Peintre (1703-1761)

« La Première rencontre »
« La Lecture »

École Autrichienne
Signé F.C. Janneck fc

 Circa 1740
Huiles sur cuivre

Hauteur : 25,8 cm ; Largeur : 31,2 cm
Dimensions avec cadre – Hauteur : 36,5 cm ; Largeur : 43,5 cm

Élégante paire d’huiles sur cuivre présentant deux scènes de genre champêtres, « La Première rencontre » et « La Lecture ». « La Première rencontre » met en scène le moment où deux jeunes gens, probablement promis l’un à l’autre, se découvrent. Le père, moustachu et bedonnant, invite sa fille à faire la connaissance du jeune homme qu’il lui a choisi. Plutôt farouche, elle nous tourne le dos et plante un regard imperturbable dans les yeux du prétendant, main sur la hanche en signe de réticence. La petite dame de compagnie qui arrange sa robe tente un coup d’œil en direction du jeune, qui, l’air amène, sort une bouteille de vin du ruisseau où elle rafraichissait. Sa bonhomie et le nectar suffiront-ils à convaincre la jeune femme ? L’issue de cette rencontre se trouve peut-être dans le paysage, magnifié de fins glacis allant du bleu au crème, dépeignant un vaste paysage ainsi qu’un grand ciel bleu, probablement à l’image de la psyché du jeune homme, en opposition à celle tourmentée et hostile de la jeune femme figurée par la forêt.

« La Lecture » pourrait s’entendre comme le futur de son pendant. Ici, le couple est déjà formé, parents du petit garçon et de la fille en pleine séance de lecture. Tous sont absorbés par le récit de la jeune femme, le temps est clément, le vin est bu, la fidélité règne comme en témoigne le chien ; bref, l’heure est à la détente. Bien loin des a priori d’une première rencontre, « la Lecture » vante les mérites et les joies de la vie de famille et du mariage.

Comme pour beaucoup d’œuvres des XVIIe et XVIIIe siècles inspirées des Écoles du Nord, humour et morale se mêlent en adages picturaux, où l’on comprend que cette paire de cuivre invitait son, ou plutôt sa propriétaire originelle à garder foi en l’avenir, même si au premier abord un mariage de convenance puisse couper court à d’autres aspirations.  

œuvres en relation

Une autre paire de rencontres, sur panneaux cette fois-ci, est conservée au Belvédère de Vienne (n°inv. 4179 et 4181), où Janneck démontre une fois de plus sa dextérité dans le rendu des glacis.   

biographie

Franz Christoph Janneck est un peintre né à Graz en 1716. Il fut formé dans l’atelier de Matthias Vangus à Vienne où il fut actif de 1721 à 1728. Il fut ensuite l’élève de Joseph Orient à Francfort-sur-le-Main jusqu’en 1731. Il est probable qu’il s’initia alors aux peintures des Écoles du Nord, flamandes, hollandaises et rhénanes, qui influencèrent grandement sa production. L’essentiel de ses œuvres conservées témoigne d’une influence flamande marquée, notamment des peintres Jan Brueghel l’Ancien ou David Teniers le Jeune. En 1736, il est de retour à Vienne où il décèdera en 1761.

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Peintre (1816-1899)

« La jeune cavalière » et « La jeune fille au chapeau »

 École Française
Signés C^t Brochart

Circa 1870

Pastel sur papier

Hauteur : 45 cm ; Largeur : 31,5 cm
Avec cadre – Hauteur : 74 cm ; Largeur : 56 cm

Cette ravissante paire de pastels forme un pendant parfait et illustre avec brio le talent de Constant Joseph Brochart, portraitiste du XIXe siècle. Spécialiste des figures féminines vaporeuses et idéalisées, l’artiste cède ici à la mode du néo-rocaille qui fascinait tant la bourgeoisie du Second Empire, s’inspirant de l’élégance du siècle de Watteau et de Fragonard.

« La jeune cavalière », saisie de trois quarts, adresse au spectateur un regard doux mais assuré. Elle est vêtue d’un élégant costume fantaisiste, composé d’une veste blanche satinée aux reflets argentés, ceinturée d’une large écharpe corail. L’ample collerette en dentelle qui renvoie plutôt au XVIIe siècle et le chapeau de feutre gris, agrémenté de plumes d’autruche, encadrent un visage à la carnation de porcelaine. Elle tient délicatement de sa main droite une cravache, ajoutant une touche d’espièglerie à la composition.

En parfait écho au premier, « La jeune fille au chapeau » nous présente une jeune femme dans une tenue d’inspiration XVIIIe siècle. Elle porte une somptueuse robe bleue, richement rebrodée de motifs dorés et soulignée par d’abondants bouillonnés de dentelle aux poignets. Son visage candide est mis en valeur par un charmant chapeau de paille tressé et orné d’une guirlande de roses fraîches. Le traitement des tissus est remarquable, jouant sur les transparences de la mousseline et la lourdeur de la soie brodée. Elle tient dans ses bras un petit chien, ajoutant à la pureté de sa personne. 

Brochart démontre dans cette paire sa maîtrise de la technique du pastel, médium de prédilection pour traduire la douceur de la peau et la volatilité des étoffes. La lumière, habilement dirigée, vient caresser les visages de ces deux élégantes en faisant chanter les couleurs. 

biographie

Constant Joseph Brochart est né en 1816 à Pecq dans la province de Hainaut et décédé en 1899 à Paris. Étudiant aux beaux-arts de Lille où il obtint une médaille de première classe en 1837, il exposera au Salon de 1845 à 1862. Considéré comme le promoteur de la renaissance du pastel en France par le Journal des Artistes (14 mai 1899), il se spécialisa dans les portraits de dames élégantes qui firent sa renommée.

