Chine, Canton
Dynastie Qing (1644-1912) – Époque Qianlong, fin XVIIIe siècle

Hauteur : 205 cm ; Largeur feuille : 55 cm ; Profondeur : 1,8 cm
Largeur totale : 55 x 8 = 440 cm

Beau paravent chinois en laque à huit feuilles présentant un grand paysage continu (shanshui) richement animé de la quotidienne chinoise représentant des lettrés, des pavillons traditionnels, des ponts, saules pleureurs dans des paysages de montagne. La scène principale est encadrée d’une frise de rinceaux feuillagés et de cartouches présentant avec des animaux dans des paysages, typique des productions d’exportation. L’arrière du paravent est orné de grands motifs de branches fleuries et d’oiseaux.

Le format de ce grand paravent à multiples feuilles, associé à ce style très spécifique de décor or sur fond de laque noire appelé miaojin, est tout à fait caractéristique des productions destinées au marché européen via les Compagnies des Indes orientales, qui a connu son apogée au cours du XVIIIe siècle et a continué à être produit tout au long du XIXe siècle.

Commentaire

Sous le règne de l’empereur Qianlong (1735-1796), la dynastie Qing connaît l’une de ses périodes les plus prospères. L’empire chinois atteint son apogée territoriale, bénéficie d’une forte croissance économique et se distingue par un remarquable développement des arts, de l’artisanat et des manufactures impériales.
Cette époque est également marquée par un important essor des échanges commerciaux avec l’Occident. Bien que le commerce extérieur soit strictement contrôlé par le système de Canton, les marchands européens, notamment britanniques, français, hollandais et portugais, importent de grandes quantités de produits très recherchés parmi lesquels la porcelaine, les soieries, les laques, les objets en ivoire, les meubles, ainsi que le thé, devenu un produit de consommation majeur en Europe.
Les ateliers chinois adaptent parfois leurs créations aux goûts occidentaux, produisant des objets spécialement destinés à l’exportation, décorés de motifs européens ou portant les armoiries de familles nobles. Ces échanges contribuent à diffuser le raffinement de l’art chinois en Europe et influencent durablement les arts décoratifs occidentaux au XVIIIᵉ siècle.

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Manufacture de Cristal

Service de verres Roemer « Piccadilly »

France
Circa 1980

Cristal

Hauteur : 20 cm ; Diamètre : 8,3 cm

Rare ensemble de 31 verres à vin du Rhin dits Roemer, en cristal taillé clair et doublé de différentes couleurs (améthyste, vert anis, bleu cobalt, rouge rubis, vert émeraude, orange) de la manufacture de Baccarat, modèle Piccadilly. Le calice évasé est orné de profondes entailles verticales et biseautées transperçant la couche de couleur et laissant transparaître le cristal clair. Le culot du verre est orné d’une large bande de croisillons finement taillés en pointes de diamants, offrant de multiples reflets Chaque verre repose sur une jambe élancée et lisse en cristal clair, finissant par un pied circulaire plat.

La collection Piccadilly, présent dans le catalogue officiel de Baccarat dès 1933, regroupe de multiples pièces pour les arts de la table, incluant des verres à vin, des flûtes et coupes à champagne, des verres Roemer, ainsi que des brocs à eau et des carafes. Ce service est d’ailleurs souvent associé aux modèles Buckingham et Balmoral sur les grandes tables. Ce service de verres taillés a connu une très longue période de production et a été commercialisé jusqu’en 1991.

biographie

La célèbre cristallerie de Baccarat, dont l’origine remonte au XVIIIe s., remporte sa première médaille d’or, à l’occasion de l’Exposition des Produits de l’Industrie de 1823, où elle est saluée pour “l’éclat et la finesse du cristal” et devient la première cristallerie de France. Baccarat est sans nul doute la seule industrie française qui est alors constamment et magistralement représentée au cours des différentes expositions auxquelles elle participe, remportant de ce fait les honneurs et de prestigieuses récompenses. Un maître-mot, “la perfection de la matière et de la taille”, revient dans tous les rapports d’Expositions Universelles entre 1855 et 1867, où la cristallerie Baccarat domine par la qualité de son cristal, jugé supérieur à ceux de Bohême et d’Angleterre.  

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Peintre (1703-1761)

« La Première rencontre »
« La Lecture »

École Autrichienne
Signé F.C. Janneck fc

 Circa 1740
Huiles sur cuivre

Hauteur : 25,8 cm ; Largeur : 31,2 cm
Dimensions avec cadre – Hauteur : 36,5 cm ; Largeur : 43,5 cm

Élégante paire d’huiles sur cuivre présentant deux scènes de genre champêtres, « La Première rencontre » et « La Lecture ». « La Première rencontre » met en scène le moment où deux jeunes gens, probablement promis l’un à l’autre, se découvrent. Le père, moustachu et bedonnant, invite sa fille à faire la connaissance du jeune homme qu’il lui a choisi. Plutôt farouche, elle nous tourne le dos et plante un regard imperturbable dans les yeux du prétendant, main sur la hanche en signe de réticence. La petite dame de compagnie qui arrange sa robe tente un coup d’œil en direction du jeune, qui, l’air amène, sort une bouteille de vin du ruisseau où elle rafraichissait. Sa bonhomie et le nectar suffiront-ils à convaincre la jeune femme ? L’issue de cette rencontre se trouve peut-être dans le paysage, magnifié de fins glacis allant du bleu au crème, dépeignant un vaste paysage ainsi qu’un grand ciel bleu, probablement à l’image de la psyché du jeune homme, en opposition à celle tourmentée et hostile de la jeune femme figurée par la forêt.

« La Lecture » pourrait s’entendre comme le futur de son pendant. Ici, le couple est déjà formé, parents du petit garçon et de la fille en pleine séance de lecture. Tous sont absorbés par le récit de la jeune femme, le temps est clément, le vin est bu, la fidélité règne comme en témoigne le chien ; bref, l’heure est à la détente. Bien loin des a priori d’une première rencontre, « la Lecture » vante les mérites et les joies de la vie de famille et du mariage.

Comme pour beaucoup d’œuvres des XVIIe et XVIIIe siècles inspirées des Écoles du Nord, humour et morale se mêlent en adages picturaux, où l’on comprend que cette paire de cuivre invitait son, ou plutôt sa propriétaire originelle à garder foi en l’avenir, même si au premier abord un mariage de convenance puisse couper court à d’autres aspirations.  

œuvres en relation

Une autre paire de rencontres, sur panneaux cette fois-ci, est conservée au Belvédère de Vienne (n°inv. 4179 et 4181), où Janneck démontre une fois de plus sa dextérité dans le rendu des glacis.   

biographie

Franz Christoph Janneck est un peintre né à Graz en 1716. Il fut formé dans l’atelier de Matthias Vangus à Vienne où il fut actif de 1721 à 1728. Il fut ensuite l’élève de Joseph Orient à Francfort-sur-le-Main jusqu’en 1731. Il est probable qu’il s’initia alors aux peintures des Écoles du Nord, flamandes, hollandaises et rhénanes, qui influencèrent grandement sa production. L’essentiel de ses œuvres conservées témoigne d’une influence flamande marquée, notamment des peintres Jan Brueghel l’Ancien ou David Teniers le Jeune. En 1736, il est de retour à Vienne où il décèdera en 1761.

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Manufacture de Cristal 

Partie de service «Harcourt Empire»

France
Circa 1970

Cristal 

Elégante partie de service de verre en cristal taillé clair de Baccarat modèle Harcourt, dans sa somptueuse déclinaison dorée à l’or fin nommée Harcourt Empire, composée de :

–       18 flûtes à champagne
–        16 verres à eau
–        20 verres à vin rouge
–       24 verres à vin blanc
–       10 verres à liqueur
–       2 carafes et leur bouchon
–       2 cruches

Typique de ce modèle, le calice, orné sur le buvant de liserés dorés, est taillé à larges côtes plates à délicats motifs d’arabesques symétriques, des palmettes et des entrelacs appliqués avec une grande précision, offrant une silhouette évasée et puissante qui capte magnifiquement la lumière. La jambe, courte et robuste sur les verres à vin/eau, plus élancée sur les flûtes, est taillée à facettes et dotée d’un triple bouton central très marqué. Chaque pièce repose sur l’emblématique pied de forme hexagonale, véritable signature géométrique du modèle. La base de cet hexagone est soulignée par un filet d’or.

 Le modèle Harcourt a été créé en 1841 à l’occasion d’une commande pour le roi Louis-Philippe. Il s’agit du plus ancien modèle de Baccarat encore en production. Le décor doré « Empire » a été introduit plus tardivement, en 1925. La cristallerie Baccarat a commencé à apposer systématiquement cette estampille gravée à l’acide sur l’ensemble de sa production à partir de 1936. Avant cette date, les pièces portaient généralement une étiquette en papier qui disparaissait au lavage.

Biographie

La célèbre cristallerie de Baccarat, dont l’origine remonte au XVIIIe s., remporte sa première médaille d’or, à l’occasion de l’Exposition des Produits de l’Industrie de 1823, où elle est saluée pour “l’éclat et la finesse du cristal” et devient la première cristallerie de France. Baccarat est sans nul doute la seule industrie française qui est alors constamment et magistralement représentée au cours des différentes expositions auxquelles elle participe, remportant de ce fait les honneurs et de prestigieuses récompenses. Un maître-mot, “la perfection de la matière et de la taille”, revient dans tous les rapports d’Expositions Universelles entre 1855 et 1867, où la cristallerie Baccarat domine par la qualité de son cristal, jugé supérieur à ceux de Bohême et d’Angleterre.

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Manufacture de Cristal)
(attribué à)

Lustre Orientaliste

France
Circa 1890

Bronze doré, Cristal

Hauteur : 80 cm ; Diamètre : 60 cm

 Charmant lustre Orientaliste en bronze ciselé et doré et cristal clair et « rubis ». Le fût est formé de six montants tubulaires en bronze doré en forme de courbes et contre-courbes, d’où partent six bras de lumières finissant par des bobèches en forme de corolles, et des binets striés. Le sommet est couronné par un globe sphérique doré d’où s’échappent les premières volutes supérieures. L’ensemble est agrémenté d’un réseau de fines chainettes à mailles torsadées desquelles pendent de nombreuses pampilles et gouttes en cristal lisse et taillé, clair et « rubis »

Le style orientalisant de ce lustre se manifeste par l’entrelacement complexe de ses lignes sinueuses et par une polychromie chaleureuse associant l’éclat du bronze doré à la profondeur des cristaux teintés. Ce type de création répondait à la fascination de l’époque pour un Orient fantasmé, évoquant l’opulence des palais mauresques ou ottomans.

Biographie

La célèbre cristallerie de Baccarat, dont l’origine remonte au XVIIIe s., remporte sa première médaille d’or, à l’occasion de l’Exposition des Produits de l’Industrie de 1823, où elle est saluée pour « l’éclat et la finesse du cristal » et devient la première cristallerie de France. Baccarat est sans nul doute la seule industrie française qui est alors constamment et magistralement représentée au cours des différentes expositions auxquelles elle participe, remportant de ce fait les honneurs et prestigieuses récompenses. Un maître-mot, “la perfection de la matière et de la taille”, revient dans tous les rapports d’Expositions Universelles entre 1855 et 1867, où la cristallerie Baccarat domine par la qualité de son cristal, jugé supérieur à ceux de Bohême et d’Angleterre.

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Peintre (1816-1899)

« La jeune cavalière » et « La jeune fille au chapeau »

 École Française
Signés C^t Brochart

Circa 1870

Pastel sur papier

Hauteur : 45 cm ; Largeur : 31,5 cm
Avec cadre – Hauteur : 74 cm ; Largeur : 56 cm

Cette ravissante paire de pastels forme un pendant parfait et illustre avec brio le talent de Constant Joseph Brochart, portraitiste du XIXe siècle. Spécialiste des figures féminines vaporeuses et idéalisées, l’artiste cède ici à la mode du néo-rocaille qui fascinait tant la bourgeoisie du Second Empire, s’inspirant de l’élégance du siècle de Watteau et de Fragonard.

« La jeune cavalière », saisie de trois quarts, adresse au spectateur un regard doux mais assuré. Elle est vêtue d’un élégant costume fantaisiste, composé d’une veste blanche satinée aux reflets argentés, ceinturée d’une large écharpe corail. L’ample collerette en dentelle qui renvoie plutôt au XVIIe siècle et le chapeau de feutre gris, agrémenté de plumes d’autruche, encadrent un visage à la carnation de porcelaine. Elle tient délicatement de sa main droite une cravache, ajoutant une touche d’espièglerie à la composition.

En parfait écho au premier, « La jeune fille au chapeau » nous présente une jeune femme dans une tenue d’inspiration XVIIIe siècle. Elle porte une somptueuse robe bleue, richement rebrodée de motifs dorés et soulignée par d’abondants bouillonnés de dentelle aux poignets. Son visage candide est mis en valeur par un charmant chapeau de paille tressé et orné d’une guirlande de roses fraîches. Le traitement des tissus est remarquable, jouant sur les transparences de la mousseline et la lourdeur de la soie brodée. Elle tient dans ses bras un petit chien, ajoutant à la pureté de sa personne. 

Brochart démontre dans cette paire sa maîtrise de la technique du pastel, médium de prédilection pour traduire la douceur de la peau et la volatilité des étoffes. La lumière, habilement dirigée, vient caresser les visages de ces deux élégantes en faisant chanter les couleurs. 

biographie

Constant Joseph Brochart est né en 1816 à Pecq dans la province de Hainaut et décédé en 1899 à Paris. Étudiant aux beaux-arts de Lille où il obtint une médaille de première classe en 1837, il exposera au Salon de 1845 à 1862. Considéré comme le promoteur de la renaissance du pastel en France par le Journal des Artistes (14 mai 1899), il se spécialisa dans les portraits de dames élégantes qui firent sa renommée.

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Bronzier (1815 – 1903)
(attribué à)

Centre de table « Hercule ivre »

France
Circa 1870

Bronze patiné et doré

Hauteur : 42 cm ; Largeur : 37 cm ; Profondeur : 30 cm

Exceptionnel centre de table en bronze patiné et doré, illustrant un magnifique contraste entre l’éclat de la dorure et la profondeur de la patine brune. L’œuvre s’articule autour d’une composition allégorique et bacchique en trois parties.

De forme circulaire et évasée, la coupe simule un élégant travail de vannerie ajourée. La lèvre est richement ornementée d’une guirlande débordante de pampres de vigne, mêlant feuilles et généreuses grappes de raisin en fort relief. Le traitement naturaliste de la vigne rappelle l’abondance et les festivités dionysiaques.

Le fût est formé par deux figures en ronde-bosse en bronze patiné, représentant Hercule et une bacchante. Assis et gracieusement adossés, la bacchante est vêtue de drapés à l’antique révélant partiellement sa nudité. Hercule quant à lui porte la dépouille du lion de Némée qu’il vainc lors du premier de ses douze travaux. Les bras délicatement levés soutiennent la corbeille dans un mouvement fluide et théâtral. Le traitement de la patine permet de souligner la douceur des chairs, contrastant avec la minéralité et la brillance des éléments dorés.

L’ensemble repose sur une imposante base chantournée et mouvementée en bronze très richement doré. D’inspiration rocaille, la terrasse est nerveusement ciselée de puissantes feuilles d’acanthe, de rinceaux asymétriques, de volutes et de motifs de coquilles.

Cette pièce est caractéristique de la grande décoration du XIXe siècle, notamment de l’époque Napoléon III, qui se plaît à mélanger les registres. On y retrouve l’opulence du vocabulaire ornemental Louis XV marié à des figures classiques inspirées de l’Antiquité ou de la Renaissance. La très grande qualité de la ciselure et l’alternance des traitements de surface avec la dorure mat, brillante et la patine témoignent de l’excellence des bronziers et doreurs de cette époque.

Biographie

Guillaume Denière (1815-1903) fut l’élève du célèbre ornemaniste Aimé Chenavard (1798-1838) et de l’architecte Henri Labrouste (1801-1875). En 1844, Guillaume Denière succède à son père Jean-François, établi depuis 1804 rue Vivienne à Paris. L’entreprise est alors très prospère et quatre cents ouvriers travaillent à satisfaire les nombreuses commandes du roi Louis-Philippe et de la haute bourgeoisie. Il exécute des bronzes d’ameublement, des candélabres, des pendules ainsi que des surtouts de table en bronze doré. Il collabore avec de nombreux artistes parmi lesquels Carrier-Belleuse (1848-1913) et Constant Sévin (1821-1888). Il livre plusieurs pendules pour le palais des Tuileries en 1852 et une pendule « globe » à cadrans tournants pour le Grand Salon du Château de Bagatelle. Ses œuvres sont très souvent remarquées aux Expositions Universelles, à tel point que l’Empereur Napoléon III lui achète en 1867 une garniture de cheminée. Sa renommée s’étend à travers le monde, qui lui vaut de livrer un spectaculaire surtout en bronze en 1854 à l’ambassadeur de Russie, Kisselef, et des bronzes décoratifs au Vice-Roi d’Egypte, Saïd Pacha en 1862 ainsi qu’au roi du Cambodge, Norodom 1^er (Grilles de la Salle du Trône). A l’Exposition Universelle de 1889, il remporte une médaille d’or.

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France
Circa 1880

Bronze patiné et doré, Cristal

Hauteur : 136 cm ; Diamètre : 115 cm

Lustre à trente-six lumières d’inspiration orientale en bronze patiné, doré et cristal taillé et facetté, doté de deux réseaux d’éclairages indépendants, pouvant être allumés ensemble ou séparément. Centré autour d’un fût en balustres orné de rinceaux, de feuilles d’acanthe, de godrons, et d’un élément central en bronze patiné, bretté et décoré de motifs végétaux, ce splendide lustre incarne la splendeur et l’opulence des arts décoratifs de la fin du XIXe siècle.

Du fût central se déploient deux niveaux de bras de lumière en rinceaux gracieux terminés en bobèches feuillues et agrémentées de pétales en cristal. La cascade de cristaux taillés est d’une richesse exceptionnelle. Depuis la partie sommitale, perles de cristal, prismes à facettes, pendeloques en amande et dagues de cristal sont suspendus en abondance à chaque bras, à chaque bobèche et à la structure centrale, créant un jeu de lumière éblouissant. Une sphère de cristal taillé termine le lustre.

Le terme d’Orientalisme apparaît aux environs de 1830 alors que les XVII^ème et XVIII^ème siècles avaient déjà développé avec une grande fantaisie le thème de la « turquerie ». Ce goût tout empreint d’exotisme et de pittoresque se retrouve jusque dans la décoration des appartements privés de Marie-Antoinette ou du Comte d’Artois à la fin des années 1780. Mais c’est véritablement au XIX^ème siècle, avec l’expédition en Égypte menée par Bonaparte à partir de 1798, que le goût est donné pour l’Orient avec la beauté, l’érotisme, la lumière, mais aussi la fascination pour le mystère et la quête d’un « ailleurs ». Cependant la prise d’Alger par les Français en 1830 reste véritablement l’acte de naissance du mouvement artistique puisque le terme d’Orientalisme apparaît à ce moment-là.

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Bronzier (1860-1905)
(attribué à)

Paire d’Appliques aux Boucs

France
Circa 1870

Bronze doré

Hauteur : 57 cm ; Largeur : 33 cm ; Profondeur : 19 cm

Élégante paire d’appliques de style Louis XVI en bronze ciselé et doré, composé chacune d’un fût en forme de thyrse centré d’un macaron féminin, à cannelures et enroulement de feuilles, surmonté d’une pomme de pin. Sommés de têtes de boucs, les deux bras de lumière torsadés à enroulements d’acanthes terminant par des cornes d’abondance sont agrémentés d’aigles tenant entre leurs serres une guirlande de fleurs.

Le modèle est tiré d’un dessin attribué à Jean-Louis Prieur, vers 1780, conservé à la bibliothèque du Musée des Arts décoratifs à Paris.

