

Porcelaine, Bronze doré

Hauteur : 45 cm ; Largeur : 21 cm ; Profondeur : 15 cm

Paire de vases couverts de style Louis XVI, de forme balustre en porcelaine à fond vert et points d’or, ornés pour les anses en applique, de double-serpents enroulés blancs et or. Sur les panses, un fin décor polychrome peint dans des médaillons, de scènes mythologiques représentant sur l’un “Diane surprise au bain par Actéon” et sur l’autre “Méléagre présentant à Atalante la hure du sanglier de Calydon”. Belle monture en bronze ciselé et doré pour la prise du couvercle en forme de graine, le bord du col et le piédouche reposant sur sa base.

Biographie

Edmé Samson (1810-1891), peintre décorateur sur céramique établi en 1845 au n°7 rue Vendôme à Paris, achetait ses blancs, autrement dit les porcelaines non décorées, à diverses manufactures parisiennes. Son fils Emile (1837-1913) qui lui succéda, commença à faire des reproductions d’anciennes porcelaines. Présent à l’Exposition des Beaux-Arts appliqués à l’Industrie de 1863, Emile Samson se fit particulièrement remarqué pour ses porcelaines imitant les « Vieux Japon ». Il installa en 1864 une manufacture à Montreuil-sous-Bois, près de Paris et connut un grand succès à l’Exposition Universelle de Paris en 1867 avec ses imitations de Saxe, Chine et Japon, jugées toutes de très belle qualité. A l’Exposition Universelle de 1889, Samson & Cie était réputée pour être spécialisée dans les pièces de grandes dimensions tant en faïence qu’en porcelaine, dont les modèles provenaient des plus grands musées français et étrangers, comme le Musée du Louvre ou le Victoria & Albert Museum de Londres. Emile s’associa en 1891 avec son fils Léon (1868-1928), sous la raison sociale de Samson & Fils, qui donna une grande extension à la manufacture, employant un grand nombre d’ouvriers et de décorateurs. Outre la fabrication et décoration de ces porcelaines, la manufacture Samson disposait également d’un atelier de bronzes pour leurs superbes montures.

Bibliographie

F. Slitine, Samson, génie de l’imitation, Massin, Paris, 2002.

Faënce et porcelaine de Paris, XVIIIe-XIXe siècles, Régine de Plinval de Guillebon, Editions Faton, Paris, 1995, p° 406.

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Fabricant de Porcelaines
(XIXème siècle)
(attribué à)

Importante paire de potiches

Marque AR entrelacés (Manufacture Samson)

France
Circa 1890

Haut. : 59 cm ; Diam. : 35 cm

Paire de grandes potiches couvertes dans le goût de la Chine, de forme balustre en porcelaine blanche, à décor polychrome de scènes galantes XVIIIème s. et de guirlandes de fleurs. L’ornementation du col s’inspire du célèbre « caillouttis or » inventé à la Manufacture de Sèvres. Prise du couvercle en forme de bouton doré.

Biographie

Edmé Samson (1810-1891), peintre décorateur sur céramique établi en 1845 au n°7 rue Vendôme à Paris, achetait ses blancs, autrement dit les porcelaines non décorées, à diverses manufactures parisiennes. Son fils Emile (1837-1913) qui lui succéda, commença à faire des reproductions d’anciennes porcelaines. Présent à l’Exposition des Beaux-Arts appliqués à l’Industrie de 1863, Emile Samson se fit particulièrement remarqué pour ses porcelaines imitant les « Vieux Japon ». Il installa en 1864 une manufacture à Montreuil-sous-Bois, près de Paris et connut un grand succès à l’Exposition Universelle de Paris en 1867 avec ses imitations de Saxe, Chine et Japon, jugées toutes de très belle qualité. A l’Exposition Universelle de 1889, Samson & Cie était réputée pour être spécialisée dans les pièces de grandes dimensions tant en faïence qu’en porcelaine, dont les modèles provenaient des plus grands musées français et étrangers, comme le Musée du Louvre ou le Victoria & Albert Museum de Londres. Emile s’associa en 1891 avec son fils Léon (1868-1928), sous la raison sociale de Samson & Fils, qui donna une grande extension à la manufacture, employant un grand nombre d’ouvriers et de décorateurs. Outre la fabrication et décoration de ces porcelaines, la manufacture Samson disposait également d’un atelier de bronzes pour leurs superbes montures.

Bibliographie

F. Slitine, Samson, génie de l’imitation, Massin, Paris, 2002.

Faënce et porcelaine de Paris, XVIIIe-XIXe siècles, Régine de Plinval de Guillebon, Editions Faton, Paris, 1995, p° 406.

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Orfèvres
(XIXe siècle)

Jardinière

Signé Cardeilhac, Paris

France
Circa 1860

Haut. : 10 cm ; Larg. : 38,5 cm ; Prof. : 25,5 cm

Jardinière composée d’une coupe ovale en cristal gravé, décoré sur la ceinture de vagues feuillagées et d’une étoile rayonnante au fond. Elle s’enchâsse dans un socle en métal argenté orné de motifs « Rocaille » agencés de manière asymétrique et constitués de rinceaux, de volutes feuillagées et de palmettes sur un fond amati. L’ensemble repose sur quatre pieds formés d’enroulements.

Biographie

Antoine-Vital Cardeilhac fonde en 1804 son entreprise d’orfèvrerie et se spécialise dans la coutellerie et la vaisselle plate. Au fil du XIXe siècle, la société se transmet de père en fils, avec Armand-Edouard puis Ernest, et continue de produire avec succès des pièces fortement inspirées pour la plupart des modèles de ferronnerie, aux riches ornements finement confectionnés. Ces œuvres aux formes et styles variés sont toutes jugées remarquables par leur ciselure. La maison Cardeilhac se fait alors inévitablement remarquée aux expositions nationales et internationales pour la grande qualité des pièces offertes au public et reçoit de nombreuses récompenses, telle la médaille de bronze remportée en 1823, d’argent en 1827 et 1834 ainsi qu’à la célèbre Exposition Universelle de Paris en 1867. Enfin une médaille d’or vient les consacrer à l’Exposition Universelle de 1878, donnant ainsi à la maison Cardeilhac un essor sans précédent. Après plus d’un siècle de succès confirmé aux grandes expositions universelles, la célèbre maison d’orfèvrerie Christofle finit par reprendre Cardeilhac en 1951.