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Peintre (1814-1878)

« Les petits déjeuners de Marly »

École Française
Signé J. Duval.L.C.

Exposé au Salon de 1846 au n°592

Huile sur toile

Dimensions avec cadre – Hauteur : 157 cm ; Largeur : 170 cm

Grande toile ovale figurant une fête galante dans le parc de Marly par un matin ensoleillé. Les convives, assis en cercle dans l’herbe, profitent de l’agréable temps estival, verres de vin à la main. Peut-être sont-ils déjà pris de boisson, en attestent les affaires d’un gentilhomme négligemment abandonnées au premier plan, le verre renversé et la proximité du groupe aux joues rosies, où chacun est presque avachi sur son voisin. Cette liesse n’est toutefois pas permise aux plus jeunes : l’enfant, attiré par la grappe de raisin, évocation du vin, est retenu par sa mère en marge du cercle qui lui retire le fruit du nectar. Non loin derrière coule une fontaine où est maintenue au frais la prochaine bouteille que les serviteurs, attentifs, apporteront. Un lévrier, symbole de fidélité, détourne le regard du groupe, laissant présager la suite des évènements.

Ce tableau s’inscrit dans la tradition picturale des fêtes galantes, genre né en France au XVIIIe siècle sous les pinceaux de Watteau, Boucher ou encore Fragonard. Le siècle des Lumières se caractérise par une libération du carcan social, moral, et de l’étiquette : sont donc mises à l’honneur ces scènes où il fait bon vivre, loin de l’austérité imposée par la cour. Ainsi, les personnages de notre tableau sont tous vêtus et portent des perruques à la mode du XVIIIe siècle. Il convient d’en souligner la maîtrise de l’harmonie des couleurs, vert acide, rose pâle et bleu poudré, et de la lumière, que lui reconnaît déjà le jury du Salon en 1838. Cette « palette personnelle » répondait-elle sans doute à la sensibilité des années 1840.

Le cadre en bois doré d’origine rajoute à la superbe de l’œuvre : un tors de roses, marguerites, fruits et feuilles enrubanné poursuit le répertoire champêtre de la toile par un jeu de volumes fort agréable. Le tout est comme suspendu par un ruban plissé, et ceint de part et d’autre d’une frise de perles.

biographie

Formé dans l’atelier de son père Pierre Duval Le Camus puis élève à l’École des beaux-arts de Paris dans les ateliers de Drölling et Delaroche, Jules-Alexandre Duval Le Camus (1814-1878) était un artiste peintre français. En 1838, il termine second au Prix de Rome de 1838 en peinture, puis participa au Salon dès 1840, et ce, jusqu’en 1867. Son domaine de prédilection fut la peinture religieuse, la peinture d’Histoire, souvent représentée au Salon ainsi que dans quelques églises de France où sont encore exposées ses œuvres. Dans la tradition de son père, il produit toutefois plusieurs scènes de genre. Il fut également un grand collectionneur de dessins, aujourd’hui dispersés dans les grands musées du monde.

bibliographie

– « Beaux-Arts. Exposition du Louvre en 1846 » dans L’Étoile : revue du progrès […], 1ère année, 1ère série, 22 mars 1846, p. 118 ;
– « Beaux-arts. Salon de 1846 » dans M. de Murville, L’Indépendant, 19e année, 17 avril 1846, p.1 ;
– « Beaux-arts. Salon de 1846. Septième article » dans Gazette nationale ou le Moniteur universel, 27 avril 1846, Paris, p. 1105 ;
– L’Illustration, Journal Universel, n°167, Vol. VII, 9 mai 1846, Paris, pp. 153-154, repr. p.153.

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Peintre (1816-1889)

« Derniers jours de bonheur à Pompéi »

École Belge
Signé et daté 1863

Exposé au Salon de 1863, n°452

Huile sur toile

Hauteur : 118 cm ; Largeur : 135 cm

Beau tableau représentant une scène de vie familiale dans un intérieur idéalisé pompéien, avec des panneaux muraux typiques du Quatrième style, encadrant des scènes mythologiques comme une Vénus dans une coquille, des frises de personnages défilant, des chimères. Allongés sur un lit, un couple se repose, devant lequel deux enfants nus sur une somptueuse peau de léopard et une jeune fille jouent innocemment aux osselets, un passe-temps antique très populaire souvent documenté dans l’art romain. À gauche, un jeune garçon brandit un imposant masque de théâtre grotesque, provoquant l’aboiement d’un petit chien. Une servante, debout à gauche, une coupe de fruits, symbole d’abondance et de raffinement.