Œuvres en relation

Des exemples du même modèle sont aujourd’hui conservés dans les plus grandes collections, comme cette paire de Pierre Gouthière du Château de Fontainebleau (n° inv. F 616 C.2), ou encore celle du Cleveland Museum of Art (n° inv. 1944.469.1)

Biographie

Henri Vian, bronzier actif dans la seconde moitié du XIXème siècle, réalisa de nombreuses ornementations d’intérieur : cheminées, vases à monture de bronze, lustres, balustrades… toutes de la meilleure qualité. Sa signature est habituellement en lettres cursives, avec l’initiale du prénom suivie du patronyme. Sur les œuvres tardives, seules les deux initiales h.V. y figurent. L’entreprise installée 5, rue de Thorigny à Paris (l’Hôtel Salé, actuel Musée Picasso), continua sous la direction de Madame Vian après le décès de son époux en 1905

Jean-Louis Prieur (1732-1795) est l’un des plus illustres bronziers de la période néoclassique, issu d’une famille d’artisans parisiens spécialisés dans les arts décoratifs. Actif de 1765 à 1775 environ, il est reçu maître sculpteur à l’Académie de Saint-Luc en 1765 et devient maître fondeur « en terre et en sable » en 1769. Il est décrit comme « sculpteur en ornements, modeleur et ciseleur ». Vers 1770, il exécute des dessins de modèles pour le bronze. En 1777, il vit au Faubourg Saint-Denis. Il exécute entre autres, les ornements en bronze doré du Carrosse du Couronnement du roi Louis XVI. Après sa faillite en 1778, Jean-Louis Prieur se réfugie dans l’Enclos du Temple sous la protection du comte d’Artois afin d’échapper à ses créanciers et à la juridiction royale. Son activité d’ornemaniste devient alors prédominante

Bibliographie

H. Ottomeyer, et alii, Vergoldete Bronzen, T. I, Klinkhardt & Biermann, Munich, 1986, p. 241.

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Bronzier (1822-1897)

« La partie de boules »

France
Circa 1870

Signé Détrier

Bronze patiné et doré

Hauteur : 35 cm ; Largeur : 38 cm ; Profondeur : 34 cm

Charmant groupe intimiste en bronze patiné à rehauts dorés figurant une scène de genre s’inscrivant pleinement dans le genre historiciste du XIXe siècle, qui se plaît à recréer avec nostalgie et précision l’élégance du XVIIIe siècle. Deux gentilshommes vêtus à la mode du milieu du XVIIIe siècle, plongés dans une partie de boules, sont assis autour d’une table de jeu, parfaite réalisation de miniaturisation d’ébénisterie avec ses pieds galbés ornés de chutes d’acanthe et de coquilles asymétriques typiques de l’art rocaille. La ceinture de la table est agrémentée d’une frise de godrons.

Ce bronze est un témoignage précieux du goût du XIXe siècle pour le Siècle des Lumières, figeant ainsi l’esprit de conversation, de loisir et d’élégance de cette époque révolue.

Biographie

Pierre-Louis Détrier (1822-1897) est un bronzier né à Vougécourt en Haute-Saône. Élève de Guérard, il débute au Salon en 1866 et reçoit une mention honorable en 1885 pour un groupe de marbre représentant La jeune mère (n°3616). Le Bulletin de la Société historique et archéologique de Langres écrit en 1890 à son sujet qu’il « a su se faire un nom parmi nos sculpteurs français » et rappelle ses œuvres les plus remarquées aux Salons des Champs-Élysées, parmi lesquels La jeune mère (1885) précitée, Le Nid (1889) ou encore Grande Sœur (1890). Il y participera jusqu’en 1896.

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Ébéniste (1839-1920)

Paire de Gaines de Présentation

France
Circa 1880

Estampille G. DURAND

Acajou, Bronze doré

Hauteur : 145 cm ; Largeur : 46 cm ; Profondeur : 30 cm

Belle paire de gaines de présentation en acajou moucheté ornées de bronzes ciselés et dorés dans un répertoire néoclassique de style Louis XVI. Le plateau rectangulaire, ceint d’une lingotière, est souligné par quatre agrafes de feuilles d’acanthe reposant sur un entablement à pans coupés. La face principale est décorée d’un cartouche central encadré d’une frise de perles, présentant de part et d’autre d’un pot à feu deux sphinges affrontées dont la queue se prolonge en rinceau d’acanthe garni de fines pampres et frises de perles. Les angles à pans coupés sont agrémentés de cannelures à feuilles de lierre et de pots à feu drapé se détachant sur des motifs de grecque et, sont prolongés en partie basse de cannelures rudentées terminant par quatre griffes de lion finissant en acanthe. Ils reposent sur un socle quadrilobé à pieds en toupies. 

Cette typologie de meubles dont la fonction principale était la présentation de luxueux objets d’apparat connaîtra un fort développement au XVIIe siècle, sous le règne de Louis XIV. À la fin du XVIIIe siècle et au début XIXe siècle, après la période rocaille alors considérée trop extravagante, le goût retourne au classicisme français du Grand Siècle. Cet intérêt s’associe à la mode pour l’acajou, héritée de Grande Bretagne, qui connaît un fort engouement dès la fin du XVIIIe siècle et se poursuivra jusqu’au XIXe.

biographie

Gervais Durand (1839-1920) participa à l’Exposition Universelle de 1889, où il obtint une médaille d’argent. D’après le rapport de l’Exposition d’A. Picard, « Mr Durand, ébéniste, aussi habile que modeste, expose pour la première fois des meubles de premier ordre, dont il est à la fois le dessinateur et l’exécutant ; il marche sur la voie tracée par les maîtres tels que Beurdeley et Dasson ». Il produisit presque exclusivement des copies de meubles du XVIIIe siècle.

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Peintre (1814-1878)

« Les petits déjeuners de Marly »

École Française
Signé J. Duval.L.C.

Exposé au Salon de 1846 au n°592

Huile sur toile

Dimensions avec cadre – Hauteur : 157 cm ; Largeur : 170 cm

Grande toile ovale figurant une fête galante dans le parc de Marly par un matin ensoleillé. Les convives, assis en cercle dans l’herbe, profitent de l’agréable temps estival, verres de vin à la main. Peut-être sont-ils déjà pris de boisson, en attestent les affaires d’un gentilhomme négligemment abandonnées au premier plan, le verre renversé et la proximité du groupe aux joues rosies, où chacun est presque avachi sur son voisin. Cette liesse n’est toutefois pas permise aux plus jeunes : l’enfant, attiré par la grappe de raisin, évocation du vin, est retenu par sa mère en marge du cercle qui lui retire le fruit du nectar. Non loin derrière coule une fontaine où est maintenue au frais la prochaine bouteille que les serviteurs, attentifs, apporteront. Un lévrier, symbole de fidélité, détourne le regard du groupe, laissant présager la suite des évènements.

Ce tableau s’inscrit dans la tradition picturale des fêtes galantes, genre né en France au XVIIIe siècle sous les pinceaux de Watteau, Boucher ou encore Fragonard. Le siècle des Lumières se caractérise par une libération du carcan social, moral, et de l’étiquette : sont donc mises à l’honneur ces scènes où il fait bon vivre, loin de l’austérité imposée par la cour. Ainsi, les personnages de notre tableau sont tous vêtus et portent des perruques à la mode du XVIIIe siècle. Il convient d’en souligner la maîtrise de l’harmonie des couleurs, vert acide, rose pâle et bleu poudré, et de la lumière, que lui reconnaît déjà le jury du Salon en 1838. Cette « palette personnelle » répondait-elle sans doute à la sensibilité des années 1840.

Le cadre en bois doré d’origine rajoute à la superbe de l’œuvre : un tors de roses, marguerites, fruits et feuilles enrubanné poursuit le répertoire champêtre de la toile par un jeu de volumes fort agréable. Le tout est comme suspendu par un ruban plissé, et ceint de part et d’autre d’une frise de perles.

biographie

Formé dans l’atelier de son père Pierre Duval Le Camus puis élève à l’École des beaux-arts de Paris dans les ateliers de Drölling et Delaroche, Jules-Alexandre Duval Le Camus (1814-1878) était un artiste peintre français. En 1838, il termine second au Prix de Rome de 1838 en peinture, puis participa au Salon dès 1840, et ce, jusqu’en 1867. Son domaine de prédilection fut la peinture religieuse, la peinture d’Histoire, souvent représentée au Salon ainsi que dans quelques églises de France où sont encore exposées ses œuvres. Dans la tradition de son père, il produit toutefois plusieurs scènes de genre. Il fut également un grand collectionneur de dessins, aujourd’hui dispersés dans les grands musées du monde.

bibliographie

– « Beaux-Arts. Exposition du Louvre en 1846 » dans L’Étoile : revue du progrès […], 1ère année, 1ère série, 22 mars 1846, p. 118 ;
– « Beaux-arts. Salon de 1846 » dans M. de Murville, L’Indépendant, 19e année, 17 avril 1846, p.1 ;
– « Beaux-arts. Salon de 1846. Septième article » dans Gazette nationale ou le Moniteur universel, 27 avril 1846, Paris, p. 1105 ;
– L’Illustration, Journal Universel, n°167, Vol. VII, 9 mai 1846, Paris, pp. 153-154, repr. p.153.

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Compagnie des marbres Onyx d’Algérie (1879-1886)

Jardinière Japonisante

France – Circa 1880

Gravée Sté des onyx ; H. Journet & Cie ; 24 Bd Italiens ; 3167

Bronze doré, Onyx d’Algérie

Hauteur : 30 cm ; Largeur : 32 cm ; Profondeur : 28 cm

Belle jardinière en onyx rubané d’Algérie montée de bronze doré. Reposant sur quatre pieds reliés par des tabliers au cul-de-lampe dans un répertoire japonisant fantasmé, cette jardinière dispose de deux anses en bronze doré, chacune retenue à la panse par une gueule de chien de Phô. Le corps se resserre vers le col et s’évase en une frise tournante de lambrequins japonisants.

Elle est signée en dessous d’un cachet « Sté des onyx ; H. Journet & Cie ; 24 Bd Italiens ; 3167 » qui indique l’origine de l’onyx, sa monture en bronze doré et le numéro de modèle.

Biographie

La Compagnie des Marbres Onyx d’Algérie, dirigée par Gustave Viot (1828 – 1897), et créée par Alphonse Pallu (1808-1880) le 14 juin 1858. Cette compagnie se réfère à l’exploitation de l’onyx, connu depuis l’Antiquité et redécouvert en 1849 dans la province d’Oran en Algérie par Del Monte, un marbrier. Elle ouvrit en 1863 un magasin au n°24 du Boulevard des Italiens à Paris. Au milieu des années 1860, le nom de la compagnie changea pour « G. Viot & Cie » and produisit à partir de modèles de sculpteurs renommés, tels Eugène Cornu, Albert Carrier-Belleuse (1824-1887) (Victoria & Albert Museum, Inv. 9070-1863), Charles Cordier (1827-1905)(Orsay, Inv. RF 2996) ou Louis-Ernest Barrias (1841-1905) (Orsay, Inv. RF 1409) des œuvres décoratives de grand luxe ayant pour particularité d’associer l’onyx au bronze, et parfois l’émail. Ils présentèrent ainsi sur leur stand à l’Exposition Universelle de Paris en 1867, une impressionnante paire de vases en onyx, bronze et émail avec leurs sellettes à figures d’éléphants (signée « G. Viot et Cie, Exposition de 1867, Eugène Cornu Inventeur » ; Catalogue Officiel de l’Exposition, groupe III, classe XIV, « meubles de luxe », n°65) qui admirée du jury, leur rapporta une médaille d’or (Rapports du Jury International, Exposition Universelle de 1867 à Paris, 1868, t. III, groupe III, classe XV, chapitre II, § 2, p°45 & 46). En janvier 1879, Henri Journet devient gérant de la compagnie, toujours située au 24 Boulevard des Italiens, qu’il renomme Henri Journet et Cie. Il participera à l’exposition de 1884 au Palais de l’industrie où sa production sera une nouvelle fois acclamée. Début 1886, la compagnie fermera ses portes.

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Ébéniste et bronzier (1825-1896)

Commode à Portes 

France

Estampillée H. DASSON et datée 1880

Acajou, Bronze doré, Marbre

Hauteur : 94 cm ; Largeur : 152 cm ; Profondeur : 55 cm

Exceptionnelle commode de style Louis XVI en placage d’acajou flammé à léger ressaut central, ouvrant par trois portes surmontées de tiroirs agrémentés d’une riche ornementation en bronze ciselé et doré au mercure de branches de feuilles enrubannées et de guirlandes de roses. Les portes, encadrées de moulures feuillagées en bronze doré, sont ornées de festons de fleurs, de fruits et de feuilles suspendus à des rubans. Les angles sont supportés par d’élégantes et complexes colonnes cannelées et feuillagées à pattes de lion, surmontées de chapiteaux Corinthiens. Le même décor se poursuit sur les côtés, également décorés de pilastres à décor de vases à l’antique fleuris. Le tablier est fleuri d’une couronne de roses entourées de branches de lys. L’ensemble repose sur six pieds toupie à sabots feuillagés et est coiffé d’un dessus de marbre Sarrancolin souligné d’une frise d’oves.

Cette commode d’Henry Dasson, aux bronzes d’origine remarquablement bien conservés, illustre avec éclat la virtuosité des grands ateliers parisiens de la fin du XIXᵉ siècle, où l’ébénisterie et le bronze d’ameublement atteignent un degré de perfection rarement égalé. La qualité de la ciselure des bronzes dorés constitue bien davantage qu’un simple enrichissement décoratif : elle participe pleinement à l’architecture de l’œuvre et à son langage stylistique.

œuvre en relation

Cette commode d’Henry Dasson, reproduite également par d’autres grands ébénistes du XIXe siècle tels Joseph Emmanuel Zwiener et François Linke, s’inspire d’un modèle de Martin Carlin dont les panneaux en laque ont été achetés par les frères Darnault lors de la vente après décès du duc d’Aumont en 1782, livré en 1785 pour le grand cabinet de Mme Victoire (1733-1799), fille de Louis XV, au château de Bellevue, maintenant conservée a Musée du Louvre (OA 5498)

biographie

Ebéniste et bronzier, Henry Dasson exécuta de somptueuses copies de meubles royaux du XVIIIème siècle et quelques créations d’inspiration similaire. Ses meubles et objets d’art étaient ornés des plus beaux bronzes, dorés au mercure. Dasson acheta le fonds d’atelier du célèbre ébéniste parisien Charles Winckelsen, après sa mort en 1871, et produisit principalement dans les styles rocaille et néoclassique. Il participa brillamment aux différentes Expositions Universelles, comme à celle de 1878 à Paris, où il fut particulièrement remarqué par le jury en exposant une copie du célèbre bureau de Louis XV (original conservé au Château de Versailles), et une table de style Louis XVI, réalisée tout en bronze et considérée comme « un chef-d’œuvre de ciselure ». A l’Exposition Universelle de 1889, Dasson obtint un grand prix pour ses meubles jugés admirables. Sa grande notoriété ne subit pratiquement aucune concurrence.

Martin Carlin (1730-1785) est un célèbre ébéniste français, d’origine allemande, reçu maître en 1766. À la demande des marchands-merciers Poirier et Daguerre, diffuseurs d’objets d’art installés rue Saint-Honoré, Martin Carlin s’est spécialisé dans une production haut de gamme. Dans ses meubles de grand luxe, il a fréquemment inclus des plaques de porcelaine peintes, des panneaux de laque ou des mosaïques de pierres dures. Il concevait ses meubles à la demande de l’élite sociale de l’époque : la famille royale (Marie-Antoinette, Marie-Joséphine de Savoie comtesse de Provence, Madame Adélaïde, Madame Victoire pour leur château de Bellevue), la haute aristocratie (duchesse de Mazarin), les femmes en vue (Madame du Barry, la comédienne Marie-Josèphe Laguerre). Après son décès en 1785, son fils, Georges-Antoine Carlin, reprendra l’atelier familial pour perpétuer le travail de son père jusqu’au début du XIXe siècle et sa veuve se remariera avec Gaspard Schneider, ébéniste (reçu maître en 1786), qui reprendra également l’atelier, et travaillera aussi pour Daguerre, poursuivant l’œuvre de son prédécesseur. 

bibliographie

– D. Alcouffe, A. Dion-Tennenbaum, A. Lefébure, Le Mobilier du Musée du Louvre, T.1, Edition Faton, 1993,  p 254-257.

– Alexandre Pradère, Les ébénistes français de Louis XV à la Révolution, Éditions Le Chêne, 1989,  p 343-361.

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Menuisier (1743 – 1802)
(attribué à)

Ensemble de six fauteuils

France
Circa 1780

Hêtre

Hauteur : 93 cm ; Largeur : 59 cm ; Profondeur : 53 cm

Rare ensemble de six fauteuils cabriolets en hêtre sculpté et peint blanc crème. Reposant sur quatre pieds fuselés et cannelés, l’assise évasée est soutenue par un jeu de traverses ornées d’une frise de feuilles d’eau et recevant au cul-de-lampe un trophée d’armes composé de torches, d’un carquois à empennage et d’un masque. Des dés de raccordement ornés d’une rosace se développent les consoles d’accotoirs et les accotoirs-mêmes, moulurés jusqu’au dossier ovale, dit en médaillon. Au sommet de celui-ci trône un second trophée d’attributs, mêlant torche, carquois, phylactère et couronne de feuilles. L’assise, le dossier et les accotoirs sont garnis d’un velours bleu gaufré à décor floral.

œuvres en relation

La finesse de la sculpture du bois est à rapprocher de celle du menuisier en sièges Jean-Baptiste III Lelarge (1743-1802), reçu maître en 1775, dont une chaise d’appoint semblable à notre rare ensemble est conservée au Metropolitan Museum de New-York (n°inv. 23.147.3), ou à l’élégante paire de fauteuils en bois doré du Musée Nissim de Camondo (n°inv. CAM 648.1 et CAM 648.2).

Chaise d’appoint, d’une paire
J.-B. III Lelarge
Circa 1775-1780
New-York, Metropolitan Museum, n°inv. 23.147.3

© Les Arts Décoratifs / Jean Tholance

Paire de fauteuils en cabriolet
J.-B. III Lelarge
Circa 1780
Paris, Musée Nissim de Camondo, n°inv. CAM 648.1 et CAM 648.2

Biographie

Jean-Baptiste III Lelarge fut l’un des meilleurs menuisiers en sièges du règne de Louis XVI. Il prit la suite de son père Jean-Baptiste II Lelarge et travailla pour une riche clientèle française et étrangère, parmi laquelle le roi du Portugal. Les sièges de Jean-Baptiste Lelarge témoignent, en majorité, d’une très belle apparence : robustes, sans lourdeur, rigoureusement construits, impeccablement assemblés, ils sont ornés de simples moulures ou de sculptures fines et incisives, bien réparties, sans surcharge. Dans les modèles de Lelarge, on constate une prédominance des sièges à dossier médaillon, que l’on rencontre aujourd’hui en assez grand nombre. Ce dossier est fréquemment supporté par deux montants incurvés, sculptés de feuilles d’acanthe. 

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France
Circa 1890

Bronze, Émail

Hauteur : 67 cm ; Largeur : 69 cm ; Profondeur : 54 cm

Belle paire d’appliques en bronze doré et émail cloisonné d’inspiration orientale. D’un élégant enroulement central évoluent cinq bras de lumière, terminés par des bassins présentant un décor d’émail polychrome cloisonné en un répertoire floral d’inspiration orientaliste. Chaque bassin est surmonté de sa bobèche, évoquant un calice ou une fleur. Elles répondent aux quatre clochettes végétales disposées de part et d’autre de l’axe central ainsi qu’à la tige bourgeonnante sommitale et aux rangs de perles. Le tout est retenu par une patère murale au centre d’un cartouche ajouré, constituant l’applique-même. Des volutes et agrafes légèrement godronnées adoucissent les extrémités pour terminer en délicates fleurs en éclosion.

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Sculpteur ( ?-1897)

« Triton et Sirène »

France
Circa 1890

Signée G. de Kerveguen

Bronze

Hauteur : 56 cm ; Largeur : 52 cm ; Profondeur : 33 cm

Rare paire d’appliques en bronze patiné, argenté et doré figurant un Triton et une Sirène en pendant, chaque applique disposant de trois bras de lumières. 

Le couple, remarquablement traité en ronde-bosse, adopte la même posture dynamique et pittoresque, soufflant dans une conque. Les personnages traités avec vigueur de modelé semblent s’extirper de feuillages aquatiques, tiges ondoyantes et volutes végétales qui constituent ingénieusement les bras de lumière. Le contraste entre la patine brune charnelle et nuancée des corps et la dorure éclatante des feuillages renforce la richesse plastique de l’ensemble.

Biographie

Georges De Kerveguen (?-1897) est un sculpteur et bronzier décorateur actif en France dans la seconde moitié du XIXᵉ siècle. Son œuvre s’inscrit dans la tradition éclectique et historiciste qui caractérise les arts décoratifs sous le Second Empire et les débuts de la Troisième République. Il est particulièrement apprécié pour ses compositions ornementales inspirées de la mythologie gréco-romaine, du répertoire marin et des allégories classiques.