Muséologie

De nombreuses pièces sont actuellement conservées au Musée des Arts décoratifs à Paris, ainsi qu’au Musée Christofle.

Bibliographie

Rapport du Jury international, Exposition Universelle de 1878.

Rapport du Jury international, Exposition Universelle de 1889, Groupe III, Classe 23 (coutellerie) et 24 (orfèvrerie), p° 413.

Catalogue sommaire illustré des Arts décoratifs, Musée d’Orsay, Paris, 1988, p° 229

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Ornemaniste
(1821-1888)

F. Barbedienne

Bronzier
(1810-1892)

Paire de porte-fleurs de style Louis XVI

Signé F. Barbedienne

France
Circa 1880

Haut. : 18 cm ; Diam. : 21 cm

Ravissante paire de porte-fleurs de style Louis XVI, chacun se composant d’un vase sur son plateau, réalisé en bronze ajouré et doré, orné de quatre médaillons où alternent des amours et des trophées d’instruments de musiques, de fruits et de colombes. Une guirlande de fruits et de rinceaux complète l’ensemble. Les vase sont doublés d’un gobelet en cristal, rouge pour l’un et bleu pour l’autre.

Ce porte fleurs est une création de Constant Sévin, renommé pour ses « compositions exquises », réalisé pour la maison Barbedienne. Il témoigne du courant néo Louis XVI que connaît la France dans la seconde moitié du XIXe siècle avec notamment l’engouement de l’impératrice Eugénie pour la figure de Marie-Antoinette. Notre modèle connaît une autre version avec deux anses reproduite ici dans la Revue des Arts décoratifs de 1888.

Biographie

Louis-Constant Sévin (1821-1888) crée dès 1839 en tant que dessinateur, des objets d’orfèvrerie pour des maisons renommées telles Denière, Froment-Meurice et Morel. Pendant la Révolution de 1848, C. Sévin rejoint Morel à Londres et lui crée des pièces qui sont alors exposées à l’Exposition Universelle de 1851. Revenu en France, Constant Sévin travaille en 1855 pour le célèbre bronzier Ferdinand Barbedienne qui le nomme chef de ses décorateurs. L’œuvre de C. Sévin est considérable. Parmi ses deux mille dessins répertoriés, il réalise ceux destinés aux bronzes d’ameublement de l’hôtel de La Païva sur les Champs-Elysées. Son talent est alors reconnu et à l’Exposition de Londres en 1862, il reçoit une médaille « pour l’excellence artistique des meubles qu’il a dessinés et qui sont exposés par Barbedienne ». Une médaille d’or en qualité de coopérateur lui est également décernée à l’exposition de l’Union centrale des Arts décoratifs de 1863. F. Barbedienne disait que la postérité se souviendrait des compositions de Constant Sévin. L’objet le plus extraordinaire créé par C. Sévin pour F. Barbedienne, fut une horloge monumentale en bronze doré de style Renaissance, de quatre mètres de haut, qui valut une médaille d’or et la légion d’honneur à son créateur à l’Exposition Universelle de 1878 à Paris. Cet incontestable triomphe perdura à l’Exposition Universelle de 1889.

Né en 1810, mort à Paris en 1892, Ferdinand Barbedienne créa et dirigea l’une des plus importantes fonderies d’art du XIXème siècle. En plus de sa propre production, il travailla pour les sculpteurs les plus renommés comme Clésinger, Carrier-Belleuse ou encore Guillemin. L’ensemble de sa production fut toujours hautement remarquée et sa personne constamment honorée par la critique contemporaine, notamment en le comparant, à l’Exposition Universelle de 1878, à “un prince de l’Industrie et au roi du bronze”. Il y reçut le Grand prix de l’Exposition Universelle et 28 médailles de collaborateurs. Sa gloire ne tarit pas avec les années, puisqu’à l’Exposition Universelle de 1889, les critiques remercièrent Barbedienne de servir de maître aux autres bronziers, par la qualité toujours exemplaire de ses bronzes.

Bibliographie

« Les artistes de l’industrie, Constant Sévin », dans la Revue des arts décoratifs, Victor Champier, décembre 1888, février 1889, p.163.

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Ebéniste et bronzier
(1855-1946)
(attribué à)

Thermomètre et calendrier perpétuel

France
Circa 1880

Hauteur : 90 cm ; Largeur : 25 cm

Paire de thermomètre à alcool et baromètre de style Louis XVI à rapprocher de ceux réalisés par François Linke et répertoriés sous le n°1830 dans ses archives personnelles.

Elégant ensemble de style Louis XVI comprenant un thermomètre et un calendrier perpétuel. Constitué chacun d’une âme de tôle, peinte de motifs floraux sur fond beige clair : pour le calendrier, des ouvertures laissant voir l’année, le mois et le jour en noir sur fond de parchemin, et pour le thermomètre à alcool, des graduations indiquant différents états naturels, comme la « Glace » à 0° Celsius, ou la température convenant aux « Vers à Soye » à 23° C. Cadres moulurés en bois doré décorés de volutes, acanthes et feuilles de chêne.

Biographie

François Linke, né en Bohême (Tchécoslovaquie) en 1855, débuta comme ébéniste vers 1882 et exerça à Paris jusqu’à sa mort, en 1946, au faubourg Saint-Antoine. Vers 1900, à l’apogée de sa carrière, il adjoignit même une succursale, place Vendôme. Il s’était spécialisé dans la fabrication de meubles de style Louis XV et Louis XVI, ambitieux tant par leurs dimensions que par leur somptueuse ornementation de bronzes, ce qui lui valut de nombreuses commandes dès la fin du XIXème s. Désirant aller au-delà des copies de style XVIIIème, Linke collabora avec le déjà célèbre sculpteur Léon Messagé et intégra les lignes sinueuses annonçant l’Art Nouveau, développant ainsi un style très personnel. L’un de ses grands succès fut remporté à l’Exposition Universelle de 1900, où le jury lui décerna la médaille d’or pour son bureau, dessiné par Messagé, en bois de violette, monté de bronzes d’esprit Louis XV. La « Revue artistique et industrielle » glorifia Linke en écrivant que son stand à l’Exposition était la plus grande démonstration jamais réalisée dans l’histoire du mobilier d’art.