Cette œuvre est un exemple parfait de la peinture académique du XIXe siècle, et plus particulièrement du mouvement néo-grec (ou « style pompéien »). Fortement influencé par les découvertes archéologiques de Pompéi et d’Herculanum, Coomans s’est spécialisé dans la représentation idéalisée et anecdotique de la vie domestique antique. Loin des grands récits héroïques ou mythologiques, le peintre offre ici une scène de genre intime, célébrant l’otium (le temps de loisir) romain.

biographie

Pierre-Olivier-Joseph Coomans (1813-1889) est un peintre de genre et d’histoire belge, formé par Nicaise de Keyser et le baron Wappers à l’Académie royale des beaux-arts d’Anvers. En 1843, la reine Louise-Marie d’Orléans l’envoie en Algérie pour suivre l’armée française en Kabylie. Il y rencontre le peintre militaire Horace Vernet. Ses trois séjours en Algérie (1843, 1844 et 1845) introduisent l’orientalisme dans son œuvre. Il est récompensé d’une médaille de vermeil au Salon de Bruxelles de 1848 pour Dernière charge d’Attila à la bataille de Châlons-sur-Marne.
En 1855, il se fixe dans les environs de Naples et les fresques romaines de Pompéi lui font progressivement abandonner l’orientalisme au profit de scènes romantiques napolitaines, puis d’un nouveau genre dit « style pompéien ». En 1860, il se fixe à Paris et évolue alors vers un classicisme académique. D’octobre 1888 à juin 1889, il séjourne à Philadelphie et à New York, y peignant surtout des portraits.

bibliographie

• J. Girard de Rialle, À travers le Salon de 1863, Paris, 1863, pp.63-64 ;
• Explication des ouvrages de peinture […] exposés au palais des Champs-Élysées le 1^er Mai 1863, Paris, 1863, p. 57, n°452.

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Peintre (1853-1929)

« L’arrivée de la Mariée »

Signée et datée E. Boutigny 1928

Huile sur toile

Hauteur : 90 cm ; Largeur : 110 cm ; Profondeur : 7 cm

Cet élégant tableau représente l’arrivée d’un carrosse amenant la mariée devant une église. L’instant saisi est celui d’un débarquement mondain, transformé en spectacle social. Les personnages, richement vêtus, occupent l’espace dans une composition dense et animée. Les robes aux étoffes soyeuses et aux couleurs chatoyantes contrastent avec les habits masculins ornés de broderies et de boutons dorés, soulignant la hiérarchie sociale et le raffinement des protagonistes.

La lumière, diffuse et maîtrisée, met en valeur les figures centrales tout en laissant les zones périphériques dans une relative pénombre. À droite, la présence d’un mendiant introduit une discrète note de contraste social, mais sans véritable tension critique : il s’agit davantage d’un motif pittoresque hérité de la tradition du XVIIIᵉ siècle que d’une dénonciation. Cette retenue confirme la dimension idéalisée de la scène, où l’Ancien Régime est évoqué comme un âge d’élégance et de sociabilité harmonieuse. Réalisée à la fin de la carrière de Boutigny, cette œuvre témoigne d’une fidélité assumée à une esthétique narrative et décorative, à contre-courant des avant-gardes contemporaines. 

Biographie

Paul Émile Boutigny (1853-1929) fait partie des peintres d’histoire et de genre mondain les plus appréciés de la Troisième République. Élève d’Alexandre Cabanel à l’École des Beaux‑Arts de Paris, il se spécialise très tôt dans les scènes de genre d’inspiration historique, principalement situées au XVIIIᵉ siècle. Il s’inscrit ainsi dans la tradition dite « néo-galante », héritière de Watteau, Fragonard ou Lancret, mais revisitée avec la sensibilité et la technique du XIXᵉ siècle finissant. Il débute au Salon des Artistes Français en 1881 et expose régulièrement au Salon où ses œuvres rencontrent un public favorable. Son succès repose sur une peinture séduisante, narrative et décorative, parfaitement adaptée aux intérieurs bourgeois et aristocratiques. À une époque marquée par l’essor de l’impressionnisme puis des avant-gardes, il choisit délibérément de rester fidèle à une esthétique classique, assumant un certain conservatisme stylistique. Au tournant du XXᵉ siècle et jusqu’à la fin de sa vie, Boutigny poursuit cette voie avec constance. Ses œuvres tardives, notamment celles des années 1910–1920, témoignent d’une grande liberté de touche, tout en conservant la clarté du récit et l’élégance de la mise en scène. La matière picturale y devient parfois plus vibrante, traduisant une sensibilité accrue à la lumière et au mouvement. 

Bibliographie

– Benezit, Dictionnaire des Peintres, Sculpteurs, Dessinateurs et Graveurs, Paris, Gründ.
– Catalogue du Salon des Artistes Français, années 1881–1895.
– Jean‑Paul Crespelle, La Vie artistique à la Belle Époque, Paris, 1966.
– Musée d’Art et d’Histoire de Saint‑Denis – fonds Paul Émile Boutigny.
(References on the artist’s biography and exhibitions held during the 1880s and 1890s.)

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Peintre (1845-1926)

 « Les Fêtes Galantes »

Signés, situés et datés G. Simoni. Paris. 1881

Huile sur toile

Dimensions avec cadre – Hauteur : 165 cm ; Largeur : 105 cm

Cette grande paire de tableaux de forme ovale met en scène des élégantes et des gentilshommes vêtus à la mode du XVIIIᵉ siècle, réunis dans un vaste jardin à la française.
Le premier tableau représente un concert champêtre : un groupe de musiciens accompagne la promenade de couples raffinés évoluant sur une allée bordée de massifs fleuris, sous de hauts arbres filtrant une lumière claire. Le second tableau montre un rendez‑vous mondain au pied d’un escalier orné de statues et de vasques. Des dames en robes de soie aux teintes vives et des cavaliers en habit pastel conversent, tandis que d’autres personnages s’éloignent dans la profondeur du parc.