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Ébéniste et bronzier (1855-1946)
(attribué à)

Console d’apparat

France
Circa 1890

Marbre, Bois doré

Hauteur : 90 cm ; Largeur : 180 cm ; Profondeur : 63.5 cm

Belle console d’apparat de style Régence, réalisée en bois sculpté et doré. Le piétement repose sur quatre pieds traités en double courbure, dont le mouvement est souligné par une abondante sculpture de feuilles d’acanthe nervurées. Ces volumes végétaux épousent le galbe du bois et se prolongent jusqu’à des enroulements robustes, conférant à l’ensemble une impression de souplesse maîtrisée et de monumentalité. L’ensemble est stabilisé par une entretoise en X, dont les branches sinueuses se rejoignent au centre par des volutes en une importante palme finement sculptée, dévoilant ici toute la dextérité de son ébéniste.

La ceinture en bois doré, ingénieusement ajourée dans une composition rigoureusement symétrique caractéristique du style Régence, manifeste une richesse décorative florale où la matière est parfaitement maîtrisée. De vigoureux rinceaux d’acanthe ponctués de chutes et guirlandes de fleurs courent sous la gorge du plateau. Au centre, un mascaron au doux visage féminin sculpté en haut-relief émerge des fleurs. L’ensemble est coiffé d’un plateau en marbre mouluré « Fleur de Pêcher » à profil chantourné. 

Œuvre en relation

Photographie d’inventaire de François Linke, console n°1890.

La qualité de la sculpture du bois de notre console est à rapprocher de l’œuvre de François Linke, ébéniste virtuose dans la finesse et les ajours. S’il maîtrise parfaitement les styles anciens, il les surpasse ici en ajoutant un remarquable jeu de volumes, conférant une vie aux éléments végétaux. À l’instar des modèles inventoriés de Linke, telle cette console de style Louis XV (n°inv. 1890), l’évidement de la matière à son point d’acmé participe à la renommée de l’artisan. 

Biographie

François Linke, né en Bohême (Tchécoslovaquie) en 1855, débuta comme ébéniste vers 1882 et exerça à Paris jusqu’à sa mort, en 1946, au faubourg Saint-Antoine. Vers 1900, à l’apogée de sa carrière, il adjoignit même une succursale, place Vendôme. Il s’était spécialisé dans la fabrication de meubles de style Louis XV et Louis XVI, ambitieux tant par leurs dimensions que par leur somptueuse ornementation de bronzes, ce qui lui valut de nombreuses commandes dès la fin du XIXème siècle. Désirant aller au-delà des copies de style XVIIIème, Linke collabora avec le déjà célèbre sculpteur Léon Messagé et intégra les lignes sinueuses annonçant l’Art Nouveau, développant ainsi un style très personnel. L’un de ses grands succès fut remporté à l’Exposition Universelle de 1900, où le jury lui décerna la médaille d’or pour son bureau, dessiné par Messagé, en bois de violette, monté de bronzes d’esprit Louis XV. La « Revue artistique et industrielle » glorifia Linke en écrivant que son stand à l’Exposition était la plus grande démonstration jamais réalisée dans l’histoire du mobilier d’art.

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Peintre (1816-1889)

« Derniers jours de bonheur à Pompéi »

École Belge
Signé et daté 1863

Exposé au Salon de 1863, n°452

Huile sur toile

Hauteur : 118 cm ; Largeur : 135 cm

Beau tableau représentant une scène de vie familiale dans un intérieur idéalisé pompéien, avec des panneaux muraux typiques du Quatrième style, encadrant des scènes mythologiques comme une Vénus dans une coquille, des frises de personnages défilant, des chimères. Allongés sur un lit, un couple se repose, devant lequel deux enfants nus sur une somptueuse peau de léopard et une jeune fille jouent innocemment aux osselets, un passe-temps antique très populaire souvent documenté dans l’art romain. À gauche, un jeune garçon brandit un imposant masque de théâtre grotesque, provoquant l’aboiement d’un petit chien. Une servante, debout à gauche, une coupe de fruits, symbole d’abondance et de raffinement.

Cette œuvre est un exemple parfait de la peinture académique du XIXe siècle, et plus particulièrement du mouvement néo-grec (ou « style pompéien »). Fortement influencé par les découvertes archéologiques de Pompéi et d’Herculanum, Coomans s’est spécialisé dans la représentation idéalisée et anecdotique de la vie domestique antique. Loin des grands récits héroïques ou mythologiques, le peintre offre ici une scène de genre intime, célébrant l’otium (le temps de loisir) romain.

biographie

Pierre-Olivier-Joseph Coomans (1813-1889) est un peintre de genre et d’histoire belge, formé par Nicaise de Keyser et le baron Wappers à l’Académie royale des beaux-arts d’Anvers. En 1843, la reine Louise-Marie d’Orléans l’envoie en Algérie pour suivre l’armée française en Kabylie. Il y rencontre le peintre militaire Horace Vernet. Ses trois séjours en Algérie (1843, 1844 et 1845) introduisent l’orientalisme dans son œuvre. Il est récompensé d’une médaille de vermeil au Salon de Bruxelles de 1848 pour Dernière charge d’Attila à la bataille de Châlons-sur-Marne.
En 1855, il se fixe dans les environs de Naples et les fresques romaines de Pompéi lui font progressivement abandonner l’orientalisme au profit de scènes romantiques napolitaines, puis d’un nouveau genre dit « style pompéien ». En 1860, il se fixe à Paris et évolue alors vers un classicisme académique. D’octobre 1888 à juin 1889, il séjourne à Philadelphie et à New York, y peignant surtout des portraits.

bibliographie

• J. Girard de Rialle, À travers le Salon de 1863, Paris, 1863, pp.63-64 ;
• Explication des ouvrages de peinture […] exposés au palais des Champs-Élysées le 1^er Mai 1863, Paris, 1863, p. 57, n°452.

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Éditeur de mobilier et d’objets d’art
(Maison active de 1799 à 1885)
(attribué à)

Vase aux Tritons

France
Circa 1860

Cristal, Bronze

Hauteur : 86,5 cm ; Diamètre base : 30 cm

Grand vase de forme amphore à pans coupés en cristal rouge rubis. Il est rehaussé d’un dense réseau de décors peints à l’or fin arabesques, fleurons, entrelacs. Le col, élancé et légèrement évasé, est décoré d’une monture en bronze doré d’arabesques, de rinceaux, de motifs floraux et de grands fleurons étoilés à sa base. Deux tritons en ronde-bosse ornent les côtés ; leurs corps se prolongent en feuilles d’acanthe et de leurs bras jaillissent les anses en volutes végétales.

L’ensemble repose sur un piédestal en bronze ciselé et doré composé de trois parties : un socle orné d’une frise de palmettes entrelacées, surmonté de figures soutenant des festons décoratifs, et terminé par une collerette à décor de feuilles d’eau.

Biographie

Alphonse Giroux et Cie, célèbre magasin de tabletterie et de curiosités situé à Paris, 7 rue du Coq-Saint-Honoré, dont l’activité s’étend du Consulat à la fin du Second Empire. Cette entreprise est créée par François-Simon-Alphonse, puis dirigée à partir de 1838 par ses deux fils Alphonse-Gustave (1810-1886) et André (1801-1879). C’est à l’Exposition des Produits de l’Industrie en 1834, que la maison Giroux, spécialisée dans la fabrication d’objets raffinés, obtient une médaille d’argent. Louis XVIII, puis Charles X se fournissent en cadeaux chez Giroux pour « les Enfants de France ». Exécutant peu à peu des petits meubles, ils apparaissent pour la première fois en 1837 sous la rubrique « Ebénistes » dans l’Almanach de Paris. Cependant, c’est Alphonse-Gustave qui donne véritablement de l’expansion à leur activité, comme en témoigne le rapport du jury de l’Exposition des Produits de l’Industrie de 1839, le récompensant d’une Médaille d’argent. Il figure alors au 1er rang des commerces de luxe. A. Giroux participe à l’Exposition Universelle de Paris en 1855, où il présente un bonheur-du-jour en tilleul, sculpté d’un décor naturaliste luxuriant, et que l’impératrice Eugénie achète pour son palais de Compiègne. A. Giroux transfère en 1857 sa boutique 43, boulevard des Capucines et y exerce jusqu’en 1867, date à laquelle il cède sa maison et son enseigne à son cousin Ferdinand Duvinage et Harinkouck.

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Créateur et Marchand-éditeur
(attribué à)

Jardinière

Chine, époque Daoguang (1820-1850)
France, circa 1875

Bronze, Émail

Hauteur : 41,5 cm ; Largeur : 50 cm ; Profondeur : 34 cm

Élégante jardinière formée d’une coupe en émail polychrome, à monture en bronze patiné et doré. Elle repose sur quatre pieds en volute à tête d’éléphant dans une patine noire à rehauts dorés sur les parties saillantes. Les pachydermes sont reliés par des lambrequins orientalisants ajourés et dorés, suspendus à une succession de frises, parmi lesquelles perles, médaillons ou encore rais-de-cœur. La panse présente un élégant décor émaillé à fond bleu cloisonné d’or aux motifs de branches fleuries et papillons. Se démarquent deux médaillons à fond noir, ornés du même répertoire iconographique. Les anses prennent la forme de deux dragons orientaux en bronze, patinés et dorés à l’instar des éléphants constituant les pieds. Les créatures sont retenues à la lèvre de la jardinière par leur queue.

Longue est la tradition européenne de monter en bronze toutes variétés d’objets, de la noix de coco au nautile ou encore les porcelaines chinoises. Le travail du bronzier était alors de sublimer ces curiosités et chefs-d’œuvre venus d’ailleurs. Héritiers de cette pratique, les fondeurs et artisans bronziers de la fin du XIXe siècle ne dérogèrent pas à la règle : Barbedienne, Maison Marnyhac ou encore l’Escalier de cristal sont tant de firmes qui s’adonnèrent à cette pratique, l’adaptant au goût de l’époque. De ce fait, nombre d’objets émaillés à fond bleu et à décor de fleurs caractéristiques de la production chinoise du XIXe siècle furent montés, comme des tables à thé, des guéridons, ou des jardinières.

biographie

L’Escalier de Cristal, ancienne et célèbre maison parisienne, spécialisée dans la céramique et la verrerie, mais proposant également du mobilier, des bronzes d’art et d’ameublement, avait été reprise à partir de 1885 – jusqu’en 1923 – par les fils d’Emile Pannier qui constituèrent Pannier Frères, à l’angle des rues Scribe et Auber, à côté du nouvel Opéra. Leurs créations d’inspiration extrême-orientale étaient entre autres grandement appréciées du public et de la critique. La maison remporta de multiples récompenses et médailles aux différentes expositions, dont la médaille d’or à l’Exposition Universelle de Paris en 1900. Dans le domaine du mobilier influencé par l’Extrême-Orient, Majorelle de Nancy, Edouard Lièvre ou Gabriel Viardot collaborèrent également au succès des Frères Pannier. Certaines de leurs œuvres sont visibles dans les plus grands musées, tels que celui de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg, le Musée d’Orsay ou le Corning Museum of Glass de New York. La maison étant parfois propriétaire exclusive des modèles, ses meubles et objets décoratifs n’étaient souvent signés que par l’Escalier de Cristal, quelquefois à côté de la signature de l’artiste. Elle avait aussi un véritable rôle créateur en personnalisant ces œuvres par de superbes bronzes dorés, des plaques en émail cloisonné, des plaques de verre à décor japonisant ou incluant également des éléments japonais authentiques.

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Bronzier (1860-1905)
(attribué à)

Élégante Suspension 

France
Circa 1880

Bronze doré, Marbre

Hauteur : 117 cm ; Diamètre : 110 cm

Élégante suspension d’inspiration Louis XVI à douze lumières en marbre et bronze doré, formée d’une vasque hémisphérique finissant par un cul-de-lampe en bronze doré composé d’une rosace à godrons centrée d’une graine. Elle est entourée d’un large tore de feuilles de laurier enrubanné d’où partent les six double-bras de lumières feuillagés. La vasque est suspendue par six élégantes chaînes articulées composées de maillons ovales plats alternant des losanges ajourés et des rosettes, et rattachées à une sphère lisse par des graines. L’ensemble est couronné par un large pavillon supérieur orné d’une galerie ajourée à volutes et rinceaux.

Biographie

Henri Vian, bronzier actif dans la seconde moitié du XIXème siècle, réalisa de nombreuses ornementations d’intérieur : cheminées, vases à monture de bronze, lustres, balustrades… toutes de la meilleure qualité. Sa signature est habituellement comme ici en lettres cursives, avec l’initiale du prénom suivie du patronyme. Sur les œuvres tardives, seules les deux initiales h.V. y figurent. L’entreprise installée 5, rue de Thorigny à Paris (l’Hôtel Salé, actuel Musée Picasso), continua sous la direction de Madame Vian après le décès de son époux en 1905.

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Bronziers (XIXe siècle)
(attribué à)

Lustre aux Acanthes

France
Circa 1870

Cristal, Bronze patiné et doré

Hauteur : 130 cm ; Diamètre : 100 cm

Exceptionnel lustre d’inspiration Louis XVI à douze lumières en bronze patiné « canon de fusil » et doré, richement orné de rosettes, de guirlandes, de perles, de prismes et de pampilles en cristal facetté et taillé. Le fût central, formé d’un bassin à drapé gravé d’entrelacs au culot décoré de feuillages et finissant par des glands, est surmonté d’une colonne cannelée sommée d’une urne. Il distribue deux rangées de six bras de lumières torsadés à double volutes, soulignés de feuilles d’acanthe, à bassins traités en feuilles de palmier et graines retombantes et agrémentés de carquois et de torches. Le couronnement du lustre est formé de lambrequins finement ciselés, suspendus entre trois montants architecturés richement garnis de feuilles d’acanthe retombantes et de glands. La partie supérieure s’évase en un panache de feuilles d’acanthe tourbillonnantes.

biographie

Lacarrière crée en 1825 une fabrique au 3 bis, rue Sainte-Elisabeth. Simple artisan, il se spécialise et excelle dans l’application du bronze dans les appareils d’éclairage. Il obtient dès 1834 une mention honorable, en 1839, une médaille de bronze et en 1844, une médaille d’argent pour un grand candélabre à pied triangulaire, préfigurant celui présenté à l’Exposition Universelle de Londres en 1862. Il participe également à la conception du lustre pour le théâtre de la Reine à Londres. De 1851 à 1870, il changea plusieurs fois de raison sociale.
Lacarrière, Delatour et Cie (actif en 1870) ont fondu et ciselé la majorité des lampadaires, candélabres et lustres de l’Opéra de Paris, dont celui de la salle, dessiné par Charles Garnier, l’architecte de l’Opéra, et modelé par Corboz. Lors de l’Exposition Universelle de 1878, le catalogue tient à rappeler que « leur exposition témoigne d’une grande habilité et d’un goût très pur dans les bronzes d’éclairage destinés à l’habitation privée ». En 1900, l’entreprise nommée Lacarrière et Cie fournit les quatorze monumentaux candélabres du pont Alexandre III, à Paris ; véritable tour de force à l’époque, puisque la plus importante de ces pièces pèse 667 Kgs, pour une hauteur de 4,50 m et un diamètre de 4,70 m.

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Bronzier (Actif de 1853 à 1918)
(attribué à)

Paire de Brûle-Parfums

France
Circa 1870

Améthyste, Bronze doré

Hauteur : 37 cm ; Diamètre : 13 cm

Belle paire de brûle-parfums de style Louis XVI en améthyste, agrémentée d’une élégante monture en bronze finement ciselé et doré. La panse de forme ovoïde, est surmonté d’un couvercle à prise en bronze doré, et ceinturée d’une galerie ajourée ornée d’une frise de feuilles de chêne, et se termine par un décor de feuillages centré d’un motif de graine. Ils sont agrémentés de trois montants sommés de têtes de bélier tenant un anneau torsadé formant les anses, et se terminent par des sabots feuillagés, reposant sur une base tripode moulurée et concave décorée d’une frise de feuilles d’eau.

Réputée pour la qualité de sa ciselure et le choix des matériaux, la Maison Millet disposait d’un grand atelier où travaillaient de nombreux ouvriers, utilisait ses propres maîtres-modèles de bronze et bénéficiait de collaboration avec de célèbres sculpteurs et bronziers comme Claude Marioton. 

Vue d’un stand de la Maison Millet présentant un modèle de brûle-parfums à têtes de bélier similaire aux nôtres.

Biographie

La maison Millet T. fut fondée à Paris en 1853. Spécialiste de grand talent dans la reproduction de mobilier du XVIII^e siècle, Millet exécuta des meubles et des bronzes d’art de très haute qualité. Il fut l’un des très rares ébénistes à obtenir l’autorisation du château de Versailles pour réaliser la réplique du célèbre serre-bijoux de la reine Marie-Antoinette. Artiste de grand mérite, il obtint les plus hautes récompenses, telle la Médaille d’Or à l’Exposition Universelle de Paris en 1889 durant laquelle il expose pour la première fois, ou le Grand Prix à l’Exposition Universelle de 1900. Les archives photographiques montrent, parmi les vues d’atelier et de son magasin parisien, le stand de Millet à l’Exposition Universelle de Saint-Louis (Etats-Unis) en 1904. Le rayonnement de cette maison à l’international se fait alors par le biais de son antenne à New-York « Duryea and Potter » 469 fifth avenue, New-York. La Maison Millet subsista jusqu’en 1918.

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France
Circa 1880

Bois peint et doré, Marbre Brèche

Hauteur : 78,5 cm ; Diamètre plateau : 29,5 cm ; Base : 32 x 32 cm

Belle paire de sellette en bois sculpté peint et doré, d’inspiration Régence, composé d’un fût central circulaire orné de bagues saillantes godronnées et d’acanthes, entouré de trois montants en console à double galbe soulignées de culots de feuilles d’acanthe, creusés de canaux et agrémentés de filets dorés. Sommées d’un plateau en marbre Brèche mouluré, elles reposent sur une base tripartite aux côtés concaves.

Ce modèle est un classique des arts décoratifs de la première moitié du XVIIIe siècle. Il dérive des dessins d’ornemanistes représentant des torchères à fûts évidés et montants en volutes pour les intérieurs royaux. À l’origine, ces meubles servaient à porter des candélabres (d’où le nom de torchère) pour éclairer les galeries, ou à exposer des bronzes, des porcelaines de Chine et des bustes.

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Créateur de luminaire d’art (depuis 1840)
(attribué à)

Lustre aux Palmettes

France
Circa 1890

Bronze patiné et doré

Hauteur : 110 cm ; Diamètre : 75 cm

Élégant lustre de style Empire à huit lumières en bronze patiné et doré, formé d’un large bandeau en bronze patiné délimité par une frise de rais-de-cœur sur l’arête supérieure, et un tore sur l’arête inférieure. Il est sommé de couronnes tressées mêlant fleurs et lauriers, centrées d’un cœur en palmette et reposant sur un faisceau croisé. La surface du bandeau est rythmée par des rinceaux feuillagés symétriques encadrant des rosettes épanouies et des rubans plissés et enroulés entourant des têtes de lion surmontés de cygnes, point d’encrage des bras de lumière. Les huit bras de lumière sont en forme de trompettes ornées d’acanthes et se terminent par des bobèches circulaires à frise de feuilles, surmontant des binets évasés ciselés de palmettes.
Le lustre est suspendu par quatre tiges rigides ornées de médaillons ovales à décor du dieu Mercure réunies à un plafonnier à décor de palmettes évasées. Suspendu sous le bandeau principal par quatre chaînes à maillons géométriques, le cul-de-lampe adopte la forme d’une vasque antique surmonté d’une corbeille de fruits et de fleurs, et s’achève par un imposant culot feuillagé se terminant par une pomme de pin stylisée.

Biographie

Créateur de luminaire d’art, Baguès est fondé vers 1840 en Auvergne. Spécialisée dans les bronzes liturgiques, la compagnie s’accroît à la fin du XIXe siècle et se lance dans les bronzes d’éclairage grâce à la généralisation de l’électricité.

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France
Circa 1900

Bronze patiné et doré, Albâtre

Hauteur : 80 cm ; Diamètre : 63 cm

Rare lustre d’inspiration néo-classique en bronze patiné à rehauts dorés et albâtre à double éclairage. Il se compose d’une grande vasque en albâtre brun orangé veiné accueillant un éclairage interne, ceint d’une couronne ornée de frise d’entrelacs scandés de triglyphes et gouttes en ressauts, accueillant les six bras de lumière à bobèches feuillagées et binets cannelés. La vasque est soutenue par six bandeaux feuillagés se rejoignant en feuilles d’acanthe prolongées par une graine. Il est suspendu par un fût balustre, décoré d’acanthes, de tore enrubanné, de frise de perles et de cannelures rudentées à pointes d’asperges finissant par un plafonnier feuillagé.