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France
Circa 1860

Haut. : 225 cm ; Larg. : 135 cm ; Prof. : 10 cm

Important miroir d’apparat en bois sculpté et doré. Belle ornementation de guirlandes de fleurs s’enroulant autour du cadre mouluré sculpté de fines acanthes. Une grande coquille feuillagée orne le sommet de la glace.

Les miroirs fixes, appliqués aux murs, se développent beaucoup au XVIe siècle, mais les glaces restent de petite dimension et l’encadrement est très présent. Souvent, un volet se rabat sur le miroir pour le protéger et fournit encore un champ à l’ornementation. Au XVIIe siècle, le monopole de la fabrication des glaces pour miroirs revient à Venise, jusqu’à la création par Colbert, vers 1666, de la manufacture royale des Glaces. En 1688, Lucas de Néhout invente le système du coulage des glaces, qui permet l’obtention de miroirs de plus grandes dimensions. Ces miroirs, pouvant couvrir un trumeau entier, deviennent de véritables éléments d’apparat, au sein des appartements. Ils participent, en réfléchissant la lumière venant des bras de lumières et des lustres, à éclairer et à rendre plus éblouissant le décor de la pièce où ils prennent place.

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Italie
Circa 1880

Haut. : 200 cm ; Larg. : 120 cm

Important miroir d’apparat en bois et stuc doré. Glace biseautée en forme de cœur. Riche décor de marqueterie de bois précieux et de nacre dans les écoinçons. Motifs de feuilles d’acanthe, d’agrafes, de coquilles, de panier fleuri et finissant par deux Amours juchés, tenant des guirlandes de fleurs.

Les miroirs fixes, appliqués aux murs, se développent beaucoup au XVIe siècle, mais les glaces restent de petite dimension et l’encadrement est très présent. Souvent, un volet se rabat sur le miroir pour le protéger et fournit encore un champ à l’ornementation. Au XVIIe siècle, le monopole de la fabrication des glaces pour miroirs revient à Venise, jusqu’à la création par Colbert, vers 1666, de la manufacture royale des Glaces. En 1688, Lucas de Néhout invente le système du coulage des glaces, qui permet l’obtention de miroirs de plus grandes dimensions. Ces miroirs, pouvant couvrir un trumeau entier, deviennent de véritables éléments d’apparat, au sein des appartements. Ils participent, en réfléchissant la lumière venant des bras de lumières et des lustres, à éclairer et à rendre plus éblouissant le décor de la pièce où ils prennent place.

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Créateur & Marchand-éditeur
(XIXème s.)
(attribué à)

Fontaine à parfum

Bronze doré, France (circa 1880) – Porcelaine de Chine (XVIIIe siècle)

Haut. : 61 cm ; Larg. : 30 cm ; Prof. : 25 cm

Rare fontaine à parfum murale en porcelaine de Chine Famille rose XVIIIème siècle, à motifs de feuilles et fleurs lacustres. L’ensemble de la porcelaine est serti d’une belle monture en bronze ciselé et doré à motif de rocs, joncs et jeux d’eau, prolongé par un petit bassin orné de perles.

Succédant aux décors « bleu et blanc », les décors de la famille rose ont été développés et exportés vers l’Europe par les céramistes chinois sous le règne de l’Empereur Yongzheng (1723-1735). Le décor de ces porcelaines était apprécié pour sa parfaite utilisation de l’espace, les dessins vigoureux et l’absence de surcharge décorative.

Biographie

L’Escalier de Cristal, ancienne et célèbre maison parisienne, spécialisée dans la céramique et la verrerie, mais proposant également du mobilier, des bronzes d’art et d’ameublement, avait été reprise à partir de 1885 – jusqu’en 1923 – par les fils d’Emile Pannier qui constituèrent Pannier Frères, à l’angle des rues Scribe et Auber, à côté du nouvel Opéra. Leurs créations d’inspiration extrême-orientale étaient entre autres grandement appréciées du public et de la critique. La maison remporta de multiples récompenses et médailles aux différentes expositions, dont la médaille d’or à l’Exposition Universelle de Paris en 1900. Dans le domaine du mobilier influencé par l’Extrême-Orient, Majorelle de Nancy, Edouard Lièvre ou Gabriel Viardot collaborèrent également au succès des Frères Pannier. Certaines de leurs œuvres sont visibles dans les plus grands musées, tels que celui de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg, le Musée d’Orsay ou le Corning Museum of Glass de New York. La maison étant parfois propriétaire exclusive des modèles, ces meubles et objets décoratifs n’étaient souvent signés que par l’Escalier de Cristal , quelquefois à côté de la signature de l’artiste. Elle avait aussi un véritable rôle créateur en personnalisant ces œuvres par de superbes bronzes dorés, des plaques en émail cloisonné, des plaques de verre à décor japonisant ou incluant également des éléments japonais authentiques.

Bibliographie

Catalogue de l’Exposition Universelle, les Beaux-Arts et les Arts décoratifs, t. I : l’Art moderne, Paris, 1878.

Catalogue de l’Exposition Universelle, les Beaux-Arts et les Arts décoratifs, Paris, 1889.

Les créations de l’Escalier de Cristal, Philippe Thiébaut, Revue de l’Art, 1989, n° 85.

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Peintre
(Fin XIXe s.)

“Les trois sœurs”

Inscrit Cecilia Josuan, Colegio de N. S. del Huerto, Buenos Aires, 1896

Ecole Argentine

Haut. : 167 cm ; Larg. : 121 cm

Rare tableau « fixé sous verre » utilisant une technique mixte de chromolithographie pour le traitement des visages et des mains, et de broderie de fils de soie pour les vêtements et le drapé en arrière-plan.

La chromolithographie est une technique de reproduction d’images par impression de dessins gravés en couleurs sur de la pierre calcaire.