La palette est lumineuse, dominée par les verts du feuillage, les bleus du ciel et les roses, bleus et blancs des étoffes. La touche, souple et vibrante, suggère les détails des costumes et de la végétation davantage qu’elle ne les décrit minutieusement, créant une atmosphère de fête légère et animée.

Ces tableaux s’inscrivent dans le renouveau néo‑rococo qui connaît un grand succès à Paris sous le Second Empire puis la Troisième République. Simoni s’inspire de la tradition des fêtes galantes de Watteau et Fragonard, revisitée par les peintres de genre mondain de la Belle Époque.
Le choix du format ovale, la mise en scène d’un parc idéalisé, l’insistance sur la conversation polie, la musique et la promenade, renvoient à une vision nostalgique et raffinée de l’Ancien Régime, très recherchée par la clientèle bourgeoise parisienne de la fin du XIXᵉ siècle.
Par la vivacité de la touche, le soin apporté aux étoffes et l’animation de la foule, ces tableaux se rapprochent des œuvres de contemporains tels que Cesare‑Augusto Detti, Federico Andreotti ou Vittorio Reggianini, eux aussi actifs entre l’Italie et Paris.  

Biographie

Gustavo Simoni (1845-1926) est un peintre italien né à Rome et ayant étudié à l’Accademia di San Luca de Rome. À partir de 1877, Simoni commence à voyager à travers l’Europe (France, Espagne) et surtout en Afrique du Nord (en Tunisie, Maroc et Algérie où il s’installe durant plusieurs années).
Ces voyages nourrissent son inspiration et l’orientent vers l’orientalisme, un courant artistique européen du XIXᵉ siècle qui représente la vie au Maghreb et au Moyen-Orient et dont il devient l’un des principaux représentants italiens. Ses œuvres montrent des caravanes, des marchés nord-africains, des scènes de rue, des musiciens ou encore des personnages berbères avec réalisme et sens du détail.
Il remporte une médaille d’or au Salon de Paris de 1889 avec sa scène monumentale « L’incendie de Persépolis ». Dans les années 1890, il ouvre un atelier à Paris et fonde à Rome une école de peinture orientaliste pour former de jeunes artistes. Il a contribué à la Società degli Acquarellisti Romani (Association des aquarellistes romains), et ses œuvres se trouvent aujourd’hui dans des collections et musées à travers le monde, notamment à Glasgow, Leipzig, Melbourne et New York.

bibliographie

• Crespelle, Jean‑Paul, La vie artistique au temps de la Belle Époque, Paris, 1966
• Conisbee, Philip, Painting in 19th‑Century France, London, 1990
• Expositions de peintres de genre mondain à Paris (catalogues de salons, 1875–1900)

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« La Balançoire » et «  Le Tir à l’arc »

France
XVIIIe siècle

Huiles sur toiles marouflées sur bois

Hauteur : 60 cm ; Longueur : 84 cm

Belle paire tableaux formant paire, l’un représentant des Amours jouant à la balançoire sur un tronc d’arbre, et l’autre des Amours tirant à l’arc et posant des pièges, le tout dans un décor champêtre.
Les tableaux sont ornés aux angles de rosettes dorées, et entourés d’un cadre à décor d’entrelacs.

Ces scènes d’Amours jouant sont caractéristiques des sujets charmants plébiscités au XVIIIe siècle en France, dont l’un des plus grands artistes est François Boucher (1703-1770).

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Peintre (1852-1926)

« L’Amour contrarié »

Signé Lionel Royer et daté 1882 (?)

Ecole Française
Huile sur toile

Ancienne étiquette d’exposition de Salon en haut à droite n°538
Indication d’une exposition à Lyon n°163 sur le châssis

Hauteur : 169 cm ; Largeur : 130 cm ; Profondeur : 12 cm

Beau tableau illustrant un thème tiré de la littérature romantique et des romans pastoraux du XIXème siècle : l’amour impossible. Il représente un couple enlacé, dont l’amour est souligné par des symboles tels que le couple de tourterelles au-dessus d’eux et les rosiers fleuris. Ils semblent être de classes sociales différentes, un berger, et la femme, mariée, vêtue avec plus de recherches. Leur amour semble surmonter ces obstacles, en témoigne la présence d’un rouet en arrière-plan, symbole de persévérance.

Ce thème de l’amour impossible a été évoqué dès l’Antiquité (Orphée et Eurydice dans les Métamorphoses d’Ovide), au Moyen-Âge (Tristan et Yseult ou Héloïse et Abélard) et bien sûr au XIXe siècle (Le Rouge et le Noir de Stendhal, Les Hauts de Hurlevent d’Emily Brontë), et illustré en peinture à de nombreuses reprises.

Biographie

Lionel-Noël Royer, né le 25 décembre 1852 à Château-du-Loir et mort le 30 juin 1926 à Neuilly-sur-Seine a étudié la peinture à l’École des beaux-arts de Paris, où il fut l’élève d’Alexandre Cabanel et de William Bouguereau. Exposant au Salon à partir de 1874, il obtient une médaille de 3e classe en 1884 et une médaille de 2e classe en 1896. Il obtient le premier grand prix de Rome en peinture de 1882 et une médaille de bronze à l’exposition universelle de 1900.
Portraitiste réputé, commentateur de son temps (il peignit Dreyfus dans sa prison pour Le Petit Journal), Lionel Royer est surtout connu comme peintre d’histoire. Marqué par la guerre franco-prussienne de 1870 à laquelle il a participé, il cherche à exalter les figures emblématiques de la gloire française, tels Jeanne D’Arc et Vercingétorix.
Ses œuvres les plus connues sont Vercingétorix jette ses armes aux pieds de César (1899, musée Crozatier au Puy-en-Velay) et la décoration de la basilique de Domrémy dédiée à Jeanne d’Arc.
En souvenir de sa participation à la bataille de Loigny, il donne deux tableaux à la nouvelle église reconstruite de ce village, l’un représentant la messe entendue par les Volontaires de l’Ouest avant de partir à la bataille et le second dépeignant la nuit d’agonie du général de Sonis sur le champ de bataille. En 1897, il fait don à la Société historique et archéologique du Maine des dix maquettes aquarellées représentant la Vie de Jeanne d’Arc, exécutées au dixième et présentées en 1893 au concours des verrières de la Cathédrale Sainte-Croix d’Orléans, qu’il ne réalisera pas.