Ce lustre reprend les codes du néoclassicisme développé à la fin XVIIIe-début XIXe siècle, en adoptant une composition équilibrée et une symétrie stricte, avec un décor structuré et ordonné faisant référence à l’Antiquité gréco-romaine.

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« L’enlèvement de Proserpine »

France
Circa 1870

Bronze patiné

Borée et Orithye – Hauteur : 100 cm ; Largeur : 43 cm ; Profondeur : 45 cm
Pluton et Proserpine – Hauteur : 113 cm ; Largeur : 53 cm ; Profondeur : 41 cm
Socles – Hauteur : 73 cm ; Largeur : 43 cm ; Profondeur : 41,5 cm

Provenance : Robin Chichester-Clark, Moyola Park, Castledawson.

Belle paire de sculptures en bronze patine illustrant des scènes mythologiques, reposant sur des socles en bois moulurés peints en blanc.

La première représente Borée, le dieu du vent du nord reconnaissable à ses grandes ailes, enlevant une jeune femme nue, Orithye dont le corps s’arque en arrière. Ses bras sont levés au-dessus de sa tête, les mains ouvertes dans un geste de surprise ou de défense. Son visage, tourné vers l’extérieur, exprime l’effroi et la stupeur. Le traitement du bronze met en valeur la douceur de ses formes, contrastant avec la tension musculaire de Borée. À la base de la composition, une troisième figure, souvent interprétée comme une personnification du vent ou un génie secondaire, soutient partiellement l’ensemble. 

La seconde représente l’enlèvement de Proserpine par Pluton, dieu des Enfers, dont le corps se cambre vers l’arrière. Ses bras levés au-dessus de sa tête accentuent cette opposition : ses mains ouvertes semblent repousser une force invisible ou appeler à l’aide. À la base du groupe, une troisième figure féminine est agenouillée ou assise sur le rocher. Vue de dos, elle semble tenter de retenir Proserpine ou de s’opposer à l’enlèvement. Son rôle est à la fois narratif et structurel : elle stabilise la composition tout en introduisant un point de vue secondaire qui invite le spectateur à tourner autour de la sculpture.

œuvres en relation

Ces sculptures s’inspirent des groupes représentant des enlèvements faisant partie de la « Grande Commande » de 1674 par la direction des Bâtiments du roi dirigée par Jean-Baptiste Colbert pour le parterre d’eau du parc du château de Versailles. Celle-ci devait célébrer la gloire cosmique et politique de Louis XIV à travers une iconographie inspirée d’Apollon et de l’ordre du monde, et qui comprenait huit groupes d’enlèvements mythologiques conçus sous la direction artistique de Charles Le Brun, qui fournissait les dessins préparatoires. Mais les réaménagements successifs des jardins empêchèrent la disposition initiale et les sculptures furent finalement dispersées dans différents bosquets et allées de Versailles. 

Marbre du sculpteur Gaspard Marsy II, terminé par Anselme Flamen, Musée du Louvre à Paris (Inv. MR 1844)

Marbre du sculpteur François Girardon (1628-1715), Versailles (Inv. MR 1865 / inv. 1850.9210)

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Fondeur (1813-1892)

Appliques « Hercule et Omphale »

Signées A. D

France
Circa 1880

Bronze doré

Hauteur : 83 cm ; Largeur : 46 cm ; Profondeur : 37 cm

Bel ensemble de quatre appliques à six lumières en bronze ciselé et doré formant deux paires. Chaque applique est formée d’une figure traitée en gaine finissant par une riche chute d’acanthes, d’où s’échappe une tige délicate ornée de feuillages se terminant par une graine. Les appliques masculines représentent un homme barbu, à la musculature vigoureuse, dont la tête est tournée vers le haut dans une attitude dynamique. Il porte, drapée en écharpe sur son torse, une peau de bête. Cette iconographie (la force, la barbe, la peau d’animal évoquant la léonté ou peau du lion de Némée) suggère fortement la figure mythologique d’Hercule. Son pendant présente une figure féminine au profil classique, la chevelure relevée en un chignon complexe à l’antique. Elle porte également une peau d’animal drapée sur la poitrine. Cette figure représente très probablement Omphale (reine de Lydie avec qui Hercule échangea ses attributs). Ces figures sont placées sous une arche ornée de pampres, et soutiennent des montants à enroulements d’où partent trois bras de lumières soulignés d’acanthes finissant par des binets à décor de feuilles d’eau.

biographie

Une fabrique de bronze existe au XVIIIe siècle, dirigée par Jean-Baptiste Maximilien Delafontaine, maître fondeur né en 1750. Son fils Pierre Maximilien (1774-1860) lui succède. La manufacture est d’abord domiciliée 13 rue d’Orléans puis, à partir de 1824, 10 rue Neuve-de-l’Abbaye. Dans les années 1840, c’est Auguste Maximilien Delafontaine qui est à sa tête au 46 rue Bonaparte, puis 10 rue de l’Université en 1870. La période la plus féconde de la firme correspond à sa direction. Éditeur, il confie l’exécution des bronzes à la fonderie Molz, rue de Rennes. Reprenant les contrats passés par Duret avec le fondeur Quesnel, il édite vers 1855 entre autres Le Danseur napolitain, Le Vendangeur improvisant, Jeune Pêcheur dansant la tarentelle, La Tragédie, La Comédie. Son catalogue de « bronzes d’art et d’ameublement » propose des œuvres d’autres artistes dont Pradier, des reproductions de statues antiques et divers objets d’art et d’ameublement. Lors de la vente après décès de Barye en 1876, il achète un certain nombre de modèles, notamment des chiens, dont il effectue quelques éditions. L’activité est poursuivie par son propre fils Henri-Maximilien (?-1932) à partir de 1884, jusqu’à la fermeture de la maison en 1905.

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Italie
Circa 1860

Bois doré et noirci

Hauteur : 180 cm ; Diamètre : 65 cm

Cette jardinière d’apparat, en bois sculpté, noirci et richement doré, s’inscrit avec éloquence dans la tradition décorative italienne du XIXe siècle, où l’éclectisme historiciste puise à la fois dans les répertoires du baroque tardif et du néo-Renaissance.
Cette jardinière présente une structure architecturée, à fût élancé à trois pans, décorés de réserves ornées de motifs néo-gothiques stylisés tels des cartouches trilobés et des encadrements architecturés soulignés par des filets dorés et accueillant en partie basse des grandes feuilles stylisées. À mi-hauteur, une large coupe circulaire forme un plateau destiné à recueillir ou soutenir un élément décoratif (pot, composition florale). Elle est soulignée d’une frise de godrons dorés. Au-dessus, un piédouche cannelé est surmonté d’une bague ornée de pointes et de guirlandes florales finement ciselées soutenant une nouvelle coupe à godrons dorés. Le sommet de la jardinière prend la forme d’une corbeille ajourée, traitée comme une couronne gothique. Les découpes en arcatures trilobées et en motifs flamboyants, rehaussées d’une polychromie rouge en fond. Ce contraste entre l’or éclatant et le rouge profond accentue la dimension théâtrale de l’objet et rappelle certains meubles liturgiques ou pièces d’apparat inspirées de l’architecture religieuse.
Elle repose sur une base polygonale à pans coupés, accueillant trois bassins pour y disposer des fleurs. Des médaillons ovales en relief figurent un profil féminin idéalisé évoquant une allégorie, traité à la manière des camées antiques et encadrés de rinceaux feuillagés dorés.

L’ensemble témoigne d’un goût prononcé pour la polychromie et le contraste, caractéristique de certaines productions italiennes, notamment dans des centres comme la Lombardie ou la Toscane, où les artisans du XIXe siècle excellaient dans l’art du bois sculpté et doré. Cette jardinière, au-delà de sa fonction utilitaire, apparaît avant tout comme un objet de prestige, destiné à orner un intérieur raffiné et à dialoguer avec d’autres pièces décoratives dans un ensemble éclectique. Par sa richesse ornementale, sa composition hiérarchisée et la qualité de son exécution, elle illustre parfaitement cette période où l’objet décoratif devient un véritable manifeste esthétique, à la croisée de l’architecture, de la sculpture et des arts décoratifs.

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Bronziers (XIXe – XXe s.)

O. Lelièvre

Sculpteur (1869-1947)

Lustre aux Pampres

Signé Susse Frères Edts Paris et O. Lelièvre Sclp

France – Circa 1900

Hauteur : 110 cm ; Diamètre : 75 cm

Élégant lustre en bronze patiné et doré à six lumières, composé d’une vasque en albâtre veiné à éclairage interne, soutenue par des arcatures et surmontée d’un bandeau constitué de plaques rectangulaires en albâtre blanc alternées de bras de lumières en enroulement soulignés de feuilles d’acanthes. L’ensemble est soutenu par des chaines doubles en partie inférieure et des pampres de vignes et couronnes de laurier en partie supérieure, le tout rattaché à une couronne à motifs de fleurons agrémentée de prismes et mirzas en cristal taillé et facetté.

Ce lustre est le fruit de la fructueuse collaboration entre le sculpteur Olivier Lelièvre (1869-1947) et la prestigieuse fonderie d’art parisienne Susse Frères, pour laquelle il dessinait et modelait des pièces de grande qualité qui étaient ensuite coulées en bronze. 

Biographie

Fonderie de renommée mondiale, la Maison Susse commence à éditer des bronzes dès la première moitié du XIX^ème siècle. Confirmant leur succès au cours des célèbres Expositions des Produits de l’Industrie à Paris, les frères Susse, Victor (1806-1860) et Amédée (1808-1880) figurent dès 1841 comme fabricants de « Bronzes d’art pour pendules, candélabres, vases, statuettes, etc. ». Les plus grands sculpteurs français leur confient leurs œuvres sculptées pour les fondre en bronze, tel James Pradier (1790-1852) qui signe en 1841 le plus ancien contrat d’édition actuellement connu. Après le décès des deux frères, c’est Albert Susse qui leur succède de 1880 à 1922 à la direction de la firme. Il lui donne une impulsion nouvelle et développe considérablement la fonderie. Albert ouvre alors un luxueux magasin, 13 boulevard de la Madeleine à Paris.

Octave Georges Lelièvre (1869-1947) est un sculpteur et ornemaniste français associé aux arts décoratifs de la Belle Époque et du style Louis XVI revisité. Elève du sculpteur Théodore Eugène Victor Barrau, ainsi que de Dumont et de Gumery, son œuvre est principalement connue à travers des bronzes d’ameublement, pendules, candélabres, nécessaires de bureau et objets décoratifs édités par de grandes maisons de bronziers d’art, notamment la maison Susse Frères. Actif vers 1890-1930, il travaille dans la tradition de la sculpture décorative française, mêlant influences néoclassiques et raffinement Art nouveau puis Art déco. Ses créations utilisent fréquemment le bronze doré, avec des décors de feuilles d’acanthe, guirlandes, mascarons et motifs inspirés du XVIIIᵉ siècle français. 

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Bronzier (1788-1846)
(attribué à)

Important Lustre

France
Circa 1830

Bronze doré

Hauteur : 120 cm ; Diamètre : 92 cm

Grand lustre en bronze ciselé et doré à seize lumières, qui s’inscrit pleinement dans l’esthétique raffinée de l’époque de la Restauration (1814-1830), marquée par un retour à une certaine sobriété classique tempérée d’élégance ornementale.
Le fût central, orné de feuilles d’acanthes stylisées et de frises ciselés, est composé d’une sphère centrée de rosettes et dés feuillagés finissant par une pomme de pin (symbole antique d’éternité) , et distribue deux rangées de huit bras de lumière cannelés à double volute. Une vasque godronnée à l’antique, détail fréquent sous la Restauration, surmonte l’ensemble. Il est suspendu par huit tiges à maillons symétriques ajourés ornés de rosettes et enroulements inspirés du vocabulaire ornemental hérite de l’Empire, attachées par des enroulements à une corolle feuillagée sommée d’une coupe à bordure évasée à décor de godrons.

Ce lustre illustre parfaitement la transition stylistique propre à la Restauration : un équilibre entre la rigueur classique héritée de l’Empire et un goût renouvelé pour la légèreté, la grâce et une certaine préciosité décorative. Il s’agit d’une œuvre à la fois fonctionnelle et sculpturale, conçue pour magnifier un intérieur de prestige tout en témoignant du savoir-faire exceptionnel des bronziers parisiens du début du XIXe siècle.

Les lustres à bras très projetés, les imposantes pommes de pin et l’utilisation de chaînes rigides à maillons décoratifs sont des signatures récurrentes de la production de G.-J. Galle, qui est médaillée à l’Exposition des Produits de l’Industrie de 1819.

biographie

Fils du grand bronzier de l’Empire Claude Galle (1759-1915), Gérard-Jean (1788-1846) reprend l’atelier de son père en 1815 en héritant des moules, des modèles et de la clientèle prestigieuse, et l’amène à son apogée. S’il poursuit la fabrication de bronzes dans le goût de l’Empire, il introduit progressivement plus de légèreté, un décor plus riche et des formes annonçant le style Charles X. Sous la Monarchie de Juillet, son style devient plus éclectique.

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Orfèvre (actif 1863-1888)

Samovar

France – Circa 1870

Signé MEGEMOND PARIS

Bronze argenté

Hauteur : 49 cm ; Largeur : 34 cm ; Profondeur : 33 cm

Élégant samovar en bronze argenté, composé en partie supérieure d’une verseuse à anse, sommée d’un couvercle à prise finement ouvragée, flanquée de becs verseurs zoomorphes de chaque côté, participant ainsi à l’équilibre visuel de l’objet. La panse est ornée d’un médaillon chiffré suggérant une commande aristocratique ou bourgeoise entouré dans un cartouche à bords découpés et relié aux becs par un drapé à bords festonnés. Elle est posée sur un support composé de montants courbes en volutes, reliés par des entretoises ornées de motifs d’entrelacs et de mascarons féminins, et finissant par des volutes intégrées dans un plateau à pans découpés, sur lequel est surélevée sur une plateforme à gradins le réservoir de forme circulaire, permettant le maintien de l’eau chaude.

L’ensemble repose sur un plateau en bronze argenté à miroir de forme chantournée au contour mouluré de joncs de laurier réalisé par l’orfèvre Boin-Taburet.

Le samovar est un récipient destiné à la préparation et au maintien de l’eau chaude pour le thé. D’origine russe, ce dispositif apparaît au XVIIIᵉ siècle dans les centres métallurgiques de Toula et se diffuse rapidement en Europe occidentale comme objet à la fois utilitaire et de prestige. Dans sa version occidentalisée du XIXᵉ siècle, notamment en France sous le Second Empire, le samovar se transforme en pièce d’apparat intégrée aux services à thé aristocratiques. Il conserve sa fonction thermique, réservoir central chauffé par un foyer interne ou un réchaud, tout en devenant un véritable manifeste du savoir-faire orfévré.

biographie

Les produits de la maison Joseph Mégemond, située passage des Petites Ecuries, ont plusieurs fois obtenus des distinctions honorifiques, une médaille d’argent à l’Exposition Universelle de 1878, une médaille d’or (prix d’honneur) en 1880 et une médaille d’or (prix d’excellence) en 1887. Il insculpa de 1863 à 1888, année du rachat de son entreprise d’argenture par Paul Canaux.

Les deux orfèvres français Georges Boin et son gendre Emile Taburet créent à Paris la Maison Boin-Taburet vers 1875. Ils réalisent de nombreuses pièces d’orfèvrerie inspirées des magnifiques services du XVIII^ème siècle. A l’Exposition Universelle de Paris en 1878, Georges Boin présente un service de toilette inspirée de l’oeuvre de François-Thomas Germain (1726-1791), puis à l’Exposition Universelle de 1889, plusieurs surtouts de table, dont l’un d’eux exécuté d’après les dessins du célèbre ornemaniste Juste-Aurèle Meissonnier (1695-1750), ainsi que des services à thé de style Louis XIV, Louis XV et Louis XVI. La Maison Boin-Taburet y présente également une soupière et son plateau d’après Pierre Germain (1645-1684) pour le Jockey-Club, installé rue Scribe en 1863. Par ses somptueuses manifestations aux différentes Expositions Universelles, la Maison Boin-Taburet va ainsi contribuer à la renaissance des styles du XVIII^ème siècle.

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Ebéniste et bronzier (1847-1919)
(attribué à)

Lustre aux Termes

France
Circa 1880

Bronze doré et patiné

Hauteur : 80 cm ; Diamètre : 45 cm

Charmant lustre en bronze ciselé doré et patiné à sept lumières. Le fût se compose d’une vasque en bronze bleui ornée sur sa panse de frises et de rinceaux feuillagés en bronze doré, surmonté d’une colonne cannelée torsadée à pointes d’asperge finissant par une flamme, et finissant par une graine. Trois figures féminines finissant en acanthe tiennent chacune deux bras de lumière torsadés et feuillagés à enroulement. L’ensemble est suspendu par trois chaines à imitation de cordage à pompon.

œuvre en relation

Notre lustre s’inspire du lustre en bronze ciselé doré et bleui attribué à François Rémond, Fin XVIIIe siècle. Offert en 1808 par Napoléon à Cambacérès pour sa résidence parisienne, l’actuel hôtel de Roquelaure et conservé au Musée Nissim de Camondo, Paris (Inv. CAM 146)

biographie

Alfred-Emmanuel Beurdeley (1847-1919) fut, en 1875, le collaborateur, puis le successeur de son père, Louis-Auguste Beurdeley, l’un des principaux ébénistes du Second Empire, fabriquant essentiellement des meubles de style XVIII^e et désigné comme la « vedette » des expositions et le « préféré des familles royales et impériales ». Si Alfred réalisait le même genre de travaux que son père, il se distingua également non seulement comme un bronzier hors pair mais aussi comme l’un des plus célèbres collectionneurs d’art. Il participa brillamment à l’Exposition Universelle de 1878 où, comparé aux plus célèbres artistes de l’époque, comme Dasson, Grohé, Sauvrezy ou encore Fourdinois, il remporta la médaille d’or. Couronné de gloire, il ouvrit même une succursale à New York. En 1883, suite à sa participation très remarquée à l’Exposition Universelle d’Amsterdam, « Alfred Beurdeley, fabricant de bronzes d’art » était nommé au grade de Chevalier de l’Ordre National de la Légion d’Honneur ; il fut alors porté aux nues tant par le gouvernement que par la critique contemporaine. Sa dernière grande manifestation fut l’Exposition Universelle et Internationale de 1889 où le directeur n’hésitait pas à avancer dans son rapport que « le talent de M. Beurdeley s’impose de lui-même par la seule inspection de ses meubles ».

François Rémond (1747-1812) commence son apprentissage en 1763. En 1774, il devient maître dans la guilde des doreurs de bronze. Il réalise alors de nombreux travaux pour le marchand-mercier Dominique Daguerre et crée des œuvres dans le style turc alors en vogue pour Louis XVI et sa famille. Il collabore avec le ciseleur Pierre Gouthière sur certaines de ses plus grandes œuvres avant 1783, et conçoit des ornementations en bronze pour le fabricant de meubles Jean-Henri Riesener. En août 1774, il rencontre l’ébéniste David Roentgen et entame une collaboration avec lui : la plupart des pièces de Roentgen ont été ornées de bronzes réalisés à Paris par Rémond avec parfois des sculptures d’artistes tels Louis-Simon Boizot. 

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Horloger (1842-1921)

«Allégorie de la Fidélité à Henri IV»

Cadran signé « Planchon à Paris » 

France
Circa 1880

Bronze doré, Marbre

Hauteur : 46 cm ; Largeur : 30 cm ; Profondeur : 17 cm

Belle pendule en marbre blanc et bronze ciselé et doré représentant une figure féminine drapée à l’antique tenant deux cœurs dans sa main droite, soutenant un médaillon à profil d’Henri IV, figure royale idéalisée. Celui-ci est posé sur une colonne tronquée et cannelée en marbre accueillant le cadran émaillé, à chiffres arabes pour les heures et minuterie périphérique, encadré d’une guirlande de fleurs nouée et de laurier.
À droite, un enfant jouant avec un chien constitue un symbole explicite de fidélité (le chien étant l’attribut traditionnel de cette vertu).
Elle repose sur une base moulurée à décor de guirlandes de roses et de laurier dans des encadrements perlés sur fond noir, le tout reposant sur 6 pieds boules feuillagés.

Cette association permet de lire la composition comme une allégorie de la Fidélité envers Henri IV, roi perçu au XVIIIᵉ siècle comme modèle de bon gouvernement et de concorde nationale.