Commentaire

Au début du XIXe siècle, la peinture en Amérique Latine, et particulièrement en Argentine, est le fait d’étrangers (français, allemands et anglais) nommés Costumbristas qui peignent des vues et des portraits à caractère folklorique, très appréciés en Europe. Ce n’est qu’à partir de la seconde moitié du siècle, qui voit une plus grande indépendance, une plus grande stabilité, qu’une peinture nationale émerge véritablement avec des peintres internationalement reconnus, comme Prilidiano Pueyrredon, Angel de La Valle ou Eduardo Sivori. Ce dernier, élève chez Jean-Paul Laurens à partir de 1882, est le premier peintre argentin présent au Salon à Paris. Très influencés par les styles et courants européens, ces artistes tentent tout de même, par les thèmes choisis notamment, de constituer une tradition proprement argentine.

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Peintre
(1853-1892)

“Loge d’artistes – Fête de Saint-Cloud”

Signé et daté F. Blayn, 1892

Ecole Française

Huile sur toile

Dimensions avec cadre : Haut. : 117 cm ; Larg. : 138 cm

Tableau exposé sous le n°127 au Salon des Artistes français de 1892

Tableau reproduit p.157 du Catalogue Illustré des ouvrages de peinture, sculpture et gravure exposés au Champs-de-Mars le 7 mai 1892

Scène de genre représentant une mère préparant devant sa roulotte ses deux jeunes filles pour le spectacle de cirque de la fête de Saint-Cloud.

Tout au long des XVIIIe et XIXe siècles, à l’occasion du pèlerinage de saint Cloud, de somptueuses fêtes étaient données dans le parc de Saint-Cloud. Chaque mois de septembre, l’une des plus anciennes fêtes foraines de France rassemblait Parisiens, marchands, forains et comédiens.

Biographie

Fernand Blayn (1853-1892) élève d’Alexandre Cabanel (1823-1889) était spécialisé dans les portraits et tableaux de genre, représentant des scènes de la vie quotidienne. F. Blayn exposa au Salon des Artistes français à partir de 1878. Il obtint une médaille de troisième classe au Salon de 1886 et une médaille de bronze Salon de 1889 pour Le Repas du Soir. Dédiée au cirque, la composition de cette toile, peinte l’année même du décès de l’artiste, d’une exécution impeccable, se distingue par des tonalités fines et délicates. L’expression des modèles, comme le soin apporté à la qualité et à la texture des étoffes révèlent le métier brillant de l’artiste.

Museologie

– Mairie de Segré en Anjou, Salle des mariages : Le Repas du Soir (1889)

– Musée de Picardie, Amiens : Le Retour des Pêcheurs

Bibliographie

Dictionnaire des peintres, sculpteurs, dessinateurs et graveurs, Bénézit, éd. Gründ, 1976, t.II, p.77.

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Peintre
(1798-1850)
(attribué à)

“Retour de foire”

Ecole Française

2ème quart du XIXème s.

Huile sur toile

Dimensions avec encadrement : Haut. : 40,5 cm ; Larg. : 49 cm

Biographie

Né en 1798 à Mirecourt (Meurthe-et-Moselle), mort en 1850 à Paris, Jean-François-Louis Demay fut un peintre spécialisé dans les scènes de genre et les paysages. Artiste autodidacte, Demay participa au Salon de Paris de 1827 à 1846. Il traitait alors avec vivacité les scènes de marchés, foires, kermesses, de la vie paysanne ou tout du moins champêtre à l’époque de la Restauration (1815-1830).

Museologie

Les œuvres de Jean-François Demay sont de nos jours aussi bien conservées dans les collections privées que présentées dans les musées de grande renommée, tel au Musée Magnin à Dijon avec une huile sur panneau « La dernière étape » (Inv. 1938 F 266), ou au Musée des Beaux-Arts de Bordeaux, avec un tableau peint sur toile « Paysage », daté de 1829 (Inv. Bx E 714 ; Bx M 6553).

Bibliographie

Les petits Maîtres de la peinture 1820-1920, Les Editions de l’Amateur, Paris, 1981, t.V.

Dictionnaire des peintres, sculpteurs, dessinateurs et graveurs, E. Bénézit, Editions Gründ, Paris, 1999, t. IV, p. 433.

J. Magnin, Un Cabinet d’un amateur parisien en 1922 – Peintures et dessins de l’école française, II, Paris, 1922 (n° 516).

Les Peintures françaises, catalogue sommaire illustré, Dijon musée Magnin, Paris 2000 (n° 143, p. 73 repr.).

Dictionnaire des peintres paysagistes français au XIXème siècle, Harambourg L., Neuchâtel, 1985, (p. 115; repr.).

Catalogue, Manciet C., Musée de Peinture et de Sculpture de Bordeaux, 1933, (p. 67, n° 238).

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France
Circa 1870

Hauteur : 99 cm ; Largeur : 66 cm ; Profondeur : 67 cm

Très belle paire de fauteuils en acajou sculpté de style Directoire, aux montant d’accotoirs sculptés de sphinges. Le pourtour du dossier et la ceinture du siège sont délicatement sculptés de perles, maillons et rosaces. Reposant sur des pieds fuselés et bagués à cannelures.

Oeuvre en relation

Ces fauteuils sont proches du modèle exécuté vers 1790 par l’ébéniste et menuisier en siège Georges Jacob (1739-1814), aujourd’hui conservé au Musée des Arts décoratifs à Paris (Inv. Mob Nat Gme 1552).

Biographie

Après être reçu maître en 1765, Georges Jacob (1739-1814) travaille de 1773 à la Révolution pour le Garde-Meuble de la Couronne. Sa clientèle est des plus brillantes avec Louis XVI et la reine Marie-Antoinette, la famille royale, en particulier le comte de Provence, futur Louis XVIII, le comte d’Artois, futur Charles X, le prince de Condé, le duc de Penthièvre et les cours étrangères. En 1785, il crée les premières chaises en acajou, dites « à l’anglaise », pour le comte de Provence. Il lance le style étrusque en livrant en 1788 le mobilier « à l’étrusque » en acajou sculpté pour la laiterie du château de Rambouillet. Il participe également à l’ameublement du Petit Trianon à Versailles. Georges Jacob passera la période révolutionnaire sans être inquiété grâce au peintre David. Il prend sa retraite en 1796, laissant son atelier à ses fils, Georges fils et François-Honoré, qui créent l’entreprise Jacob Frères Rue Meslée, fabriquant des meubles et sièges de style Directoire et Consulat. Devant leur succès, Georges interrompt sa retraite pour aider son fils à fournir les meubles des résidences impériales de Napoléon Ier. François-Honoré prendra le nom de Desmalter à la mort de son père, en souvenir de la propriété familiale en Bourgogne.