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France
Circa 1865

Huile sur Toile , Bois Sculpté et Doré

Hauteur : 180 cm ; Largeur : 63,5 cm ; Profondeur : 12 cm

Rare ensemble de quatre peintures représentant des allégories aux Arts interprétées par des personnages accompagnés d’amours :

La Musique, La Sculpture, La Peinture et Le Théâtre.

Les parties basses sont agrémentées de quatre bouquets de fleurs épanouies.

Le tout est joliment encadré de coquilles, volutes et palmes en bois délicatement sculpté et doré.

Provenance

Collection Baron Maurice Lemonnier

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(Fondée en 1664)             

F. Boucher

Peintre (1703-1770)                                                                                       

Suite de Quatre Tapisseries à scènes pastorales

France
1770

Bois doré, Tapisserie

Chaque panneau = Hauteur : 206 cm ; Largeur : 56 cm ; Profondeur : 4 cm

Très belle suite de quatre tapisseries de la Manufacture de Beauvais représentant des pastorales d’enfants. Ces tapisseries ont été faites d’après les peintures de François Boucher (1703-1770) livrées vers 1751 à la marquise de Pompadour pour son Château de Crécy. 

Présentées dans des médaillons superposés fleuris et bordés d’entrelacs, ces scènes sont composées de :

– une bergère et une jardinière avec les initiales « F.B » sur le socle de l’arbre ;
– un pêcheur et une fermière signé sur la pierre à droite « Boucher 1780 Beauvais »
– un marionnettiste, et une fileuse assise sur un banc en pierre signé « Boucher » ;
– un musicien et une beurrière signé et situé en bas à gauche « Boucher 1780 Beauvais »

Elles sont entourées de cadres en bois doré de forme cintrée ornés de cannelures et de feuilles.

œuvres en relation

Suite des quatre toiles de F. Boucher qui décoraient le Château de Crécy du temps de la marquise de Pompadour.
Devenu propriété du duc de Penthièvre en 1757 avec son entier mobilier, ce dernier revend le château en 1775 sans ses collections qu’il installe au Château de Sceaux.
Vendues pendant la Révolution, les toiles sont rachetées en 1862 par le duc de Trévise et réinstallées au Château de Sceaux jusqu’en 1923, date de sa vente au département de la Seine. Réapparues sur le marché de l’art lors de la vente Rouillac du 10/06/2018, ces toiles ont été préemptées par le Château de Sceaux et ont rejoint leurs collections (n° d’inventaires 2018.1.1 ; 2018.1.4 ; 2018.1.2 ; 2018.1.3 ; 2018.1.4) et sont exposées Salle Penthièvre.

biographie

François Boucher (1703-1770) perfectionne son apprentissage de la peinture à l’huile auprès de François Lemoyne. Il remporte le Grand prix de peinture en 1723. Agréé à l’Académie de peinture et de sculpture, il y est reçu en 1734. Il fait une carrière brillante, connaît tous les honneurs, reçoit d’incessantes commandes royales et travaille pour les hauts personnages de la cour, telle Madame de Pompadour. Il fournit également des cartons pour la réalisation de tapisseries, comme à partir de 1750 la tenture des Amours des Dieux commandée par Oudry qui dirige alors la Manufacture de Beauvais. Maître incontesté du style rocaille sous Louis XV, peintre précieux et sensuel, surnommé de son vivant “le Peintre des Grâces”, il est en revanche dès 1760 de plus en plus boudé par le public et la critique du Salon qui se tourne vers un art plus classique. Ce n’est donc que dans la seconde moitié du XIXe siècle, alors que l’impératrice Eugénie réinvente un XVIIIe siècle à son goût, que les frères Goncourt en redécouvrent le peintre le plus représentatif, François Boucher.