Ce thème s’inscrit dans un courant iconographique bien attesté : les pendules de la fin de l’Ancien Régime utilisent fréquemment des figures féminines et enfantines pour exprimer des vertus morales ou politiques. Cette pendule constitue une reprise historiciste d’un modèle conçu dans les années 1780, moment où l’horlogerie parisienne atteint un sommet d’intégration entre sculpture, architecture et symbolique morale.

Œuvre en relation

Ce modèle, très populaire au XVIIIe siècle et qui a été probablement créé par le marchand-mercier Daguerre, a été décliné de nombreuses fois sur des thématiques différentes, comme cette Pendule Allégorie de l’Amitié et Loyauté signée Montjoye à Paris, circa 1780 conservée au Museum of Art de Philadelphia (reproduite dans H. Ottomeyer, Vergoldete Bronzen, T. I, Klinkhardt & Biermann, Munich, 1986, p° 245).

Le Metropolitan Museum of Art de New-York en conserve également un exemplaire signé « Charles Dutertre à Paris », sur lequel le médaillon est manquant (n° inventaire 43.163.24a et b).

biographie

Matthieu Planchon (1842-1921), né à Bourges, fut apprenti chez son père également horloger et fit son tour de France en 1862. Il acquit le fonds de l’horloger Adrien Philippe en 1870. Répertorié rue Vielle du Temple en 1880, en 1890, il est établi Galerie Montpensier au Palais Royal. Subissant l’influence de l’architecte Viollet-le-Duc (1814-1879), il se spécialisa quelques temps dans le style néo-gothique puis il créa un style connu sous le nom de « style Planchon », inspiré des styles de l’Ancien Régime.
En 1889, il utilisait comme marque de fabrique la devise des horlogers du parisiens du XVIIe siècle : « Solis mendaces arguit horas » (Les heures du soleil sont menteuses). En 1899, il prit comme collaborateur son gendre Paul Brateau. Il publia plusieurs ouvrages et fit en 1900 le rapport sur le Musée Rétrospectif de l’Exposition, et mourut en 1921. Brateau lui succéda et le magasin situé Chaussée d’Antin depuis 1900 fut transféré en 1930 rue Meyerbeer, et cessa toute activité en 1936.

bibliographie

•  Tardy, Dictionnaire des Horlogers Français, Paris, 1972, p. 525

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Coupe Fleurie aux Tritons

France
Circa 1870

Porcelaine, Bronze doré

Hauteur : 30 cm ; Largeur : 35,5 cm ; Profondeur : 25 cm

Belle coupe en porcelaine polychrome à fond turquoise inspiré du « bleu céleste » de Sèvres, enrichi d’un décor doré de semis losangés ponctués de fleurettes, entourant des cartouches réservés, à encadrement rocaille doré, représentant des bouquets floraux polychromes de roses, pensées, myosotis peints avec une grande délicatesse naturaliste. L’intérieur de la coupe, laissé en fond blanc, est orné de guirlandes de fleurs et de bouquets.
Elle est enchâssée dans une riche monture en bronze ciselé et doré composée de deux anses latérales en enroulements de feuilles d’acanthes soulignées de perles et surmontant des têtes de satyre, un piédouche godronné à décor de feuilles de laurier reposant sur une base quadripode figurant des tritons en position d’atlantes allongés sur des volutes asymétriques d’inspiration rocaille. 

Cette coupe, appartenant à la grande tradition des objets montés, renvoie à une production du XIXᵉ siècle, dans le goût du XVIIIᵉ siècle (plus particulièrement le style Louis XV), caractérisée par l’exubérance du décor rocaille (asymétrie, rinceaux, tritons), la combinaison de matériaux précieux (porcelaine et bronze doré), et le goût pour les objets de centre de table spectaculaires. Elle s’inscrit dans une production abondante mais souvent très raffinée, oscillant entre imitation de la manufacture royale de Sèvres et créations originales destinées à une clientèle bourgeoise ou aristocratique, sensible au luxe et à la virtuosité technique.

biographie

La Porcelaine de Paris, plus communément appelée « Vieux Paris », est une porcelaine à pâte dure, d’un blanc pur, laiteux, très brillant, décorée en peinture et très souvent en or. Il y avait à Paris des fabriques de porcelaine, d’un très haut niveau, avec leur marque bien définie. Mais on décorait, surtout, dans les ateliers, les blancs cuits dans la région de Limoges ou de la banlieue parisienne. 

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Ébéniste (1817-1884)

Bureau plat

France
Circa 1860

Bois de rose, Bronze doré

Hauteur : 73,5 cm ; Longueur : 118,5 cm ; Profondeur : 64 cm

Bureau de style Louis XV en placage de bois de rose et bronzes ciselés et dorés. Il est orné toute face, dans des cartouches bordés de frise d’oves et de feuillages, d’une marqueterie de losanges. Recouvert d’un plateau de forme mouvementé gainé de cuir noir doré aux petits fers et ceint d’une lingotière, il ouvre à trois tiroirs en ceinture. L’ensemble repose sur quatre pieds cambrés ornés aux angles de têtes de bélier et finissant par quatre sabots feuillagés.

biographie

Les Wassmus sont une famille d’ébénistes active à Paris d’environ 1815 à 1868, fournisseur du garde-Meuble impérial sous le Second Empire spécialisée dans la création de meubles marquetés de prestige. Sous la raison sociale Wassmus frères exercèrent d’abord Jean-Henri-Chrétien (1784-1858) et son frère Jean-Henri-Christophe (1786/1864) puis leurs fils, dont Henri-Léonard (1817-1884), qui créa et dessina la plupart des meubles sortant de l’atelier. Travaillant en famille, il est difficile d’attribuer précisément les œuvres par auteur. Ils étaient spécialisés dans la fabrication de meubles de très grande qualité notamment dans les styles Boulle, Louis XV, Louis XVI et Napoléon III. Les commodes de style Louis XVI, meublant l’hôtel de Marigny à Paris sont de Henri-Léonard Wassmus, elles proviennent de la chambre du Prince Impérial au Palais de l’Élysée. En 1844, ils obtinrent une médaille d’argent à l’Exposition des produits de l’Industrie, et exposèrent lors des Expositions Universelles de Paris en 1855 et 1867.

bibliographie

Les ébénistes du XIXe siècle, Denise Ledoux-Lebard, Ed. de l’Amateur, 1984, p. 620-621

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Bronzier (1860-1905)

Lustre à décor Bacchique

Signé HV pour Henri Vian

France
Circa 1870

Cristal, Bronze patiné et doré 

Hauteur : 105 cm ; Diamètre : 80 cm

Beau lustre à douze bras de lumière en bronze ciselé et doré, richement orné de volutes, de guirlandes, de perles, de prismes et de pampilles en cristal facetté et taillé. Le fût est constitué d’un vase cannelé à patine bleutée de forme balustre contenant fleurs et fruits, orné en alternance de têtes de satyres et de bacchantes et d’où partent les bras de lumières torsadés à enroulements feuillagés centrés de pampres, le tout surmonté d’une sphère aplanie décorée de têtes de bélier se prolongeant par une torsade sommée d’un bouquet de feuilles d’acanthes formant plafonnier. En partie basse, le culot est formé de feuilles d’acanthe finissant par une pomme de pin. 

Ce lustre développe un imaginaire directement inspiré du cortège de Bacchus, où se mêlent fêtes et nature. La présence de têtes de bacchantes, de satyres et de béliers inscrit ce lustre dans l’univers dionysiaque. Les pampres de vigne, omniprésents dans les enroulements des bras de lumière, renforcent cette référence au vin et à la fertilité. Ils structurent le décor tout en lui donnant un caractère organique et foisonnant, comme une végétation en expansion.

biographie

Henri Vian, bronzier actif dans la seconde moitié du XIXème siècle, réalisa de nombreuses ornementations d’intérieur : cheminées, vases à monture de bronze, lustres, balustrades… toutes de la meilleure qualité. Sa signature est habituellement en lettres cursives, avec l’initiale du prénom suivie du patronyme. Sur les œuvres tardives, seules les deux initiales h.V. y figurent. L’entreprise installée 5, rue de Thorigny à Paris (l’Hôtel Salé, actuel Musée Picasso), continua sous la direction de Madame Vian après le décès de son époux en 1905

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Dessinateur & Sculpteur
(1827-1875)                             

G. Viot et Cie

Compagnie des Marbres Onyx d’Algérie
(active 2^nde moitié du XIXe siècle)

(attribué à)

Jardinière orientaliste

France
Circa 1870

Email, Bronze doré, Onyx d’Algérie

Hauteur : 17 cm ; Longueur : 44,5 cm ; Profondeur : 24,5 cm

Belle jardinière orientaliste de forme rectangulaire en onyx d’Algérie et bronze ciselé et doré. La partie supérieure, en forme d’arabesque, est soulignée d’une frise de feuilles d’eau. Des cartouches rectangulaires en creux et carrés en relief accueillent des plaques en bronze doré à décor stylisé en émail cloisonné d’inspiration persane composé d’entrelacs et motifs géométriques dans une palette vive de bleus turquoise, roses, verts. Agrémentée sur les petits côtés de cabochons moulurés en onyx ornés de deux fleurons finissant en pointe, elle repose sur quatre pieds griffe en bronze doré.

Cette jardinière se présente comme un objet d’apparat caractéristique des productions d’arts décoratifs de la seconde moitié du XIXe siècle, où le goût pour l’exotisme et les matériaux précieux s’inscrit dans une esthétique historiciste et éclectique. Elle témoigne du raffinement technique et de l’intérêt pour l’orientalisme qui marquent le Second Empire

Biographie

Le sculpteur Eugène Cornu (1827-1899), installé 29 rue Popincourt à Paris, travailla tout d’abord comme dessinateur et directeur des travaux de la maison Tahan (1813-1892), avant de travailler à partir de 1858, en étroite collaboration avec la Compagnie des Marbres Onyx d’Algérie, dirigée par Gustave Viot (1828-1897), et créée par Alphonse Pallu (1808-1880) le 14 juin 1858. Cette compagnie se réfère à l’exploitation de l’onyx, connu depuis l’Antiquité et redécouvert en 1849 dans la province d’Oran en Algérie par Del Monte, un marbrier. Elle ouvrit en 1863 un magasin au n°24 du Boulevard des Italiens à Paris. Au milieu des années 1860, le nom de la compagnie changea pour « G. Viot & Cie » and produisit à partir de modèles de sculpteurs renommés, tels Eugène Cornu, Albert Carrier-Belleuse (1824-1887) (Victoria & Albert Museum, Inv. 9070-1863), Charles Cordier (1827-1905)(Orsay, Inv. RF 2996) ou Louis-Ernest Barrias (1841-1905) (Orsay, Inv. RF 1409) des œuvres décoratives de grand luxe ayant pour particularité d’associer l’onyx au bronze, et parfois l’émail. Ils présentèrent ainsi sur leur stand à l’Exposition Universelle de Paris en 1867, une impressionnante paire de vases en onyx, bronze et émail avec leurs sellettes à figures d’éléphants (signée « G. Viot et Cie, Exposition de 1867, Eugène Cornu Inventeur » ; Catalogue Officiel de l’Exposition, groupe III, classe XIV, « meubles de luxe », n°65) qui admirée du jury, leur rapporta une médaille d’or (Rapports du Jury International, Exposition Universelle de 1867 à Paris, 1868, t. III, groupe III, classe XV, chapitre II, § 2, p°45 & 46). Vers 1873 Eugène Cornu devint le directeur de la Compagnie qui prit alors le nom de Société des Onyx d’Algérie E. Cornu et Cie. Vers 1878, la société fut ensuite dirigée par H. Journet dont elle prit le nom. La société resta ouverte jusqu’au début du XXe siècle.

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France
Circa 1880

Porcelaine, Bronze doré et patiné

Hauteur : 87 cm ; Diamètre : 50,5 cm

Charmant guéridon de forme circulaire en porcelaine polychrome et piètement en bronze patiné et doré. Le plateau est décoré au centre d’un médaillon peint représentant deux figures féminines drapées, disposées de part et d’autre d’un autel, accompagnent un Amour ailé dans une iconographie allégorique évoquant les thèmes de l’Amour et du sacrifice. Autour de ce médaillon s’étend un large bassin en retrait bleu turquoise, créant un effet de profondeur et rappelant certains fonds « bleu céleste » prisés dans les manufactures européennes au XIXᵉ siècle comme la manufacture de Sèvres. Le marli extérieur est orné d’une série de cartouches ovales cernés d’un filet doré représentant un Amour dans des attitudes variées, jouant avec des attributs floraux, tenant des rubans ou des flèches. L’alternance régulière des cartouches et des réserves claires instaure un rythme décoratif harmonieux. Le bord externe, souligné d’un ton rose soutenu, encadre la composition.

Le plateau repose sur un socle en bronze patiné enrichi de rehauts dorés, composé d’une coupe à décor de médaillons à l’antique et des têtes en reliefs, entourés d’entrelacs. Agrémentée de chainettes, elle se prolonge par un fût cannelé rythmé par des bagues dorées et repose sur une base tripode alternant des pieds en forme de pattes de lion et des palmettes, motifs empruntés au vocabulaire de l’Antiquité réinterprété par le néoclassicisme. 

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Bronzier (1860-1905)
(attribué à)

Lustre « au carquois »

France
Circa 1880

Bronze doré et patiné

Hauteur : 95 cm ; Diamètre : 49 cm

Beau lustre d’inspiration Louis XVI en bronze ciselé et doré et patiné bleu à quatre lumières. Le fût, en forme de carquois, associé à l’iconographie d’Apollon ou de l’Amour, est orné de quatre têtes féminines alternant avec les bras de lumières cannelés à décor d’enroulements de feuilles d’acanthe et de pampres surmontés de têtes de boucs. Le culot, décoré de feuilles d’acanthe se termine par une pomme de pin. Il est suspendu par quatre chaines à maillons réunies par un bouquet de feuilles d’acanthe stylisées formant une corolle évasée.

L’attribution à Henri Vian repose sur des analogies stylistiques avec des pièces issues de son atelier, notamment par la qualité de la ciselure, la vigueur des figures animales et la richesse ornementale. Vian, fournisseur attitré d’une clientèle aristocratique et internationale, s’est illustré dans la production de bronzes d’art mêlant références au XVIIIᵉ siècle et interprétations libres du répertoire antique.

Ce lustre au carquois s’inscrit ainsi dans le courant néo-Louis XVI revisité par l’éclectisme fin de siècle. Il conjugue érudition formelle, virtuosité technique et puissance décorative, traduisant l’ambition des bronziers parisiens de rivaliser avec les chefs-d’œuvre des siècles précédents tout en répondant aux attentes d’un marché international en quête de prestige et d’exotisme historiciste.

biographie

Henri Vian, bronzier actif dans la seconde moitié du XIXème siècle, réalisa de nombreuses ornementations d’intérieur : cheminées, vases à monture de bronze, lustres, balustrades… toutes de la meilleure qualité. Sa signature est habituellement en lettres cursives, avec l’initiale du prénom suivie du patronyme. Sur les œuvres tardives, seules les deux initiales h.V. y figurent. L’entreprise installée 5, rue de Thorigny à Paris (l’Hôtel Salé, actuel Musée Picasso), continua sous la direction de Madame Vian après le décès de son époux en 1905

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Bronzier (XIXe siècle)

Suite de Quatre Appliques

Signées A. GRANDPIERRE PARIS

France
Circa 1890

Bronze doré

Hauteur : 98 cm ; Largeur : 60 cm ; Profondeur : 30 cm

Provenance : Château en Puisaye, France

Spectaculaire ensemble de quatre grandes appliques murales d’inspiration Régence en bronze finement ciselé et doré à cinq lumières. Elles sont composées au sommet d’une coquille rayonnante entourée de feuilles de laurier et de feuilles d’acanthe surmontant un fond à motifs de croisillons perlés centrés de rosette, d’un mascaron féminin traité en relief sous les bras de lumière et se termine par un motif de lambrequin finissant par une chute feuillagée. Les bras de lumière, soulignés de rinceaux feuillagés, sont disposés symétriquement : deux bras latéraux en double volute, deux bras intermédiaires légèrement en retrait, et un bras central plus élevé. Les bobèches et binets présentent un décor de godrons et de feuillage.

Ces appliques, remarquable par la qualité de leur ciselure, ont su conserver malgré les années leur dorure d’origine, démontrant ainsi la maîtrise et le savoir-faire de leur auteur.
La combinaison de ces éléments traduit une esthétique de synthèse typique de la seconde moitié du XIXe siècle, période durant laquelle les bronziers parisiens excellent dans la réinterprétation savante des styles anciens.

Biographie

Issu d’une dynastie de bronziers parisiens au XIXe siècle comprenant des marbriers en pendule exerçant sous les raisons sociales « Grandpierre et fils » puis « Grandpierre fils » et de fondeurs, l’auteur de ces appliques, A. Grandpierre, était un fabricant de bronzes établi au 1, rue Saint-Claude entre 1889 et 1894.

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Manufacture de Céramique (1845-1895)                            

A. de Caranza

Dessinateur (1843-1914)
(attribué à)            

Paire de Lampes

Marque de J.Vieillard & Cie à Bordeaux

France
Circa 1880

Faïence, Bronze doré

Hauteur avec globe : 80 cm ; Largeur : 25 cm ; Profondeur : 18 cm

Belle paire de lampes en faïence de forme balustre, initialement à pétrole, à décor central d’arabesques et de rinceaux stylisés en rouge ferrugineux sur fond brun manganèse, cerné de cartouches turquoise et bleu cobalt à palmettes et de fleurons symétriques, le tout ceint en partie supérieure et inférieure par une frise de fleurs rouges sur fond bleu. Les anses latérales en applique sont en forme de branches de bambou stylisées dont les feuilles s’épanouissent sur la panse. L’ensemble est enchâssé dans une monture en bronze ciselé et doré composé de frises et tores de laurier enrubannés et repose sur une base finissant par quatre pieds à enroulement surmontés de dés à fleurettes.

Cette paire de lampes s’inscrit dans la production néo-orientaliste et historiciste de la seconde moitié du XIXᵉ siècle. La polychromie dominée par les bleus intenses, le brun profond et les rehauts rouges s’inscrit dans la redécouverte européenne des céramiques d’Iznik et de la Perse safavide, très en vogue après les Expositions universelles (notamment celles de 1855 et 1867 à Paris). La manufacture Vieillard s’est distinguée par sa capacité à transposer ces modèles orientaux dans une syntaxe décorative adaptée au goût français.

Biographie

À Bordeaux, la faïence fine connaît un grand développement au début du XIXe siècle, à partir de la création par Boudon de Saint-Amans d’une manufacture qu’il cède rapidement à David Johnston. Celui-ci ouvre une manufacture à Bacalan qui va avoir jusqu’à 700 ouvriers. La production est alors industrielle, avec des décors imprimés aux motifs et couleurs. Jules Vieillard succède à David Johnston, en 1845, et son action est déterminante dans le succès industriel de la manufacture de Bacalan mais aussi dans la qualité artistique d’une production qui fut unanimement célébrée au moment des célèbres Expositions universelles d’où le nom communément donné à ces faïences de « Vieillard ». Dans sa dernière période, Jules Vieillard développe un exceptionnel orientalisme. En 1865 ses fils, Charles et Albert, prennent sa suite sous la raison sociale de Manufacture Jules Vieillard et C^ie, et produisent des motifs très variés avec tout spécialement des fleurs et des oiseaux. Cependant, si les décors imprimés ne sont pas complètement abandonnés, leur qualité laisse à désirer. Ils décident alors de renouveler les formes, s’orientant vers des pièces décoratives désormais à la mode comme les lampes, les cache-pots, ou les vases. Quant aux décors, ils connaissent à leur tour une renaissance, grâce à l’arrivée d’Amédée de Caranza vers 1875, un céramiste venu de Longwy, où il y avait lancé dès 1872 ses fameux « Emaux de Longwy », selon un procédé de décor d’émaux cloisonnés. Ses décors veulent alors surtout évoquer l’éclat des objets persans ou japonisants. Parti chez le concurrent bordelais, Longwy ne garde pas longtemps son exclusivité. Caranza, devenu chef d’atelier à la manufacture Vieillard en 1882, qui connaît un nouvel élan, puis la quitte probablement en 1885. L’usine Vieillard ferme en 1895.