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Sculpteur-Dessinateur
(1810-1870)

G. Grohé

Ebéniste
(1808-1885)

Exceptionnelle console

Signé Grohé à Paris

France

Haut. : 103 cm ; Long. : 150 cm ; Prof. : 50 cm

Médaille d’Or à l’Exposition des Produits de l’Industrie de 1844
(Reproduite in Musée des Familles, Lectures du Soir, t. XI, juillet 1844, p° 317)

Rare console Napoléon III en ébène et bronze doré. Ceinture à filets de cuivre, ornée de rosaces en feuilles et glands de chêne, surmontée d’un large bandeau à motifs de lambrequins, volutes et coquilles. Cartouche central en forme de cœur agrémenté de rocailles et de roses. Surmonté d’un plateau en marbre griotte rouge. Jambages richement ornementé de bronze, représentant deux jeunes tritons ailés en atlantes, à motif de balustre, chutes de fleurs, feuillages, guirlandes et masques feuillus. Noix centrale ornée de rubans, masques féminins et bouquets naturalistes. Base ornée d’un tore à motif alternant oves, feuilles d’acanthe et fleurettes. Miroir de fond reflétant l’ensemble du décor. Reposant sur des pieds boule.

Biographie

Michel Liénard (1810-1870), à qui l’on attribue le dessin des bronzes de cette magnifique console, collabora de manière régulière avec Guillaume Grohé, de 1839 à 1855 environ. De nombreux dessins conservés à la Bibliothèque nationale, ainsi qu’à la Bibliothèque des Arts Décoratifs à Paris, nous permettent de rapprocher cette console des autres productions de Grohé en association avec Liénard (Deuxième Album Liénard, dessin CD 4132-126, et Collection Maciet, vol. 344,6, Bibliothèque des Arts Décoratifs, Paris). Parmi ses commanditaires, on compte l’orfèvre François-Désiré Froment-Meurice (1802-1855) et le facteur d’orgues Aristide Cavaillé-Coll (1811-1899). Ce dessinateur et sculpteur de grand talent fut décoré de la Légion d’honneur en 1851.

Guillaume Grohé (1808-1885) né dans le Grand-Duché de Hesse-Darmstadt vint vers 1827 s’établir à Paris. Avec son frère Jean-Michel, il dirigea à Paris au 30 rue de Varennes la maison « Grohé Frères », proposant du mobilier et des objets d’art et présenta avec succès des œuvres à l’Exposition des Produits de l’Industrie en 1834 qui lui valurent une mention honorable. Sa réussite fut autant rapide que considérable. Il remporta une médaille d’argent en 1839 et une médaille d’or à l’Exposition des Produits de l’Industrie de 1844. Il obtint la Légion d’honneur en 1849, et fut ensuite promu au rang d’officier. En 1861, son frère se retira des affaires, laissant Guillaume seul à la tête de l’entreprise. N’ayant pas de successeur, l’entreprise cessa son activité en 1884. Devenu en quelques années l’un des principaux ébénistes de son époque, Guillaume Grohé fut naturellement nommé Fournisseur des maisons royales et impériales : pour le roi Louis XVIII (Console de style Louis XIV, Exposition Nationale de 1844 ; Meuble en ébène de style Renaissance, 1844), pour le roi Louis-Philippe (Commode-secrétaire en palissandre, 1839, conservée au musée du Louvre), pour l’empereur Napoléon III (Salle à manger en acajou au palais de Saint-Cloud, 1855 ; nombreux meubles en acajou au palais de Compiègne et au palais de Fontainebleau, 1859), et après 1862, pour la reine Victoria. Spécialisé dans la fabrication du meuble de style, le duc d’Aumale lui confia l’ameublement du château de Chantilly, et Mme Pelouze, celui du château de Chenonceaux. Grohé participa brillamment et fut à plusieurs reprises membre du jury aux Expositions Universelles. D’après le rapport du jury de l’Exposition Universelle de Paris en 1878, Grohé y est décrit comme étant « le maître incontesté de l’ébénisterie moderne, on a épuisé à son égard toutes les formes de l’éloge, comme il a épuisé toutes les séries de récompenses ». Maxime Boucheron cite enfin dans un article du Figaro en 1884 que « Grohé fut un véritable grand maître de l’ébénisterie artistique du XIXe siècle. Une carrière de plus de cinquante années a rempli nos musées, nos palais nationaux de chefs-d’œuvre incomparables. Il a assuré la prépondérance du goût français dans l’ameublement de luxe ».

Œuvres en relation

Cette console, caractéristique du Second Empire, est à rapprocher d’une grande armoire-bahut en palissandre et ébène, exécutée par G. Grohé pour le salon des Guise à Chantilly (Musée Condé, Chantilly).

Bibliographie

Musée des Familles, Lectures du Soir, t. XI, juillet 1844, p° 317

Collection Maciet, vol. 344,6, Bibliothèque des Arts Décoratifs, Paris.

Deuxième Album Liénard, dessin CD 4132-126, Bibliothèque des Arts Décoratifs, Paris.

L’Ameublement moderne par MM. Prignot,Liénard, Coignet et plusieurs autres artistes spéciaux, 2 vol.,Charles Claesen, Paris, 1876.

P. Liénard, A. Doussamy, Portefeuille de Liénard : motifs inédits applicables aux arts industriels et somptuaires choisis et mis en ordre par MM. Liénard et Doussamy, sculpteurs, Charles Cklaesen, Paris, s.d.

Les ornemanistes du XIXe siècle. Compositions d’ornements par Feuchère, Liénard, etc., Ducher et Cie, Paris, s.d.