La Manufacture royale de tapisserie de Beauvais est créée en 1664 par Jean-Baptiste Colbert pour concurrencer les manufactures de tapisseries des Flandres afin de répondre aux exigences de sa politique mercantiliste et réduire les importations. Contrairement à la manufacture des Gobelins dont la production était essentiellement destinée au roi, la manufacture de Beauvais fut à l’origine une entreprise orientée vers le marché privé. La production se limite alors à des sujets simples comme les verdures. Depuis la direction de Philippe Béhagle (1641-1705) marchand-tapissier du roi, originaire des Flandres et formé aux Gobelins, la manufacture fait appel à des artistes reconnus pour fournir des cartons, comme Jean-Baptiste Monnoyer ou Jacques Duplessis, remplacé par Jean-Baptiste Oudry en 1726. C’est à ce dernier que la direction est confiée jusqu’à sa mort en 1755, ce qui correspond à la période la plus remarquable de l’histoire de la manufacture.
Sous la direction artistique de Jean-Baptiste Oudry, Beauvais s’appuya sur un réseau international de magasins d’exposition implantés à Paris, Leipzig ou Ratisbonne par les précédents directeurs pour développer ses exportations à l’Europe entière, créant d’immenses tentures. La collaboration entre les peintres Oudry et François Boucher contribua pour une large part à cette réussite. À cette époque furent réalisées d’importantes productions de tapisseries pour sièges assorties aux motifs des tentures créant ainsi des ensembles décoratifs très homogènes. Malgré son succès auprès de la clientèle privée, la manufacture de Beauvais dut son maintien aux commandes annuelles du garde-meuble royal. La manufacture employait à la Révolution française plusieurs centaines d’ouvriers et le 8 octobre 1804, Napoléon Bonaparte décida d’en faire une manufacture d’État.
Les tissages de Beauvais étaient d’une qualité exceptionnelle, comparable à ceux des Gobelins. La manufacture était particulièrement renommée pour les garnitures de sièges.
Au cours du XIXe siècle, la manufacture déclina. Le XXe siècle sonna le renouveau de la Manufacture avec la collaboration de grands artistes contemporains.

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Ecole française

France
Circa 1840

Huile sur toile

Dimensions avec cadre : Hauteur : 61 cm ; Largeur : 51 cm

Charmante paire de tableaux représentant des jeunes femmes dans des intérieurs cossus pendant leur leçon de musique, l’un illustrant un cours de chant et l’autre un cours de violoncelle.

Le thème de la leçon de musique, abondamment interprété depuis le XVIIe siècle en Europe, a été particulièrement apprécié au XVIIIe siècle en France par des peintres comme Boucher ou Fragonard,  qui ont transformé cette simple scène de genre en scène galante, faisant de la relation élève-professeur une relation jeune femme-soupirant.

Cependant, dans les tableaux ici présentés, le jeu de séduction est absent comme l’indique la présence d’une tierce personne dans les deux scènes, une servante dans l’un et une jeune garçon tenant un violon dans l’autre, s’apprêtant probablement lui aussi à recevoir une leçon.

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Peintre
(1853-1920)

Promenade à Venise

Milan – 1889

Dimensions sans cadre : Hauteur : 89 cm ; Largeur : 139 cm
Dimensions avec cadre : Hauteur : 121 cm ; Largeur : 169 cm

Scène pittoresque de promenade familiale en gondole sur un canal à Venise.

Contrairement aux peintres du XVIIIe siècle qui dépeignent Venise de manières très architecturale avec le genre de la « veduta » (basé sur la représentation en perspective d’un paysage urbain), Giacomo Mantegazza se sert de la ville comme simple trame de fond pour sa scène de genre, comme il l’a fait à plusieurs reprises pour des scènes galantes.

Sa touche fine et précise confère une grande expressivité à ses modèles, généralement placés au centre de compositions soigneusement détaillées.

Biographie

Né à Saronno en 1853 et mort à Cernobbio en 1920, Giacomo Mantegazza est un artiste reconnu pour ses nombreux portraits et scènes de genre. Elève de Giuseppe Bertini, renommé pour ses fresques, à l’Académie de Brera, il s’est par la suite spécialisé dans les scènes orientalistes, avec des représentations de tziganes et de sérails.

Bibliographie

– Dictionnaire des peintres, sculpteurs, dessinateurs et graveurs, Bénézit, éd. Gründ, 1976, vol. IX, p.159.
– Ottocento, Catalogo dell’Arte Italiana dell’Ottocento – n°31, Editoriale Giorgio Mondadori, Edizioni dell’Ottocento, 2002, p.295.

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Peintre (1825-1908)
Ecole Française

“ Le moineau de Lesbie ”

Tableau exposé au Salon de 1861

Signé C. Brun et daté 1860
Huile sur toile

Dimensions avec cadre : Haut. : 116 cm ; Larg. : 144 cm
Dimensions sans cadre : Haut. : 85 cm ; Larg. : 118 cm

Atrium au riche décor pompéien dans lequel une jeune femme allongée sur un lit joue avec un moineau, indifférente à l’attention que lui porte le jeune homme assis à ses pieds.

Ce tableau, intitulé « Le Moineau de Lesbie » est une œuvre majeure dans le répertoire de C.G Brun, reconnu pour la précision de sa technique, de par l’élégance de la composition, la pureté des couleurs, la finesse de la touche et l’expressivité des personnages.

Exposé au Salon de 1861, ce tableau a été grandement apprécié par le public et les critiques.

Cette rare scène intimiste d’intérieur décoré dans le style pompéien illustre parfaitement le goût de l’époque pour les découvertes des grandes villas de Pompéi grâce aux fouilles archéologiques du XVIIIe siècle et la publications d’ouvrages s’y référant. Aménager ses intérieurs sur le modèle des villas pompéiennes va alors devenir une mode à laquelle vont s’adonner de grands noms du Second Empire, comme le Prince Napoléon, cousin de l’Empereur Napoléon III, qui va se faire bâtir une superbe villa Pompéienne avenue Montaigne, dont il ne reste pour témoignages que quelques photographies et un tableau de Gustave Boulanger, daté de 1861 et intitulé Répétition du « Joueur de flûte » et de la « Femme de Diomède » chez le Prince Napoléon.