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France
Circa 1840

Bronze doré

Hauteur : 33,5 cm ; Diamètre : 38 cm

Belle coupe en bronze ciselé et doré composée d’un bassin à bordure ajourée d’une grande finesse à décor de rinceaux, arabesques et motifs végétaux entrelacés. Le contraste entre les pleins et les vides accentue le jeu de la lumière sur la dorure, animant la surface d’un miroitement subtil.
Le fût central est décoré de quatre figures féminines en ronde-bosse soutenant la coupe. Drapées à l’antique, elles évoquent les Saisons, chacune tenant des attributs végétaux, guirlandes, fleurs ou fruits, symboles d’abondance et de fécondité. Leur attitude à léger contrapposto, la délicatesse des chevelures relevées et tressées, ainsi que la fluidité des drapés renvoient à l’esthétique classicisante de la Renaissance florentine, relue ici à travers le prisme académique du XIXᵉ siècle. Elle repose sur une base carrée à pans coupés, finissant par quatre agrafes feuillagées terminées par un enroulement.

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Manufacture de Porcelaine

Paire de Vases

France – datés 1890

Porcelaine, Bronze doré

Hauteur : 38,5 cm ; Diamètre : 15 cm  

Cette paire de vases de forme balustre en porcelaine dite « bleu de Sèvres » ou « gros bleu » est ornée d’une élégante monture en bronze ciselé et doré composée d’un col à large mouluration godronnée, d’appliques latérales figurant des chutes de laurier et de rubans noués, suspendues à un bouton feuillagé et repose sur un piédouche circulaire, légèrement évasé, ceint d’une frise de feuilles d’eau stylisées. 

L’ornementation emprunte clairement au vocabulaire décoratif du règne de Louis XVI : guirlandes tombantes, nœuds rubanés, frises godronnées. Toutefois, l’ampleur des proportions, la saturation chromatique et la richesse de la monture relèvent d’une sensibilité historiciste propre au XIXᵉ siècle, plus que d’un strict néoclassicisme du XVIIIᵉ siècle.

Biographie

La Manufacture de Sèvres, centre de production de porcelaine à pâte tendre, est créée vers 1738 à Vincennes par des banquiers et financiers dans l’espoir de découvrir le secret de la porcelaine à pâte dure, déjà connu à Meissen. En 1753 Louis XV, roi de France, devient le principal actionnaire de la manufacture, qu’il transfert à Sèvres, alors plus proche de Versailles et du château de Bellevue, propriété de la Marquise de Pompadour. La Marquise, très intéressée par les recherches de Sèvres, encourage et soutient la production. En 1759, le Roi devient le seul actionnaire de la Manufacture devenue propriété de la Couronne. A partir de cette date, les œuvres sorties des ateliers de Sèvres sont signées du chiffre royal, deux « L » entrelacés, ainsi que d’une lettre indiquant l’année de fabrication. De 1756 à 1779, la manufacture connaît ses années fastes. Louis XV, afin d’aider Sèvres, fait de somptueuses commandes qu’il offre en présents diplomatiques. Les plus grands artistes de l’époque, comme le peintre Boucher, ou le sculpteur Falconet, travaillent pour Sèvres. Les recherches afin de trouver la technique de fabrication de la porcelaine à pâte dure se poursuivent et aboutissent après 1769. A partir de cette date, la Manufacture produit avec succès la porcelaine à pâte tendre et la porcelaine à pâte dure, et diversifie sa gamme colorée avec le bleu lapis (1752), le bleu céleste (1753), le vert (1756), le rose (1757) et le bleu royal (1763). Les plus belles pièces sont ornées de scènes inspirées des gravures d’après les plus grands peintres, et décorées de guirlandes, bouquets de fleurs, trophées, dorures… Cette production de luxe se perpétue au XIXe siècle, avec de nouveaux artistes, mais en réutilisant également un certain nombre de modèles.

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Manufacture de Cristal
(attribué à)

Paire de Vases « aux Oiseaux »

France
Circa 1880

Opaline, Bronze doré

Hauteur : 35,5 cm ; Largeur : 16 cm ; Profondeur : 12 cm

Belle paire de vases en opaline de forme balustre d’inspiration japonisante, ornée d’une monture en bronze ciselé et doré à l’imitation du bambou, prolongée sur le col par deux anses mobiles en anneaux. Le corps est en opaline translucide à dominante gris nuagé, à rehauts d’or accentuant la profondeur optique. Le décor se développe sur la panse et représente deux oiseaux aux plumages rouge, vert, jaune et violet, traités avec une précision naturaliste dans le rendu des plumes, tandis que leur posture demeure décorative et symétrique. Ils sont perchés sur un cartouche stylisé bleu turquoise orné de grecques simplifiées, au milieu de branches fleuries de fleurs jaunes accompagnées de feuillages verts finement cernés. L’ensemble repose sur quatre double-pieds en bambou stylisé.

L’association d’un verre opalin nuagé et de la monture en bronze doré d’inspiration japonisante  renvoie à une production de luxe destinée à l’ameublement bourgeois ou aristocratique. Ce type d’objet s’inscrit dans la vogue du japonisme qui marque les arts décoratifs français à partir des années 1860–1880. Les montures en bronze doré, par leur traitement finement ciselé et leur rôle structurant, s’inscrivent dans la tradition des objets montés, pratique héritée du XVIIIe siècle 

Biographie

La célèbre cristallerie de Baccarat, dont l’origine remonte au XVIIIe s., remporte sa première médaille d’or, à l’occasion de l’Exposition des Produits de l’Industrie de 1823, où elle est saluée pour “l’éclat et la finesse du cristal” et devient la première cristallerie de France. Baccarat est sans nul doute la seule industrie française qui est alors constamment et magistralement représentée au cours des différentes expositions auxquelles elle participe, remportant de ce fait les honneurs et de prestigieuses récompenses. Un maître-mot, “la perfection de la matière et de la taille”, revient dans tous les rapports d’Expositions Universelles entre 1855 et 1867, où la cristallerie Baccarat domine par la qualité de son cristal, jugé supérieur à ceux de Bohême et d’Angleterre. Afin de fidéliser ses clients fortunés, parmi lesquels figure bien évidemment les membres de la Famille Royale, Baccarat se doit de découvrir et lancer de nouvelles modes, de nouveaux décors ainsi que de nouvelles matières.

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Bronzier (actif de 1831 à 1864)

Paire de jardinières aux Amours

Signée H. PICARD

France – Circa 1860

Bronze doré

Hauteur : 20,5 cm ; Longueur : 64 cm ; Largeur : 37 cm

Belle paire de jardinières en bronze ciselé et doré de forme ovale, à doublure intérieure lisse. Elles sont ornées en relief, et mises en valeur par un subtil jeu de bruni et d’amati, de rinceaux feuillagés, enroulements asymétriques, coquilles et agrafes structurant la composition selon un rythme symétrique centré. Au centre se détachent deux amours ailés, traités en ronde-bosse, enlacés dans un geste tendre. Leur modelé souple, chairs pleines, visages aux traits arrondis, chevelures bouclées, témoigne d’une volonté de naturalisme tempérée par l’idéalisation académique. Une seconde paire d’amours, disposée en pendant répètent le même geste. Ils surmontent un médaillon représentant Vénus. Les anses latérales, ajourées et asymétriques, se déploient en larges volutes végétales, peuplées de fleurs et de feuillages, dans un esprit clairement rocaille. Le piètement, formé d’enroulements feuillagés reposant sur de petits appuis discrets, confère à l’ensemble une légèreté visuelle malgré la densité du décor.
Le vocabulaire décoratif emprunte au style Louis XV pour la dynamique des lignes et l’abondance des rinceaux, tandis que la composition générale, strictement axiale et équilibrée, révèle une rationalité héritée du néoclassicisme. Cette synthèse est caractéristique des productions de bronziers parisiens du XIXᵉ siècle, dans le contexte du goût pour le XVIIIᵉ siècle ravivé sous le Second Empire.

Le thème des amours renvoie à une iconographie d’origine antique, réinterprétée à la Renaissance puis largement diffusée dans les arts décoratifs français. Symbole d’amour, d’abondance ou de félicité domestique, leur présence est particulièrement adaptée à une jardinière, objet associé à la culture des fleurs et à l’ornement des intérieurs bourgeois. Destinée à recevoir des compositions florales, des plantes d’ornement ou de fruits, ces jardinières relevaient d’un mobilier d’apparat, probablement conçue pour un salon ou un boudoir. Elle témoigne du goût pour les pièces spectaculaires, à la fois utilitaires et sculpturales, qui participaient à la mise en scène du luxe domestique.

Biographie

Henri Picard (actif 1831-1864), doreur et bronzier, s’installa à Paris, au 6 rue de Jarente de 1831 à 1839 ; puis, au 10 rue de la Perle de 1840 à 1864. Il réalisa la dorure des Petits Appartements de Napoléon III au Palais de Louvre. Il exécuta des œuvres très diverses, comme un encrier Japonisant, ou des centres de table de style Pompéien. Henri Picard gagna sa réputation pour la grande qualité de ses jardinières et garnitures de cheminée.

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Bronzier (1805-1886)
(attribué à)

Paire de Tritons

France
Circa 1870

Bronze patiné et doré, Marbre Griotte

Hauteur : 35 cm ; Largeur : 28 cm ; Profondeur : 18 cm

Paire de sculptures en bronze patiné à rehauts dorés représentant deux tritons juvéniles légèrement tournés vers l’intérieur, créant un effet de pendant et de dialogue visuel.
Ces figures hybrides associent un torse d’enfant, proche d’un Amour, à une partie inférieure ichtyomorphe formant une queue enroulée. Cette typologie renvoie à la tradition iconographique des tritons, divinités marines issues du cortège de Poséidon/Neptune dans la mythologie gréco-romaine. Toutefois, le traitement juvénile et gracile, éloigné du triton barbu antique, relève davantage d’une réinterprétation décorative d’époque moderne, où l’imaginaire marin est adouci et intégré à une esthétique ornementale.
Les tritons sont figurés tenant ou entourés d’éléments aquatiques stylisés : coquilles, feuilles aquatiques et fleurs à larges pétales.
Chaque sculpture repose sur une base circulaire moulurée en marbre griotte tronquée à l’arrière, largement employé dans les arts décoratifs européens aux XVIIe–XIXe siècles, conférant à l’ensemble une assise chromatique riche et un caractère luxueux.

Biographie

Victor Paillard (1805-1886) est à compter parmi les plus grands bronziers français de la seconde moitié du XIX^e siècle. Il apprend la ciselure avec Jean-François Denière (1774-1866), puis ouvre dans les années 1830 sa propre entreprise “de bronzes d’art et d’ameublement”, installée n°105, boulevard Beaumarchais à Paris. Il fabrique d’abord des petits objets, puis des statuettes, des candélabres et des pendules, parfois de grandes dimensions. Il apparaît pour la première fois à l’Exposition des Produits de l’Industrie en 1839 et travaille pour les plus grands sculpteurs, tels Pradier, Barye ou Carrier-Belleuse.
Le succès ne se fait pas attendre, entre autres grâce aux Expositions Universelles de Londres en 1851 et 1862, et de Paris en 1855, 1867 et 1878, auxquelles il participe. Il y est célébré chaque fois pour la qualité de son travail. En exemple, John Burney Waring reproduit un miroir de Paillard dans son ouvrage de référence “Masterpieces of Industrial Art and Sculpture, 1862 (Plate 92)”, réunissant les plus belles œuvres de l’Exposition Internationale de Londres. Paillard est alors récompensé d’une médaille, et la “qualité exceptionnelle de son travail” est citée dans tous les rapports de jurys. Fait Chevalier de la Légion d’honneur, Paillard qui emploie une centaine d’ouvriers propose à sa clientèle plus de quatre cents modèles en bronze. Il ne se contente pas de réaliser les modèles des autres sculpteurs, mais crée également les siens, comme en témoignent ses figures de jeunes enfants et de chérubins alors très prisés, qui ornent pendules, vases et torchères. Remportant un franc succès aux Expositions Universelles de 1862 et 1867, ces amours symbolisent d’après Burney Waring “le bonheur et l’innocence de l’enfance”.

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Italie
Circa 1890

Bois peint

Hauteur : 212 cm ; Largeur : 130 cm

Ce grand miroir à parcloses en bois sculpté et polychrome se distingue par une composition architecturée et très décorative, inspirée des styles baroque et rocaille, particulièrement appréciés en Italie à cette période.
Le cadre, richement sculpté, est orné d’un abondant décor de feuillages, de fleurs et de rinceaux, traités en relief et rehaussés d’une polychromie aux tons naturels — verts, roses et ocres — contrastant élégamment avec les parties dorées. La crête ajourée, au sommet, présente un important motif de volutes feuillagées symétriques, encadrant un décor central élancé qui accentue la verticalité de l’ensemble.
Les parcloses latérales et supérieures, finement moulurées, structurent le miroir principal et amplifient la réflexion lumineuse, tout en renforçant la monumentalité de la pièce. La base du cadre est ornée d’une guirlande florale sculptée, agrémentée de fleurs et de feuillages retombants, reposant sur de petits pieds sculptés, conférant stabilité et élégance.

L’ensemble témoigne d’un travail de grande qualité, caractéristique de la production décorative italienne de la fin du XIXᵉ siècle, mêlant virtuosité de la sculpture, richesse ornementale et goût théâtral. Ce miroir était destiné à un intérieur d’apparat, où il jouait autant un rôle décoratif que fonctionnel.

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Manufacture de Porcelaine

Paire de Vases cornets

Allemagne
Circa 1880

Porcelaine

Hauteur : 51 cm ; Diamètre : 24 cm

Belle paire de vases en porcelaine de forme cornet, s’évasant largement vers le haut en une corolle élégante. La base, légèrement renflée, repose sur un piédouche circulaire souligné d’un filet d’or.
Ils sont composés d’un décor compartimenté alternant réserves blanches et fonds colorés. Le fond rose soutenu, traité en motif d’écailles superposées, évoque le célèbre décor dit “Schuppenmuster” (motif d’écailles), fréquemment employé à Meissen au XVIIIᵉ siècle et repris au XIXᵉ dans un esprit historiciste. Ce treillis régulier, peint en dégradé de rose carmin à rose pâle, crée un effet de profondeur optique. Des cartouches de style rocaille, composés de volutes et de feuilles d’acanthe dorées, encadrent les scènes florales et délimitent les zones colorées.
Le corps des vases est orné d’un décor polychrome d’une grande finesse, illustrant un bouquet naturaliste asymétrique. On y distingue des pivoines, des anémones, des tulipes et des fleurs des champs. Pour renforcer le naturalisme, l’artiste a parsemé la surface de petits insectes volants (coléoptères, papillons), une pratique typique de Meissen.

La base présente la marque aux deux épées croisées peintes en bleu sous couverte, emblème de la manufacture de Meissen depuis 1722. La présence de caractères ou de chiffres d’atelier à proximité de la marque, pourrait correspondre à une variante ou à une marque d’atelier/postérieure, ce qui suggère une production du XIXᵉ siècle dans le goût du XVIIIᵉ, période durant laquelle la manufacture produisit de nombreuses réinterprétations historicistes de ses modèles rococo.

commentaire

Créée par Auguste Le Fort en 1710, la manufacture de Meissen fut la première manufacture de porcelaine en Europe à rivaliser avec a production jusqu’alors venue de Chine, après la découverte par le chimiste Frédéric Bottger en 1709 des principes de la fabrication de la porcelaine et de l’indispensable kaolin.
Dès ses débuts, cette manufacture a su imposer son style grâce à des artisans talentueux et à l’utilisation de techniques complexes. Parmi les plus célèbres sculpteurs, Johann Gottlieb Kirchner et Johann Joachim Kaendler, qui ont marqué l’histoire de Meissen avec leurs figurines animalières et leurs sculptures miniatures d’une grande finesse.
Les porcelaines de Meissen sont caractérisées par une pâte dure, offrant une blancheur unique, souvent décorée à la main avec des émaux polychromes ou des dorures délicates. Les décors sont souvent inspirés de la nature, de scènes de chasse, ou encore de motifs rococo, très en vogue au XVIIIe siècle. On retrouve également des pièces ornées de fleurs et d’oiseaux, comme en témoignent certaines collections de services de table ou d’objets d’apparat, créées pour l’aristocratie européenne.

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Dessinateur & Sculpteur (1827-1899)
(attribué à)

Paire de vases « rouleaux »

France
Circa 1870

Onyx, Bronze doré et argenté

Hauteur : 27,5 cm ; Largeur : 16,5 cm ; Profondeur : 15 cm

Cette belle paire de vases de forme rouleau est constituée de corps cylindriques en onyx, cerclés d’une monture en bronze ciselé à rehauts dorés et argentés, formant un élégant contraste chromatique. La partie supérieure est ceinte d’une galerie ajourée à décor de rinceaux et de motifs stylisés. De part et d’autre sont fixées des anses mobiles à décor d’enroulements. Ils reposent sur des bases circulaires, ornées de fleurs de cerisier, soutenues par pieds en volutes soulignés de motifs floraux et de feuilles stylisées.

Par leurs proportions élancées, l’association maîtrisée de l’onyx et du bronze, ces vases peuvent être attribués à Eugène Cornu (1827–1899), bronzier parisien reconnu pour ses productions associant pierres dures et bronzes d’ameublement de grand luxe. Ces œuvres s’inscrivent pleinement dans la tradition des objets décoratifs de prestige destinés à l’ornementation de salons et d’intérieurs bourgeois ou aristocratiques à la fin du XIXᵉ siècle.

biographie

Le sculpteur Eugène Cornu (1827-1899), installé 29 rue Popincourt à Paris, travailla tout d’abord comme dessinateur et directeur des travaux de la maison Tahan (1813-1892), avant de travailler à partir de 1858, en étroite collaboration avec la Compagnie des Marbres Onyx d’Algérie, dirigée par Gustave Viot (1828-1897), et créée par Alphonse Pallu (1808-1880) le 14 juin 1858. Cette compagnie se réfère à l’exploitation de l’onyx, connu depuis l’Antiquité et redécouvert en 1849 dans la province d’Oran en Algérie par Del Monte, un marbrier.
Elle ouvrit en 1863 un magasin au n°24 du Boulevard des Italiens à Paris. Au milieu des années 1860, le nom de la compagnie changea pour « G. Viot & Cie » and produisit à partir de modèles de sculpteurs renommés, tels Eugène Cornu, Albert Carrier-Belleuse (1824-1887) (Victoria & Albert Museum, Inv. 9070-1863), Charles Cordier (1827-1905)(Orsay, Inv. RF 2996) ou Louis-Ernest Barrias (1841-1905) (Orsay, Inv. RF 1409) des œuvres décoratives de grand luxe ayant pour particularité d’associer l’onyx au bronze, et parfois l’émail. Ils présentèrent ainsi sur leur stand à l’Exposition Universelle de Paris en 1867, une impressionnante paire de vases en onyx, bronze et émail avec leurs sellettes à figures d’éléphants (signée « G. Viot et Cie, Exposition de 1867, Eugène Cornu Inventeur » ; Catalogue Officiel de l’Exposition, groupe III, classe XIV, « meubles de luxe », n°65) qui admirée du jury, leur rapporta une médaille d’or (Rapports du Jury International, Exposition Universelle de 1867 à Paris, 1868, t. III, groupe III, classe XV, chapitre II, § 2, p°45 & 46). Vers 1873 Eugène Cornu devint le directeur de la Compagnie qui prit alors le nom de Société des Onyx d’Algérie E. Cornu et Cie. Vers 1878, la société fut ensuite dirigée par H. Journet dont elle prit le nom. La société resta ouverte jusqu’au début du XXe siècle.

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France
Circa 1870

Rhodonite, Bronze doré

Hauteur : 14,5 cm ; Base : 8 x 8 cm

Cette paire de bougeoirs est constituée d’un fût cylindrique en rhodonite polie, inséré dans une riche monture en bronze ciselé et doré. Chaque bougeoir repose sur une base tripode soulignant la stabilité et l’équilibre de l’ensemble.
La partie supérieure est formée d’une bobèche circulaire en bronze doré, à profil mouluré, ornée d’une frise gravée de motifs géométriques stylisés. Le fût est ceinturé de montants verticaux en bronze, finement ciselés, se prolongeant en pieds galbés à décor de feuilles et de sabots stylisés.
L’ornementation se distingue par la présence de têtes de béliers en ronde-bosse, disposées en applique sur la partie supérieure du fût. De ces mascarons partent des guirlandes de fruits et de feuillages, conférant à l’ensemble une iconographie d’inspiration antique, associée aux thèmes de l’abondance et de la force. Les têtes animales, aux cornes spiralées et au modelé naturaliste, témoignent d’un haut niveau de maîtrise technique.