M. Liénard, Specimens de la Décoration et de l’Ornementation au XIXe siècle, 3 vol., Charles Claesen, Liège, 1866.

D. Alcouffe et alii, « Un âge d’or des Arts Décoratifs », Grand-Palais, Paris, 1991.

B. Liénard, Motifs ornementaux : motifs et décors du XIXe siècle, Auxerre, H. Vial, 2003.

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Bronzier
(Actif dès 1840)

Table de présentation

Signé Matifat, Paris, 1851

France

Haut. : 80 cm ; Larg. : 85 cm ; Prof. : 67 cm

Chef-d’œuvre présenté à l’Exposition Universelle de 1851 au Crystal Palace de Londres.
(Reproduite et commentée dans “Exhibition of the Works of Industry of All Nations 1851”, Reports by the juries, Vol.III, p°1106)

Exceptionnelle table entièrement réalisée en bronze ciselé et doré ; au plateau rectangulaire en porphyre, encadré d’une moulure à motifs de feuilles d’acanthe et de perles. Soutenue sur quatre pieds à têtes de griffons, aux ailes formées de feuilles d’acanthes, et reposant sur quatre pieds griffes.

Biographie

Élève de l’orfèvre Antoine Vechte, Charles Stanislas Matifat succède à son père vers 1840 à la tête de l’entreprise familiale fondée en 1820, dont les ateliers sont situés n°9 rue de la Perle à Paris. Charles Matifat expose pour la première fois en son nom propre à l’Exposition des Produits de l’Industrie de 1849, où le jury lui décerne une médaille d’argent. A l’Exposition Universelle de 1851, prenant place dans l’étonnant Crystal Palace de Londres, Charles Matifat (n°923 de la section française) y présente entre autres, cette table réalisée entièrement en bronze doré et un grand lustre de style Louis XIV commandé par le roi de Hollande, Guillaume III, pour son palais de La Haye. Son stand largement commenté par la critique lui vaut une médaille de deuxième Classe. En 1853, Matifat, qui possède déjà un établissement à Londres, participe à l’Exposition des Arts industriels de Dublin. Il travaille beaucoup pour la noblesse anglaise, tel Lord Londesborough qui lui commande des candélabres en bronze. A l’Exposition Universelle de Londres en 1862, Matifat présente un lustre exécuté pour la duchesse de Sutherland. A côté de sa production d’objets d’art, Charles Matifat réalise également des œuvres monumentales en bronze d’après les modèles de grands sculpteurs français. Il exécute en 1860 la statue du marquis Dupleix, sculptée par Théodore Gruyère, puis en 1873 la statue du général Daumesnil, sculptée par Louis Rochet. La même année, il réalise deux fontes importantes : L’Enfant des Abruzzes, d’après le plâtre envoyé de Rome par André-Joseph Allar et la fontaine des Quatre Parties du Monde créée par Jean-Baptiste Carpeaux et Emmanuel Frémiet, dans les jardins de l’Observatoire à Paris. Au cours de cette période, Charles Matifat réalise plusieurs lampadaires du Grand Escalier du nouvel Opéra récemment construit par Charles Garnier.

Bibliographie

Cristal Palace, Album de l’Exposition, 1851, p. 265.

The Art Journal illustrated Catalogue, The Industry of all Nations, London, 1851, p. 48-50 & 324.

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Ebéniste
(1839-1920)
(attribué à)

Elégante table

France
Circa 1880

Haut : 70 cm ; Larg. : 76 cm ; Prof. : 47 cm

Elégante table rectangulaire de style Louis XV, ouvrant à un tiroir, exécutée en bois de satiné, bois de rose et bois de violette. Reposant sur quatre pieds cambrés ornés de chutes et de sabots en bronze ciselé et doré. Plateau et ceinture aux formes mouvementées, décorés d’une élégante marqueterie en « bois de bout » à motifs de fleurs stylisées et de palmettes sur fond de croisillons, caractéristique du travail de G. Durand (in D. Ledoux-Lebard. Les ébénistes du XIXe siècle, Paris, 1984, p°183).

Biographie

Gervais Durand (1839-1920) participa à l’Exposition Universelle de 1889, où il obtint une médaille d’argent. D’après le rapport de l’Exposition d’A. Picard, « Mr Durand, ébéniste, aussi habile que modeste, expose pour la première fois des meubles de premier ordre, dont il est à la fois le dessinateur et l’exécutant ; il marche sur la voie tracée par les maîtres tels que Beurdeley et Dasson ». Durand produisit presque exclusivement des répliques de meubles du XVIIIème siècle, parmi lesquels, ceux réalisés par le plus célèbre ébéniste parisien, fournisseur de la famille royale : B.V.R.B. Ses œuvres révèlent en tous points la grande harmonie entre les formes, la marqueterie et les bronzes.

Oeuvre en relation

Tables de modèle similaire exécutées vers 1745 par B.V.R.B. connues et exposées : Musée du Louvre, Musée des Arts Décoratifs (Paris) ; Victoria & Albert Museum (Londres) ; Metropolitan Museum of Art (New York)

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Ebéniste et bronzier
(1847-1919)
(attribué à)

Rare table de milieu

France
Circa 1880

Haut. : 75 cm ; Larg. : 95 cm ; Prof. : 55 cm

Exécutée exclusivement en buis richement sculpté, orné d’une ceinture finement décorée, en ajours, de branches de lauriers. Reposant sur quatre pieds, joints par une entretoise, ornée en son milieu d’un vase également en buis sculpté. Dessus en marbre rouge Griotte s’enchâssant dans le plateau.

Beurdeley affectionnait le buis pour sa dureté, offrant ainsi une sculpture de haute qualité, comme en témoigne une autre table présentée par cet « ébéniste-sculpteur » à l’Exposition Universelle de Paris en 1878 (in « Beaux-Arts et Arts décoratifs à l’Exposition Universelle de 1878 », p.395).

Biographie

Alfred-Emmanuel Beurdeley (1847-1919), fut en 1875, le collaborateur, puis le successeur de son père, Louis-Auguste Beurdeley, l’un des principaux ébénistes du Second Empire, fabriquant essentiellement des meubles de style XVIIIe et désigné comme la “vedette” des expositions et le “préféré des familles royales et impériales”. Si Alfred réalisait le même genre de travaux que son père, il se distingua également non seulement comme un bronzier hors pair mais aussi comme l’un des plus célèbres collectionneurs d’art. Il participa brillamment à l’Exposition Universelle de 1878, où comparé aux plus célèbres artistes de l’époque, comme Dasson, Grohé, Sauvresy ou encore Fourdinois, il remporta la médaille d’or. Couronné de gloire, il ouvrit même une succursale à New York. En 1883, suite à sa participation très remarquée à l’Exposition Universelle d’Amsterdam, “Alfred Beurdeley, fabricant de bronzes d’art” était nommé au grade de Chevalier de l’Ordre National de la Légion d’Honneur ; il fut alors porté aux nues tant par le gouvernement que par la critique contemporaine. Sa dernière grande manifestation dans laquelle il produisit fut l’Exposition Universelle et Internationale de 1889 où le directeur n’hésitait pas à avancer dans son rapport que “le talent de M. Beurdeley s’impose de lui-même par la seule inspection de ses meubles”.