Ce tableau illustre le poème « Fletus passeris Lesbiae » provenant du recueil « Carmina » écrit par Catulle (87-54 av. J.-C.) : dans son oeuvre, l’auteur, épris de Lesbie, femme mariée vivant à Rome, met en scène un moineau faisant l’objet de toutes les attentions de sa maîtresse, qui délaisse ainsi son soupirant.

Ce thème, Le Moineau de Lesbie, a fait l’objet de nombreux tableaux, dont celle de Raphaël Poggi exposée au Salon de 1865, Lawrence Alma-Tadema en 1866 ou encore Edward Poynter en 1907.

Tableau présenté sous le n°467 au Salon de 1861 sur les cimaises du Palais des Champs-Elysées (Hall des sculptures et cimaises du salon de 1861, Photographies par Richebourg, vue 17, 1861, BNF)

Biographie

Charles Guillaume Brun, né à Montpellier en 1825, mort à Paris en 1908, s’inscrit en 1847 à l’Ecole des Beaux-Arts de Paris, où il étudie sous la direction de François-Edouard Picot (1786-1868) puis d’Alexandre Cabanel (1823-1889). Sa participation au Salon débute en 1851 avec des sujets de genre (Jeune fille faisant sa prière du matin), mais dès 1853, il envoie régulièrement des scènes Orientalistes, situées en Algérie (La Prière en 1859, Rendez-vous à Constantine en 1861, Femme Mauresque en 1867), d’une grande rigueur architecturale, animées de contrastes tranchants dans les effets d’éclairage et montrant dans les modulations de gris une fine sensibilité. Outre ses nombreux paysages d’Algérie, il se fait aussi connaître comme portraitiste militaire, peignant avec précision les uniformes, et devient naturellement peintre officiel au ministère de la Guerre, où il collabore avec Alexandre Cabanel. Il est également l’auteur de décorations d’églises, dont celle de Villemomble (Martyre de saint Laurent, 1857). Brun devient sociétaire des Artistes Français à partir de 1883.

Bibliographie

– 1820-1920 – Les Petits Maitres De La Peinture, G. Schurr, Les Editions de l’amateur, Paris, 1975, t.V, p.32.

– Dictionnaire des peintres, sculpteurs, dessinateurs et graveurs, Bénézit, éd. Gründ, 1976, vol. II, p.887.

– Hall des sculptures et cimaises du salon de 1861/Photographies par Richebourg, Pierre-Ambroise Richebourg, 1861, vue 17

– Explication des ouvrages de peinture, sculpture, gravure, lithographie et architecture des artistes vivants exposés au palais des Champs-Elysées le 1^er mai 1861, Charles de Mourgues Frères, Imprimeurs des musées impériaux, 1861

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« Scène champêtre aux daims »

France
Signée Saunier et datée 1819

Peinture sur porcelaine, cadre en bois doré

Dimensions avec cadre – Haut. : 44 cm ; Larg. : 54 cm
Sans cadre – Haut. : 24 cm ; Larg. : 33 cm

Plaque de porcelaine ovale peinte à décor de daims dans un paysage, avec une fabrique en arrière-plan. Elle est insérée dans un cadre en bois doré à motifs de palmettes, d’époque Restauration.

Porcelaine de Paris

Paris, capitale de l’art, de la mode et du luxe ne pouvait, lors de la découverte du Kaolin au XVIII^ème siècle vers 1765, à Saint-Yrieix-la-Perche à côté de Limoges, ne pas produire une porcelaine de prestige. La Porcelaine de Paris, plus communément appelée « Vieux Paris », est une porcelaine à pâte dure, d’un blanc pur, laiteux, très brillant, décorée par peinture et très souvent par or. Il y avait à Paris des fabriques de porcelaine, d’un très haut niveau, avec leur marque bien définie. Mais on décorait, surtout, dans les arrières boutiques, les blancs cuits dans la région de Limoges. Sans marque, ces blancs ont souvent des lettres ou chiffres qui sont recouverts d’émail. Il ne s’agit pas de la marque d’un décorateur ou d’une fabrique. C’est tout simplement un signe que l’ouvrier faisait, avant cuisson, pour reconnaître son travail et se faire régler les pièces ainsi réalisées.

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Peintre
(1684-1721)
(Dans le goût de)

Paire de tableaux Fêtes Galantes
“l’Amour courtois” et “l’Amour volage”

Ecole Française
Fin XIXe siècle

Dimensions avec cadres : Haut. : 135 cm ; Larg. : 94 cm ; Prof. : 6 cm

Magnifique paire d’importants tableaux formant pendant, ayant pour sujet les “Fêtes galantes” et consacré ainsi à l’art de la séduction. L’un représente “l’Amour courtois”, où des couples élégants se promènent dans un parc, conversant et déclamant leur amour sincère. L’autre peinture met en scène des jeunes femmes et des comédiens courtisant beaucoup moins sagement près d’une fontaine jaillissante, un sujet animé et représentatif de “l’Amour volage”.

Ces œuvres rappellent celles du peintre Antoine Watteau (1684-1721), l’inventeur des “Fêtes galantes”, où l’artiste accordait par ces saynètes juxtaposées une importance considérable aux attitudes et à la position des corps exprimant ainsi les sentiments dans un décor extérieur.

Ces fêtes galantes promptes à aiguillonner le trouble amoureux, traité toutefois avec délicatesse, se perpétuèrent tout au long du XVIIIème siècle, grâces aux suiveurs de Watteau, tels Jean-Baptiste Pater (1695-1736), Nicolas Lancret (1690-1743), François Boucher (1703-1770) et Jean-Honoré Fragonard (1732-1806).