L’association du bronze doré et de la rhodonite, matériau décoratif rare dans les arts du feu européens, inscrit ces bougeoirs dans une tradition de luxe décoratif du début du XIXᵉ siècle, dans le goût néoclassique. La qualité de la dorure, encore bien conservée, ainsi que la précision de la taille de la pierre suggèrent une commande destinée à un intérieur aristocratique ou de grand apparat.
L’ensemble présente une cohérence stylistique et matérielle remarquable, illustrant l’alliance entre arts lapidaires et bronzes d’ameublement dans les arts décoratifs européens.

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France
Circa 1870

Bois doré, Marbre

Hauteur : 90 cm ; Largeur : 117 cm ; Profondeur : 55 cm

Cette console en bois sculpté et doré de style Régence, présente une composition élégante et architecturée. Elle se distingue par sa structure à deux pieds en console fortement galbés, richement sculptés de feuillages, cannelures et enroulements, se terminant par des pieds à griffes reposant sur des bases moulurées.
La ceinture est abondamment décorée : au centre, un important motif de coquille rayonnante, encadré de rinceaux et de volutes symétriques, s’inscrit dans un panneau au fond finement quadrillé. Des chutes sculptées et des ornements feuillagés soulignent les angles et renforcent l’équilibre décoratif de l’ensemble. L’ornementation, bien que riche, reste maîtrisée, illustrant parfaitement la transition entre la rigueur du style Louis XIV et la liberté décorative du futur Louis XV. Les deux pieds sont reliés par une entretoise ajourée, ornée d’une coquille centrale et de volutes, apportant stabilité et raffinement à la structure. Le plateau en marbre blanc, sobre et légèrement mouluré, contraste avec l’éclat de la dorure, mettant en valeur la profondeur de la sculpture.
L’ensemble dégage une impression de prestige et de légèreté, caractéristique des consoles Régence destinées aux appartements d’apparat.

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Manufacture de Céramique (1845-1895) 

A. de Caranza

Dessinateur (1843-1914)
(attribué à)                                                                     

Coupe de présentation

Marque de J.Vieillard & Cie à Bordeaux

France
Circa 1880

Faïence, Bronze doré

Hauteur : 11 cm ; Diamètre : 38 cm

Belle coupe circulaire en faïence, à décor polychrome peint sous glaçure et rehaussé de filets brun manganèse. Le marli et le fond sont ornés d’un riche décor compartimenté d’inspiration historiciste, alternant cartouches rectangulaires et médaillons circulaires. Ces derniers présentent des figures zoomorphes stylisées (lions et chimères affrontés), exécutées en noir sur fond blanc cerclé de bleu turquoise, évoquant un répertoire héraldique et néo-Renaissance.
Le centre est occupé par un large médaillon circulaire polychrome figurant un écu armorié surmonté d’un heaume. Le médaillon central est encadré d’un motif architecturé noir et ocre rappelant le cuir découpé, aux volutes et ressauts marqués, se détachant sur un fond brun-rouge dense couvert d’un décor végétal répétitif à rinceaux et feuillages.
Une large frise circulaire bleu turquoise à rinceaux noirs sépare le décor central du marli. La palette chromatique — bleu turquoise, noir, brun rouge, ocre et blanc — est caractéristique des productions de la manufacture Jules Vieillard & Cie, qui s’inspire ici des faïences italiennes de la Renaissance et des arts décoratifs hispano-mauresques, réinterprétés dans un langage éclectique propre au XIXᵉ siècle.
La coupe est enchâssée dans une monture en bronze doré ciselé et ajouré, formant une bordure à décor ajouré de rinceaux et d’entrelacs réguliers reposant sur trois pieds à tête de chien finissant par des enroulements. 

Cette monture, contemporaine de l’objet, témoigne de la pratique consistant à magnifier les faïences décoratives par des montures en bronze doré, destinées à une présentation de prestige dans un contexte bourgeois ou collectionneur. L’ensemble illustre le haut niveau technique et décoratif atteint par la manufacture bordelaise sous la direction de Jules Vieillard, ainsi que son goût pour les références historiques savantes adaptées aux arts décoratifs de son temps.

Biographie

À Bordeaux, la faïence fine connaît un grand développement au début du XIXe siècle, à partir de la création par Boudon de Saint-Amans d’une manufacture qu’il cède rapidement à David Johnston. Celui-ci ouvre une manufacture à Bacalan qui va avoir jusqu’à 700 ouvriers. La production est alors industrielle, avec des décors imprimés aux motifs et couleurs. Jules Vieillard succède à David Johnston, en 1845, et son action est déterminante dans le succès industriel de la manufacture de Bacalan mais aussi dans la qualité artistique d’une production qui fut unanimement célébrée au moment des célèbres Expositions universelles d’où le nom communément donné à ces faïences de « Vieillard ». Dans sa dernière période, Jules Vieillard développe un exceptionnel orientalisme. En 1865 ses fils, Charles et Albert, prennent sa suite sous la raison sociale de Manufacture Jules Vieillard et C^ie, et produisent des motifs très variés avec tout spécialement des fleurs et des oiseaux. Cependant, si les décors imprimés ne sont pas complètement abandonnés, leur qualité laisse à désirer. Ils décident alors de renouveler les formes, s’orientant vers des pièces décoratives désormais à la mode comme les lampes, les cache-pots, ou les vases. Quant aux décors, ils connaissent à leur tour une renaissance, grâce à l’arrivée d’Amédée de Caranza vers 1875, un céramiste venu de Longwy, où il y avait lancé dès 1872 ses fameux « Emaux de Longwy », selon un procédé de décor d’émaux cloisonnés. Ses décors veulent alors surtout évoquer l’éclat des objets persans ou japonisants. Parti chez le concurrent bordelais, Longwy ne garde pas longtemps son exclusivité. Caranza, devenu chef d’atelier à la manufacture Vieillard en 1882, qui connaît un nouvel élan, puis la quitte probablement en 1885. L’usine Vieillard ferme en 1895.

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Élégante paire de Vases

France
Circa 1860

Porcelaine

Hauteur : 51 cm ; Diamètre : 18 cm

Paire de vases de forme balustre, en porcelaine dure, reposant sur un pied circulaire mouluré et s’évasant vers un col à lèvre plate soulignée d’un filet doré. Chaque vase est pourvu de deux anses latérales appliquées, à décor ajouré et doré, de profil chantourné, s’inscrivant dans le vocabulaire ornemental historiciste du milieu du XIXᵉ siècle.
La surface est couverte d’un fond bleu profond, richement rehaussé d’un décor doré composé de rinceaux feuillagés, volutes, treillages et motifs floraux stylisés. Le décor est organisé autour de larges réserves ovales cernées de frises dorées.
Sur une face de chaque vase, les réserves présentent des scènes animalières et ornithologiques peintes en polychromie, figurant des oiseaux exotiques dans des paysages idéalisés, traités avec une grande précision naturaliste et une palette subtile, évoquant l’influence des recueils zoologiques et des décors orientalistes alors en vogue. Sur les faces opposées, les réserves sont ornées de bouquets floraux luxuriants, composés de roses, dahlias, pivoines et fleurs de jardin, rendus avec un sens aigu du modelé, de la transparence des pétales et des dégradés chromatiques, caractéristiques de la peinture de fleurs sur porcelaine de haute qualité.

L’alternance des décors — scènes d’oiseaux et compositions florales — ainsi que la symétrie générale de l’ornementation confèrent à cette paire une forte unité visuelle, tout en soulignant la virtuosité technique des peintres et doreurs. L’ensemble témoigne du savoir-faire de la manufacture de Valentine, active au XIXᵉ siècle et réputée pour ses productions luxueuses destinées à une clientèle bourgeoise et aristocratique, s’inscrivant dans la tradition française des porcelaines d’apparat, héritière à la fois des modèles de Sèvres et du goût éclectique du Second Empire.

La manufacture dite de Valentine est une manufacture de porcelaine fondée en 1832, à la suite de la découverte d’un filon de kaolin dans les Pyrénées centrales, à Saint-Gaudens. Elle est la seule fabrique de porcelaine du sud de la France. Chassés par des ennuis politiques, d’anciens faïenciers de Moustiers-Sainte-Marie (Alpes-de-Haute-Provence) fondent une manufacture à Toulouse, au début du XIXe siècle. Dès 1820, cette manufacture « Fouque et Arnoux, fabricants de faïence, place Saint-Sernin à Toulouse », compte soixante-dix ouvriers et une annexe à Saint-Gaudens, sur les bords de la Garonne, où les deux fabriques seront regroupées en 1832. Cette manufacture employant jusqu’à 250 ouvriers dans les années 1850 fait alors face à la colline de Valentine où les 6 fours de la fabrique se ravitaillent en bois, et dont les porcelaines prendront le nom. Ces “porcelaines de Valentine”, produites à Saint-Gaudens jusqu’en 1878, sont à pâte dure, d’un blanc pur, laiteux, à émail très brillant, et dont les fameux “Bleus de Valentine” sont colorés au bleu de cobalt. Les décors sont très souvent enrichis de bouquets floraux et de filets d’or peints sur l’émail.

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Bronzier (actif de 1831 à 1864)
(attribué à)

Guéridon aux Bacchantes

France
Circa 1860

Bronze doré, Malachite

Hauteur : 80,5 cm ; Diamètre : 104 cm

Rare guéridon circulaire reposant sur un piètement tripode en bronze finement ciselé et doré, supportant un plateau en malachite de l’Oural appareillé, cerclé d’une frise de feuilles d’eau et de perles.
Le piètement se compose de trois bacchantes traitées en ronde-bosse, disposées en caryatides et reliées entre elles par des rinceaux feuillagés et des cartouches ornés de mascarons. Les figures, aux proportions élancées et à l’anatomie idéalisée, adoptent une posture dynamique, bras levés soutenant la ceinture du plateau.
Le socle triangulaire à angles arrondis est enrichi de motifs néoclassiques – palmettes, godrons et feuilles d’acanthe.

Par la qualité exceptionnelle de la fonte, la finesse de la ciselure et l’équilibre savant entre sculpture et architecture décorative, ce guéridon s’inscrit dans la tradition du mobilier d’apparat parisien du milieu du XIXe siècle. Il est attribuable au bronzier Henri Picard, dont l’atelier s’illustra par des œuvres d’un raffinement extrême, destinées à une clientèle aristocratique et internationale, et par une relecture érudite des modèles antiques et Renaissance, caractéristique du goût éclectique du Second Empire. 

Biographie

Henri Picard, doreur et bronzier, s’installa à Paris, au 6 rue de Jarente de 1831 à 1839 ; puis, au 10 rue de la Perle de 1840 à 1864. Il réalisa la dorure des Petits Appartements de Napoléon III au Palais de Louvre. Il exécuta des œuvres très diverses, comme un encrier Japonisant, ou des centres de table de style Pompéien. Henri Picard gagna sa réputation pour la grande qualité de ses jardinières et garnitures de cheminée.

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Sculpteur
(1822-1912)

Val d’Osne

Bronzier

Paire de Torchères « Nubiennes »

France
Début XXe siècle

Bronze patiné et doré

Hauteur totale : 234 cm ; Hauteur socle : 29 cm ; Largeur : 38 cm ; Profondeur : 45 cm

Belle paire de Nubiennes en bronze patiné et rehauts d’or. Chacune, drapée à l’antique, debout, bracelets dorés aux chevilles, les bras élégamment levés au-dessus de la tête pour soutenir une torche lumineuse. Leur visage est serein, animé d’une grande douceur, les paupières abaissées, la chevelure maintenue par un ruban doré. Le drapé, maintenu en place par une ceinture dorée, met en exergue le déhanchement subtil de ces femmes.
Chaque figure repose sur une base circulaire.
Numérotation d’édition visible sur l’une des terrasses (6471), conforme aux pratiques du Val d’Osne ; présence d’un poinçon circulaire d’atelier.

Modèle de candélabres par Mathurin Moreau, illustré dans le catalogue de la Société anonyme des hauts-fourneaux et fonderies du Val d’Osne

Biographie

Mathurin Moreau est un sculpteur français majeur du XIXᵉ siècle, connu pour son style académique et naturaliste. Élève de l’École des Beaux-Arts et lauréat du Prix de Rome, il participe régulièrement aux Salons à partir de 1848. Ses œuvres sont souvent inspirées de figures allégoriques ou féminines. Il travaille pour de nombreuses fonderies d’art, dont Barbedienne et le Val d’Osne, et reçoit plusieurs distinctions, dont une médaille d’honneur à l’Exposition universelle de 1878. Ses sculptures décorent de nombreux monuments et jardins en France et à l’étranger.

Le Val d’Osne, fondé en 1836 par Jean-Pierre-Victor André, est l’une des plus célèbres fonderies d’art françaises du XIXᵉ siècle. Spécialisée dans la fonte d’ornement en fer et en bronze, elle édite un vaste catalogue comprenant statues, fontaines, candélabres et éléments architecturaux. Réputée pour la qualité de ses fontes et pour ses collaborations avec de grands sculpteurs (dont Mathurin Moreau, Carrier-Belleuse, et Pradier), la fonderie exporte dans le monde entier et remporte de nombreuses récompenses aux Expositions universelles. Elle demeure une référence incontournable dans l’histoire du décor architectural et du mobilier urbain du Second Empire et de la Belle Époque.

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Peintre (1853-1929)

« L’arrivée de la Mariée »

Signée et datée E. Boutigny 1928

Huile sur toile

Hauteur : 90 cm ; Largeur : 110 cm ; Profondeur : 7 cm

Cet élégant tableau représente l’arrivée d’un carrosse amenant la mariée devant une église. L’instant saisi est celui d’un débarquement mondain, transformé en spectacle social. Les personnages, richement vêtus, occupent l’espace dans une composition dense et animée. Les robes aux étoffes soyeuses et aux couleurs chatoyantes contrastent avec les habits masculins ornés de broderies et de boutons dorés, soulignant la hiérarchie sociale et le raffinement des protagonistes.

La lumière, diffuse et maîtrisée, met en valeur les figures centrales tout en laissant les zones périphériques dans une relative pénombre. À droite, la présence d’un mendiant introduit une discrète note de contraste social, mais sans véritable tension critique : il s’agit davantage d’un motif pittoresque hérité de la tradition du XVIIIᵉ siècle que d’une dénonciation. Cette retenue confirme la dimension idéalisée de la scène, où l’Ancien Régime est évoqué comme un âge d’élégance et de sociabilité harmonieuse. Réalisée à la fin de la carrière de Boutigny, cette œuvre témoigne d’une fidélité assumée à une esthétique narrative et décorative, à contre-courant des avant-gardes contemporaines. 

Biographie

Paul Émile Boutigny (1853-1929) fait partie des peintres d’histoire et de genre mondain les plus appréciés de la Troisième République. Élève d’Alexandre Cabanel à l’École des Beaux‑Arts de Paris, il se spécialise très tôt dans les scènes de genre d’inspiration historique, principalement situées au XVIIIᵉ siècle. Il s’inscrit ainsi dans la tradition dite « néo-galante », héritière de Watteau, Fragonard ou Lancret, mais revisitée avec la sensibilité et la technique du XIXᵉ siècle finissant. Il débute au Salon des Artistes Français en 1881 et expose régulièrement au Salon où ses œuvres rencontrent un public favorable. Son succès repose sur une peinture séduisante, narrative et décorative, parfaitement adaptée aux intérieurs bourgeois et aristocratiques. À une époque marquée par l’essor de l’impressionnisme puis des avant-gardes, il choisit délibérément de rester fidèle à une esthétique classique, assumant un certain conservatisme stylistique. Au tournant du XXᵉ siècle et jusqu’à la fin de sa vie, Boutigny poursuit cette voie avec constance. Ses œuvres tardives, notamment celles des années 1910–1920, témoignent d’une grande liberté de touche, tout en conservant la clarté du récit et l’élégance de la mise en scène. La matière picturale y devient parfois plus vibrante, traduisant une sensibilité accrue à la lumière et au mouvement. 

Bibliographie

– Benezit, Dictionnaire des Peintres, Sculpteurs, Dessinateurs et Graveurs, Paris, Gründ.
– Catalogue du Salon des Artistes Français, années 1881–1895.
– Jean‑Paul Crespelle, La Vie artistique à la Belle Époque, Paris, 1966.
– Musée d’Art et d’Histoire de Saint‑Denis – fonds Paul Émile Boutigny.
(References on the artist’s biography and exhibitions held during the 1880s and 1890s.)

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Bronzier (1810-1892)
(attribué à)

Lustre Orientaliste

France
Circa 1880

Bronze doré, Email

Hauteur : 68 cm ; Diamètre : 19 cm

Élégant lustre à une lumière centrale, en bronze doré et émaux cloisonnés polychromes, relié à un plafonnier étoilé émaillé par des chaines qui supportent une couronne ajourée émaillée sertie de cabochons rouges rubis. Le tout se termine par une coupe dépolie gravée d’étoiles. 

Les cabochons rouges rappellent les pierres précieuses des icônes byzantines ou des reliquaires gothiques, ce qui pourrait nous faire penser à un lustre liturgique, ou s’il n’est pas un luminaire d’église, il reprend fidèlement le style liturgique byzantin « modernisé » très en vogue en France à la fin du XIXᵉ siècle. Les émaux cloisonnés apportent également une touche orientalisante, fréquente dans les productions des ateliers parisiens de cette période, tels les ateliers de Barbedienne.

Biographie

Ferdinand Barbedienne (1810-1892) a créé et dirigé l’une des plus importantes fonderies d’art pendant la seconde moitié du XIXème siècle. Il doit sa renommée tant pour ses fontes de sculptures anciennes et modernes, dont les sujets étaient tirés des plus grands musées d’Europe, que ses bronzes originaux, dessinés dans ses ateliers. En plus de sa propre production, Barbedienne travaille pour les sculpteurs les plus renommés comme Barrias, Clésinger ou encore Carrier-Belleuse. Déjà saluée par deux grandes médailles (Council medals) à l’Exposition de Londres en 1851, la maison Barbedienne remporte à l’Exposition Universelle de 1855 à Paris, une grande médaille d’honneur. Les succès rencontrés par la maison Barbedienne dans les Expositions Internationales lui valent en conséquence de nombreuses commandes officielles, comme celle de fournir les bronzes d’ameublement pour la Maison pompéienne du Prince Napoléon-Joseph, vers 1860, avenue Montaigne à Paris. A l’Exposition Universelle de Londres en 1862, Barbedienne remporte des médailles dans trois classes différentes : meubles d’art, orfèvrerie et bronzes d’art. Nommé Officier de la Légion d’Honneur en 1867, il est fait Commandeur en 1878, suite à l’Exposition Universelle où le jury le compare à « un prince de l’Industrie et au roi du bronze ». Sa gloire ne tarit pas avec les années, puisqu’à l’Exposition Universelle de 1889, les critiques remercient Barbedienne de servir de maître aux autres bronziers, par la qualité toujours exemplaire de ses bronzes.

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Manufacture d’orfèvrerie (1824-2015)

Paire de Pichets à eau glacée

Etats-Unis – Circa 1880

Socle numéroté 140 et inscrit MFD &PLATED BY REED & BARTON

Pichets numérotés 2027 et inscrits PAT FEB 24 1880, PATENTED AUG 4 1868 et MAY 13.1879

Métal argenté

Hauteur totale : 42 cm ; Diamètre socle : 28 cm

Ces deux pichets en métal argenté présentent la morphologie caractéristique des ice water pitchers américains de la fin du XIXᵉ siècle. Leur structure conique, légèrement évasée vers la base, repose sur un large socle circulaire à décor gravé de frises végétales et de filets concentriques. Chaque pichet est posé sur un support articulé basculant, permettant de verser le liquide sans soulever la pièce entière, une innovation technique typiquement américaine. Le corps est orné d’un décor gravé et estampé à motifs géométriques et floraux stylisés et d’une frise d’amours en partie basse. Le couvercle conique, terminé par une prise sphérique ornée de fleurs est ceint d’une discrète frise de perles surmontant un bandeau à décor d’amours sur des chars. Les montants latéraux en double tige soutiennent le corps du pichet par des axes articulés richement ciselés. Les éléments structuraux montrent un raffinement ornemental poussé, combinant des lignes droites et circulaires, témoins du goût victorien pour l’abondance décorative tout en respectant la symétrie industrielle.