Bibliographie

L’univers des bronzes, Yves Devaux, Ed. Pygmalion, Paris, 1978, p. 261.

“La saga Beurdeley (1814-1919)“, Bernard Dorival, B.S.H.A.F., 1989, p° 191.

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France
Circa 1880

Haut. : 115 cm ; Diam. : 40 cm

Belle et grande colonne d’exposition, réalisée en bois teinté ; composée en partie haute d’un plateau tournant, muni de trois poignées en bois tourné. Reposant sur un large fût, dont les cannelures sont surmontées de pastilles en bronze doré. La base moulurée repose sur un socle à pans coupés octogonal.

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Ebéniste
(1825-1896)

Secrétaire à médaillons peints

Signé henry Dasson

France
Circa 1880

Haut. : 138 cm ; Larg. : 95 cm ; Prof. : 40,5 cm

Très beau secrétaire de style Louis XVI réalisé en loupe d’amboine et palissandre, orné en façade et sur les côtés de médaillons peints présentant des scènes mythologiques. Intérieur en acajou. Belle ornementation de bronzes ciselés et dorés. Marbre Brocatelle d’Espagne. Inspiré des modèles XVIIIème siècle fabriqués par Adam Weisweiler.

Biographie

Ebéniste et bronzier établi au n°106 rue Vieille-du-Temple à Paris, Henry Dasson exécuta de somptueuses copies de meubles royaux du XVIIIème siècle et quelques créations d’inspiration similaire. Ses meubles et objets d’art étaient ornés des plus beaux bronzes, dorés au mercure. Dasson acheta le fonds d’atelier du célèbre ébéniste parisien Charles Winckelsen, après sa mort survenue en 1871, et produisit principalement dans les styles rocaille et néoclassique. Il participa brillamment aux différentes Expositions Universelles, comme à celle de 1878 à Paris, où il fut particulièrement remarqué par le jury en exposant une copie du célèbre bureau de Louis XV (original conservé au Château de Versailles) admirée pour sa grande délicatesse, ainsi que des objets décoratifs et une table de style Louis XVI, réalisée tout en bronze et considérée comme « un chef-d’œuvre de ciselure ». A l’Exposition Universelle de 1889, Dasson obtint un grand prix pour ses meubles jugés admirables. Sa grande notoriété ne subit pratiquement aucune concurrence. Il cessa d’exercer en 1894.

Adam Weisweiler (1744-1820) fut reçu Maître-Ebéniste le 26 Mars 1778. Il s’établit rue du Faubourg-Saint-Antoine à Paris. Weisweiler fut l’un des grands maîtres du style Louis XVI. D’origine allemande, il est supposé avoir reçu sa formation dans l’atelier des Roentgen. Il vint en France avant 1777, date de son mariage dans la capitale. Il travailla essentiellement pour les marchands-merciers comme Daguerre, lequel revendait les œuvres de Weisweiler à la reine Marie-Antoinette. D’une très grande habileté technique, il développa un style très personnel en jouant sur les différentes matières comme la pietra-dura, le laque ou les plaques de porcelaine de Sèvres. Contrairement à la majorité des ébénistes, la Révolution n’affecta en rien sa production; Weisweiler travailla sous l’Empire pour la Reine Hortense. Une large partie de sa production se trouve dans les collections publiques comme le musée du Louvre, le Musée des Arts Décoratifs à Paris, le Metropolitan Museum of Art à New York.

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Ebéniste
(1839-1920)
(attribué à)

Important bureau plat

France
Circa 1880

Haut. : 79 cm ; Long. : 198 cm ; Prof. : 101 cm

Important bureau plat double-face de style Louis XV, en placage de bois de violette et de satiné, ouvrant à trois tiroirs en ceinture. Enrichi d’ornements en bronze ciselé et doré, de style rocaille, présentant des coquilles, feuillages et guirlandes de fleurs. Reposant sur quatre pieds cambrés ornés sur toute leur hauteur de bronzes finement ciselés.

Oeuvre en relation

Ce bureau plat est inspiré de celui réalisé par l’ébéniste Joseph Baumhauer, offert en 1745 par le roi Louis XV à la tsarine Elisabeth I de Russie, et actuellement exposé au Musée Paul Getty de Los Angeles.

Biographie

Gervais Durand (1839-1920) participa à l’Exposition Universelle de 1889, où il obtint une médaille d’argent. D’après le rapport de l’Exposition d’A. Picard, « Mr Durand, ébéniste, aussi habile que modeste, expose pour la première fois des meubles de premier ordre, dont il est à la fois le dessinateur et l’exécutant ; il marche sur la voie tracée par les maîtres tels que Beurdeley et Dasson ». Il produisit presque exclusivement des copies de meubles du XVIIIe siècle.

Joseph Baumhauer. Mort à Paris en 1772. Ce grand ébéniste français d’origine allemande est reçu Maître en 1749, par le privilège du Roi. Il fabrique des meubles somptueux rehaussés de bronzes dorés ; notamment des bureaux plats, des encoignures, des commodes et des secrétaires, portant son estampille : « Joseph » entre deux fleurs de lys.