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Peintre
(Fin XIXe s.)

“Les trois sœurs”

Inscrit Cecilia Josuan, Colegio de N. S. del Huerto, Buenos Aires, 1896

Ecole Argentine

Haut. : 167 cm ; Larg. : 121 cm

Rare tableau « fixé sous verre » utilisant une technique mixte de chromolithographie pour le traitement des visages et des mains, et de broderie de fils de soie pour les vêtements et le drapé en arrière-plan.

La chromolithographie est une technique de reproduction d’images par impression de dessins gravés en couleurs sur de la pierre calcaire.

Commentaire

Au début du XIXe siècle, la peinture en Amérique Latine, et particulièrement en Argentine, est le fait d’étrangers (français, allemands et anglais) nommés Costumbristas qui peignent des vues et des portraits à caractère folklorique, très appréciés en Europe. Ce n’est qu’à partir de la seconde moitié du siècle, qui voit une plus grande indépendance, une plus grande stabilité, qu’une peinture nationale émerge véritablement avec des peintres internationalement reconnus, comme Prilidiano Pueyrredon, Angel de La Valle ou Eduardo Sivori. Ce dernier, élève chez Jean-Paul Laurens à partir de 1882, est le premier peintre argentin présent au Salon à Paris. Très influencés par les styles et courants européens, ces artistes tentent tout de même, par les thèmes choisis notamment, de constituer une tradition proprement argentine.

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Peintre
(1853-1892)

“Loge d’artistes – Fête de Saint-Cloud”

Signé et daté F. Blayn, 1892

Ecole Française

Huile sur toile

Dimensions avec cadre : Haut. : 117 cm ; Larg. : 138 cm

Tableau exposé sous le n°127 au Salon des Artistes français de 1892

Tableau reproduit p.157 du Catalogue Illustré des ouvrages de peinture, sculpture et gravure exposés au Champs-de-Mars le 7 mai 1892

Scène de genre représentant une mère préparant devant sa roulotte ses deux jeunes filles pour le spectacle de cirque de la fête de Saint-Cloud.

Tout au long des XVIIIe et XIXe siècles, à l’occasion du pèlerinage de saint Cloud, de somptueuses fêtes étaient données dans le parc de Saint-Cloud. Chaque mois de septembre, l’une des plus anciennes fêtes foraines de France rassemblait Parisiens, marchands, forains et comédiens.

Biographie

Fernand Blayn (1853-1892) élève d’Alexandre Cabanel (1823-1889) était spécialisé dans les portraits et tableaux de genre, représentant des scènes de la vie quotidienne. F. Blayn exposa au Salon des Artistes français à partir de 1878. Il obtint une médaille de troisième classe au Salon de 1886 et une médaille de bronze Salon de 1889 pour Le Repas du Soir. Dédiée au cirque, la composition de cette toile, peinte l’année même du décès de l’artiste, d’une exécution impeccable, se distingue par des tonalités fines et délicates. L’expression des modèles, comme le soin apporté à la qualité et à la texture des étoffes révèlent le métier brillant de l’artiste.

Museologie

– Mairie de Segré en Anjou, Salle des mariages : Le Repas du Soir (1889)

– Musée de Picardie, Amiens : Le Retour des Pêcheurs

Bibliographie

Dictionnaire des peintres, sculpteurs, dessinateurs et graveurs, Bénézit, éd. Gründ, 1976, t.II, p.77.

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Peintre
(1798-1850)
(attribué à)

“Retour de foire”

Ecole Française

2ème quart du XIXème s.

Huile sur toile

Dimensions avec encadrement : Haut. : 40,5 cm ; Larg. : 49 cm

Biographie

Né en 1798 à Mirecourt (Meurthe-et-Moselle), mort en 1850 à Paris, Jean-François-Louis Demay fut un peintre spécialisé dans les scènes de genre et les paysages. Artiste autodidacte, Demay participa au Salon de Paris de 1827 à 1846. Il traitait alors avec vivacité les scènes de marchés, foires, kermesses, de la vie paysanne ou tout du moins champêtre à l’époque de la Restauration (1815-1830).

Museologie

Les œuvres de Jean-François Demay sont de nos jours aussi bien conservées dans les collections privées que présentées dans les musées de grande renommée, tel au Musée Magnin à Dijon avec une huile sur panneau « La dernière étape » (Inv. 1938 F 266), ou au Musée des Beaux-Arts de Bordeaux, avec un tableau peint sur toile « Paysage », daté de 1829 (Inv. Bx E 714 ; Bx M 6553).

Bibliographie

Les petits Maîtres de la peinture 1820-1920, Les Editions de l’Amateur, Paris, 1981, t.V.

Dictionnaire des peintres, sculpteurs, dessinateurs et graveurs, E. Bénézit, Editions Gründ, Paris, 1999, t. IV, p. 433.

J. Magnin, Un Cabinet d’un amateur parisien en 1922 – Peintures et dessins de l’école française, II, Paris, 1922 (n° 516).

Les Peintures françaises, catalogue sommaire illustré, Dijon musée Magnin, Paris 2000 (n° 143, p. 73 repr.).

Dictionnaire des peintres paysagistes français au XIXème siècle, Harambourg L., Neuchâtel, 1985, (p. 115; repr.).

Catalogue, Manciet C., Musée de Peinture et de Sculpture de Bordeaux, 1933, (p. 67, n° 238).

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