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France
Circa 1880

Haut. : 81 cm ; Larg. : 183 cm ; Prof. : 96 cm

Rare bureau plat double-face, en placage de bois de violette et de satiné, recouvert de maroquin rouge ; ouvrant à trois tiroirs en ceinture décorés d’une belle marqueterie de fleurs en bois de bout. Enrichi d’ornements en bronze ciselé et doré de style Louis XV, présentant des acanthes, des fleurs et autres guirlandes feuillagées. Reposant sur quatre pieds cambrés ornés sur toute leur hauteur de feuillages entrelacés en bronze doré.

oeuvre en relation

Réalisé d’après le célèbre modèle XVIIIème s. connu sous le nom de « Bureau de Choiseul » exécuté par Jacques Dubois (1693-1763) vers 1750 pour le Château du Raincy. Conservé aujourd’hui au Musée du Louvre (OA 6083).
(Reproduit dans « Le mobilier Français du XVIIIème siècle », par P. Kjellberg, Ed. de l’amateur, 1989, p°269)

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Bronziers & Marchands-Editeurs
(attribué à)

Exceptionnel cabinet en marqueterie

France
Circa 1880

Haut. : 112 cm ; Long. : 101 cm ; Prof. : 46 cm

Meuble d’appui ou cabinet en marqueterie en bois noirci ouvrant à un vantail souligné de baguettes de bronze doré, encadré de deux double colonnettes en onyx baguées de bronze. Très riche ornementation de type « Boulle » en incrustation de bois, cuivre, laiton et lapis-lazuli, reprenant des motifs d’arabesques, acanthes et palmettes issus du répertoire décoratif d’ornemanistes du XVIIème siècle, tel Jean Bérain (1638-1711). Bandeau à modillons orné d’incrustations. Piétement mouluré agrémenté de baguettes de bronze doré, reposant sur six pieds patins. Dessus en marbre brèche.

A rapprocher d’un meuble à hauteur d’appui, de conception et ornementation similaire et ne présentant toutefois que de simples colonnettes en bois de part et d’autre. Signé Susse Frères sur la serrure (Collection particulière, Paris).

Biographie

Confirmant leur succès au cours des célèbres Expositions des Produits de l’Industrie à Paris, les Frères Susse, Victor (1806-1860) et Amédée (1808- 1880) figurent dès 1841 comme fabricants de « Bronzes d’art pour pendules, candélabres, vases, statuettes, etc. ». Installés Place de la Bourse à Paris, ils présentent également au 1er étage de leur luxueux magasin « des ouvrages d’ébénisterie, des porcelaines montées et des objets d’art ». Fonderie de renommée mondiale, la Maison Susse a commencé à éditer des bronzes dès la première moitié du XIXème siècle. Les plus grands sculpteurs français leur confient leurs œuvres sculptées pour les fondre en bronze, tel Pradier qui signe en 1841 le plus ancien contrat d’édition actuellement connu. Après le décès des deux frères, c’est Albert Susse qui leur succède de 1880 à 1922 à la direction de la firme.

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Ebéniste
(Maison active à partir de 1883)

Exceptionnelle armoire-régulateur

Signé Forest à Paris

France
Circa 1890

Haut : 285 cm ; Long. : 200 cm ; Prof. : 65 cm

Rare armoire de style Louis XIV à fronton brisé à doucine, réalisée en placage d’acajou et de bois de satiné. Ouvrant à deux portes latérales encadrant un régulateur d’horloge, richement décorés d’une marqueterie de roses, de guirlandes de laurier, d’acanthes et de rubans. Belle ornementation en bronze ciselé et doré à motifs d’oves et rais de cœur, d’encadrements de feuilles d’eau, de rosettes et de branches de laurier entourant un masque d’Apollon. Au fronton, un superbe et grand cartouche en bronze doré entourant le cadran du régulateur, se compose de trois amours symbolisant le Temps et d’une draperie. L’ensemble repose sur une large plinthe et six pieds dont deux grosses pattes de lion en bronze doré.

Inspiré d’une armoire encadrant un régulateur d’horloge, réalisée par André-Charles Boulle, circa 1715. Conservée à la Wallace Collection, Londres (Inv. F429).

Biographie

La Maison Forest fut établie à Paris en 1883, au 14 rue Pierre-Picard, puis au 31 rue Cambacérès. Son mobilier, jugé de grande qualité, tant pour l’ébénisterie à la décoration raffinée que pour ses montures en bronze doré, lui valut de nombreuses récompenses. La Maison Forest exposa à l’Exposition Universelle de Chicago en 1893.

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France
Circa 1880

Bronze argenté

Haut. : 57 cm ; Diam. : 37 cm

Paire de candélabres de style Louis XIV, à cinq lumières, en bronze ciselé et argenté. Ornés de motifs de palmettes, de médaillons et de masques féminins. Fût central à motifs guillochés, terminé par une base à doucine, de forme octogonale.

A rapprocher : chandelier en argent réalisé vers 1720 par l’orfèvre Jacques Besnier, d’après un dessin de Jean Bérain (1640-1711). Conservé aujourd’hui au Metropolitan Museum of Art, New York (Reproduit et commenté in « L’art du luminaire », J.Bourne, V.Brett, Flammarion, 1992, p°50).

Les appliques, lustres, bougeoirs et candélabres, qui permettent d’éclairer l’espace, se développent considérablement au cours du XVIIème siècle. Leur raffinement témoigne du statut social de leur propriétaire. Leur décor sophistiqué marqué par une grande rigueur et une solennité classique, s’inspire des dessins d’ornement de Jean Bérain, Daniel Marot, C. de Moelder ou Le Pautre, diffusés par des livres de modèles, à travers l’Europe, et largement repris par d’autres artisans appartenant aussi à d’autres corps de métiers que l’orfèvrerie. A la fin du XVIIème siècle et au début du XVIIIème, les ornemanistes apportent, par leurs modèles, une nouvelle vivacité dans les arts décoratifs, les libérant du Classicisme de Charles Le Brun, et ouvrant la voie au style Régence, plus intime et léger.

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France
Circa 1880

Haut. : 53 cm ; Larg. : 34 cm ; Prof. : 24 cm

Paire d’appliques de style Louis XVI en bronze ciselé et doré, composé chacune d’un fût surmonté d’un brasero « à l’antique ». Les trois bras de lumière cannelés, liés entre eux par une guirlande feuillagée, se terminent en élégantes bobèches décorées de feuilles d’eau et de feuilles d’acanthe.

Oeuvre en relation

Réalisé d’après un modèle dessiné vers 1775 par Jean-Charles Delafosse (1734-1789).
(Commenté et reproduit in H. Ottomeyer, et alii, Vergoldete Bronzen, T. I, Klinkhardt & Biermann, Munich, 1986, p° 187)

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