D’après les catalogues conservés au Museum of American Silver (Taunton, MA) et les reproductions publiées dans Rainwater & Redfield (2001), les modèles #140 et #2027 apparaissent dans les séries “Ice Water Pitchers with Tilting Stand” produites entre 1878 et 1884 et correspondent à la grande taille des “Deluxe Tilting Ice Pitchers”. Le brevet du 4 août 1868 concerne un mécanisme de basculement à ressort introduit entre 1869 et 1870, et les brevets du 13 mai 1879 et 24 février 1880 se rattachent à deux dépôts relatifs aux charnières et au revêtement isolant à double paroi, utilisés précisément après 1880.

contexte historique et stylistique

Les pichets à eau glacée constituent une typologie typique de l’argenterie américaine post‑guerre de Sécession (vers 1865–1890). Conçus pour conserver l’eau au frais grâce à une double paroi interne (souvent en étain ou en nickel), ils figuraient parmi les pièces de démonstration dans les salons bourgeois, symbolisant à la fois modernité technique et statut social

Stylistiquement, ces pichets s’inscrivent dans le style victorien américain, marqué par une fusion éclectique d’influences néo‑gothiques, néo‑renaissance et orientalisantes. La géométrisation des frises, la juxtaposition d’ornements naturalistes et symboliques, ainsi que la composition symétrique de l’ensemble, traduisent l’essor d’une esthétique industrielle ornementée. 

 Biographie

Fondée en 1824 par Isaiah Reed et Henry G. Barton à Taunton (Massachusetts), la firme Reed & Barton devint, au XIXᵉ siècle, l’une des plus importantes manufactures américaines d’orfèvrerie et de métal argenté. Ses innovations dans l’électrolyse et le moulage mécanique favorisèrent une production à grande échelle à la fois artistique et fonctionnelle. Leur production se distingue par la qualité du plaquage électrolytique et l’intégration d’éléments brevetés.

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Peintre (1845-1926)

 « Les Fêtes Galantes »

Signés, situés et datés G. Simoni. Paris. 1881

Huile sur toile

Dimensions avec cadre – Hauteur : 165 cm ; Largeur : 105 cm

Cette grande paire de tableaux de forme ovale met en scène des élégantes et des gentilshommes vêtus à la mode du XVIIIᵉ siècle, réunis dans un vaste jardin à la française.
Le premier tableau représente un concert champêtre : un groupe de musiciens accompagne la promenade de couples raffinés évoluant sur une allée bordée de massifs fleuris, sous de hauts arbres filtrant une lumière claire. Le second tableau montre un rendez‑vous mondain au pied d’un escalier orné de statues et de vasques. Des dames en robes de soie aux teintes vives et des cavaliers en habit pastel conversent, tandis que d’autres personnages s’éloignent dans la profondeur du parc.

La palette est lumineuse, dominée par les verts du feuillage, les bleus du ciel et les roses, bleus et blancs des étoffes. La touche, souple et vibrante, suggère les détails des costumes et de la végétation davantage qu’elle ne les décrit minutieusement, créant une atmosphère de fête légère et animée.

Ces tableaux s’inscrivent dans le renouveau néo‑rococo qui connaît un grand succès à Paris sous le Second Empire puis la Troisième République. Simoni s’inspire de la tradition des fêtes galantes de Watteau et Fragonard, revisitée par les peintres de genre mondain de la Belle Époque.
Le choix du format ovale, la mise en scène d’un parc idéalisé, l’insistance sur la conversation polie, la musique et la promenade, renvoient à une vision nostalgique et raffinée de l’Ancien Régime, très recherchée par la clientèle bourgeoise parisienne de la fin du XIXᵉ siècle.
Par la vivacité de la touche, le soin apporté aux étoffes et l’animation de la foule, ces tableaux se rapprochent des œuvres de contemporains tels que Cesare‑Augusto Detti, Federico Andreotti ou Vittorio Reggianini, eux aussi actifs entre l’Italie et Paris.  

Biographie

Gustavo Simoni (1845-1926) est un peintre italien né à Rome et ayant étudié à l’Accademia di San Luca de Rome. À partir de 1877, Simoni commence à voyager à travers l’Europe (France, Espagne) et surtout en Afrique du Nord (en Tunisie, Maroc et Algérie où il s’installe durant plusieurs années).
Ces voyages nourrissent son inspiration et l’orientent vers l’orientalisme, un courant artistique européen du XIXᵉ siècle qui représente la vie au Maghreb et au Moyen-Orient et dont il devient l’un des principaux représentants italiens. Ses œuvres montrent des caravanes, des marchés nord-africains, des scènes de rue, des musiciens ou encore des personnages berbères avec réalisme et sens du détail.
Il remporte une médaille d’or au Salon de Paris de 1889 avec sa scène monumentale « L’incendie de Persépolis ». Dans les années 1890, il ouvre un atelier à Paris et fonde à Rome une école de peinture orientaliste pour former de jeunes artistes. Il a contribué à la Società degli Acquarellisti Romani (Association des aquarellistes romains), et ses œuvres se trouvent aujourd’hui dans des collections et musées à travers le monde, notamment à Glasgow, Leipzig, Melbourne et New York.

bibliographie

• Crespelle, Jean‑Paul, La vie artistique au temps de la Belle Époque, Paris, 1966
• Conisbee, Philip, Painting in 19th‑Century France, London, 1990
• Expositions de peintres de genre mondain à Paris (catalogues de salons, 1875–1900)

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Orfèvre (XIXe siècle)
(attribué à)

Paire de Guéridons

Angleterre
Circa 1890

Onyx d’Algérie, Cuivre patiné, doré et argenté

Hauteur : 95 cm ; Diamètre : 46,5 cm

Exceptionnelle paire de guéridons d’inspiration néo-grecque, réalisés en cuivre galvanique patiné, doré et argenté. Le plateau en onyx rubané d’Algérie est encadré par une délicate frise de palmettes. L’aspect décoratif de ces guéridons est enrichi par de superbes feuilles de lierre.
Les bases tripodes sont couronnées de têtes de lions majestueusement détaillées, symboles de puissance et de noblesse. Les pieds, à griffes, s’élargissent gracieusement, assurant à la fois stabilité et grâce à la structure. L’ensemble est relié par une entretoise ornementée de motifs végétaux.

Cette paire de guéridons se distingue non seulement par sa qualité de fabrication et ses matériaux précieux, mais aussi par l’harmonie de son décor, où le lierre semble prendre vie autour de l’onyx, créant une atmosphère élégante et intemporelle, au croisement du néoclassicisme et du romantisme végétal.

Biographie

La célèbre firme Elkington, créée à Birmingham en 1824 par George Richards Elkington (1800-1865), débute avec des montures en argent pour flacons à parfum. En 1829, leur commerce s’agrandit suffisamment pour pouvoir s’installer à Londres. A la fin des années 1830, Elkington commence ses expériences de dorure et d’argenture selon les principes de l’électro-métallurgie et dépose son brevet en 1840, dont les droits seront rachetés par l’orfèvre parisien Christofle. Si Elkington doit son ascension grâce à l’exploitation commerciale de ce nouveau procédé technique, il lui manque cependant des artistes pour se hisser parmi les plus importants orfèvres d’Angleterre. Il emploie alors deux des plus habiles dessinateurs français de renom, Albert Willms (1827-1899) puis Léonard Morel-Ladeuil (1820-1888). Grâce à leurs œuvres, ils aideront Elkington à hisser sa réputation au plus haut niveau au cours des célèbres expositions nationales et universelles.

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Bronzier (1810-1892)
(attribué à)

Lustre Néo-Byzantin

France
Circa 1880

Bronze doré, Email

Hauteur : 61 cm ; Diamètre : 25 cm

Élégant lustre néo-byzantin de forme géométrique à trois bras de lumière en bronze doré et émaux cloisonnés polychromes. Le décor émaillé de frises n’est pas sans rappeler les émaux byzantins, source d’inspiration connue des ateliers de la production de F. Barbedienne. Le fût, finissant en pointe, est orné en partie haute de chaînettes et de boules dorées et reçoit les bras éclairants au décor de croix et de rinceaux.

Les émaux cloisonnés, inspirés des claustras byzantins, apportent une touche orientalisante fréquente dans les productions des ateliers parisiens de la fin du XIXᵉ siècle.

Biographie

Ferdinand Barbedienne (1810-1892) a créé et dirigé l’une des plus importantes fonderies d’art pendant la seconde moitié du XIXème siècle. Il doit sa renommée tant pour ses fontes de sculptures anciennes et modernes, dont les sujets étaient tirés des plus grands musées d’Europe, que ses bronzes originaux, dessinés dans ses ateliers. En plus de sa propre production, Barbedienne travaille pour les sculpteurs les plus renommés comme Barrias, Clésinger ou encore Carrier-Belleuse. Déjà saluée par deux grandes médailles (Council medals) à l’Exposition de Londres en 1851, la maison Barbedienne remporte à l’Exposition Universelle de 1855 à Paris, une grande médaille d’honneur. Les succès rencontrés par la maison Barbedienne dans les Expositions Internationales lui valent en conséquence de nombreuses commandes officielles, comme celle de fournir les bronzes d’ameublement pour la Maison pompéienne du Prince Napoléon-Joseph, vers 1860, avenue Montaigne à Paris. A l’Exposition Universelle de Londres en 1862, Barbedienne remporte des médailles dans trois classes différentes : meubles d’art, orfèvrerie et bronzes d’art. Nommé Officier de la Légion d’Honneur en 1867, il est fait Commandeur en 1878, suite à l’Exposition Universelle où le jury le compare à « un prince de l’Industrie et au roi du bronze ». Sa gloire ne tarit pas avec les années, puisqu’à l’Exposition Universelle de 1889, les critiques remercient Barbedienne de servir de maître aux autres bronziers, par la qualité toujours exemplaire de ses bronzes.

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Bronzier (XIXe siècle)

Lustre « aux Amours » 

France
Circa 1880

Bronze patiné et doré, Cristal

Hauteur : 100 cm ; Diamètre : 70 cm

Charmant lustre en bronze doré et patiné composé de neuf branchages se terminant par des roses éclairantes. Il est formé d’un panier à treillis de perles et rosaces en cristal soutenant trois amours assis portant des torches lumineuses. L’ensemble est suspendu par des montants enrubannés se terminant par un plafonnier à décor végétal ajouré. 

Un poinçon “B M” avec numéro d’atelier (019) indique un marquage de la maison Boin-Masson, bronzier parisien actif fin XIXᵉ siècle, ancêtre de la maison Boin-Taburet.  

Commentaire

La maison Boin-Masson naît dans le contexte du Paris du Second Empire, à une époque où les grands ateliers de bronze d’art se multiplient (Barbedienne, Beurdeley, Christofle…). Boin-Masson est fondée par l’association entre Alexandre BOIN et Étienne MASSON. Tous deux sont des maîtres ornemanistes, travaillant le bronze doré, les montures de cristal, et la ciselure décorative inspirée du XVIIIᵉ siècle. La maison s’installe dans le quartier des bronziers : rue Amelot et plus tard rue Chapon, à Paris. Leurs pièces sont signées ou marquées “B M” + numéro. À la fin du XIXᵉ siècle (vers 1880-1900), la maison passe entre les mains de Georges BOIN et Émile TABURET (Maison BOIN-TABURET). 

Les appliques, lustres, bougeoirs et candélabres, qui permettent d’éclairer l’espace, se développent considérablement au cours du XVII^e siècle. Bien qu’existant déjà au XVIIe siècle, le terme “lustre” n’a été employé que tardivement puisque jusqu’au XVIIIe siècle dans les anciens inventaires, le lustre est désigné simplement par le terme chandelier. Leur raffinement témoigne du statut social de leur propriétaire. A la fin du XIXème siècle, les grandes maisons comme Barbedienne, Beurdeley, Christofle, ainsi que Boin-Masson / Boin-Taburet, se spécialisent dans les montures inspirées du XVIIIᵉ siècle mais réinterprétées selon le goût Second Empire. 

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Créateur et Marchand-Editeur
(attribué à)

Paire d’Appliques « aux Fleurs »

France
Circa 1890

Porcelaine, Bronze doré, Tôle peinte

Hauteur : 50 cm ; Largeur : 31 cm ; Profondeur : 14 cm

Paire d’appliques à deux bras de lumière en tôle, bronze doré et porcelaine peinte à rehauts dorés.
Composées chacune d’une demi-coupe à décor floral dans des cartouches sur fond pastillé rose, surmontée d’un bouquet formé de fleurs en porcelaine polychrome et de feuilles en tôle peinte. Elles reposent sur une petite console en bronze doré à motifs de feuilles et de fleurs.

Biographie

L’Escalier de Cristal, ancienne et célèbre maison parisienne, spécialisée dans la céramique et la verrerie, mais proposant également du mobilier, des bronzes d’art et d’ameublement, avait été reprise à partir de 1885 – jusqu’en 1923 – par les fils d’Emile Pannier, Georges et Henri, qui constituèrent Pannier Frères, à l’angle des rues Scribe et Auber, à côté du nouvel Opéra.
Leurs créations d’inspiration extrême-orientale étaient entre autres grandement appréciées du public et de la critique. La maison remporta de multiples récompenses et médailles aux différentes expositions, dont la médaille d’or à l’Exposition Universelle de Paris en 1900. Dans le domaine du mobilier influencé par l’Extrême-Orient, Majorelle de Nancy, Edouard Lièvre ou Gabriel Viardot collaborèrent également au succès des Frères Pannier. Certaines de leurs œuvres sont visibles dans les plus grands musées, tels que celui de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg, le Musée d’Orsay ou le Corning Museum of Glass de New York. La maison étant parfois propriétaire exclusive des modèles, ses meubles et objets décoratifs n’étaient souvent signés que par l’Escalier de Cristal, quelquefois à côté de la signature de l’artiste. Elle avait aussi un véritable rôle créateur en personnalisant ces œuvres par de superbes bronzes dorés, des plaques en émail cloisonné, des plaques de verre à décor japonisant ou incluant également des éléments japonais authentiques.

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Bronzier (1860-1905)
(attribué à)

Lustre « aux Papillons »

France
Circa 1890

Bronze doré, Cristal

Hauteur : 120 cm ; Diamètre : 77 cm

Lustre à dix-huit bras de lumière en bronze doré, richement orné de volutes, de perles et de pampilles en cristal taillé. L’ensemble est agrémenté sur le fût de trois figures féminines formant cariatides et de papillons en bronze doré sur les branches. En partie basse, une boule facettée décore l’ensemble. 

biographie

Henri Vian, bronzier actif dans la seconde moitié du XIXème siècle, réalisa de nombreuses ornementations d’intérieur : cheminées, vases à monture de bronze, lustres, balustrades… toutes de la meilleure qualité. Sa signature est habituellement en lettres cursives, avec l’initiale du prénom suivie du patronyme. Sur les œuvres tardives, seules les deux initiales h.V. y figurent. L’entreprise installée 5, rue de Thorigny à Paris (l’Hôtel Salé, actuel Musée Picasso), continua sous la direction de Madame Vian après le décès de son époux en 1905

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Bassin à Lotus

Japon
Circa 1720-1750

Porcelaine, Bronze doré

Hauteur : 52 cm ; Diamètre : 56 cm

Important bassin à lotus à décor polychrome rouge fer, bleu cobalt et or, dit de la gamme Imari Kinrande. Formé en deux parties, le bassin et le piédouche, le tout décoré de fleurs stylisées, pivoines et chrysanthèmes, encadrées de cartouches rectangulaires sur fond à treillis hexagonal, typique de la période Edo (1603-1868). L’intérieur, émaillé de blanc, est percé d’un trou d’évacuation central, indiquant une fonction initiale de bassin à lotus. Le tout repose sur un socle en bronze doré et ciselé, français de la fin du XIXe siècle.

Biographie

La porcelaine d’Imari est un style de céramique né vers 1600 dans la région d’Arita (有田町), cité de potiers de l’île de Kyūshū, au Sud du Japon.
 Selon la tradition, c’est un coréen du nom de Ri Sampei, installé dans la région, qui exploita un gisement de kaolin situé au pied de la colline de l’Izumiyama. Il réussit la fusion du kaolin, vers 1400 °C, pour obtenir de la porcelaine semblable à celle des Chinois mettant fin à un monopole qui était vieux de plus de sept siècles. Cette porcelaine se caractérise par un décor utilisant trois couleurs: le bleu de cobalt, le rouge de fer et le fond blanc de la porcelaine, l’ensemble étant réhaussé d’or. Elle présente surtout des motifs floraux et a été appelée « Imari » du nom du port de l’île de Kyùshù, d’où elle était exportée, à quelques kilomètres d’Arita. Ce sont les difficultés d’approvisionnement en Chine (dues aux troubles politiques au XVIIe siècle) qui incitèrent les occidentaux à trouver d’autres sources de production et c’est ainsi que les Hollandais, avec leur Compagnie Orientale des Provinces-Unies, importèrent du Japon, les premiers Imaris. Ces porcelaines étaient exportées à destination des élites européennes — rois, princes, nobles et grands marchands — qui les collectionnaient comme symboles de richesse, de raffinement et d’ouverture au monde.

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Bronzier (1815-1903)
(attribué à)

Centre de table aux Marmottes

France
Circa 1840

Bronze doré

Hauteur : 39,5 cm ; Diamètre : 32,5 cm ; Socle : 30 x 30 cm

Élégant centre de table d’époque Louis-Philippe, à riche décor en bronze ciselé et doré d’inspiration Renaissance. Formé d’une coupe à décor d’entrelacs doublée d’un bassin en zinc reposant sur un piédouche à décor de palmettes autour duquel tournent 3 marmottes posées sur des enroulements, prolongé par 3 médaillons à l’imitation de cuir découpé centrés d’un cabochon pouvant accueillir des armoiries ou un monogramme. L’ensemble se termine par une base tripode décorée de guirlandes de fruits et finissant par des enroulements feuillagés.

Le dessin de ce centre de table, de grande qualité, est attribué à Michel Liénard (1810-1870), qui collabora de manière régulière avec Guillaume Grohé, de 1839 à 1855 environ. Parmi ses commanditaires, on compte l’orfèvre François-Désiré Froment-Meurice (1802-1855) notamment pour la toilette de la duchesse de Parme conservée au Musée d’Orsay, et le facteur d’orgues Aristide Cavaillé-Coll (1811-1899). Ce dessinateur et sculpteur de grand talent fut décoré de la Légion d’honneur en 1851.

Contexte historique et artistique

Les centres et nefs de tables sont présents en France dès le Moyen-âge afin de présenter les épices et autres condiments rapportés des lointaines contrées du pourtour méditerranéen ou issu du commerce des routes de la soie.

L’importance de leur présence sur les tables prestigieuses sera confirmée tout au long des arts décoratifs, évoluant au cours du XIXème siècle en surtout de table, devenant un élément central de décoration. 

Biographie

Guillaume Denière (Paris, 1815-1903) est l’élève du célèbre ornemaniste Aimé Chenavard (1798-1838) et de l’architecte Henri Labrouste (1801-1875). En 1844, Denière succède à son père, établi depuis 1804, au 15 rue Vivienne à Paris. L’entreprise est alors très prospère et quatre cents ouvriers travaillent à satisfaire les nombreuses commandes du roi Louis-Philippe et de la haute bourgeoisie. Il exécute des bronzes d’ameublement, des candélabres, des pendules ainsi que des surtouts de table. Il collabore avec de nombreux artistes parmi lesquels Carrier-Belleuse (1848-1913) et Constant Sévin (1821-1888). Il livre plusieurs pendules (Génie de Arts, Liseuse et chien) pour le palais des Tuileries en 1852 ; ainsi qu’une pendule « globe » à cadrans tournants pour le Grand Salon du Château de Bagatelle. Ses centres de table, au style souple et vigoureux, comme en témoigne le surtout du Duc d’Orléans (1842), sont alors salués par la critique. Ses œuvres sont très souvent remarquées aux Expositions Universelles, à tel point que l’Empereur Napoléon III lui achète à l’exposition parisienne de 1867 une garniture de cheminée. Sa renommée s’étend à travers le monde. Parmi ses plus prestigieuses commandes, Denière livre un spectaculaire surtout en bronze en 1854 à l’ambassadeur de Russie, Kisselef, et des bronzes décoratifs au Vice-Roi d’Egypte, Saïd Pacha en 1862 ainsi qu’au roi du Cambodge, Norodom 1er (Grilles de la Salle du Trône).

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Manufacture de Cristal
(attribué à)

Lustre en cristal

France
Circa 1825

Cristal, Bronze doré

Hauteur : 77 cm ; Diamètre : 48 cm

Élégant lustre en cristal taillé et facetté à six bras de lumières. Il se compose d’une coupe à décor de palmettes sur fond quadrillé, ceinte d’une couronne en bronze doré à décor alternant de fleurettes et tête de faune sur fond feuillagé. Il est suspendu par trois chaînes articulées à enfilage de cristaux, le tout rattaché à un plafonnier en bronze doré en forme de couronne. L’ensemble est agrémenté de nombreuses pendeloques en cristal.

Entre 1764 et 1860, à de rares exceptions, la Cristallerie de BACCARAT ne signe pas ses œuvres. Les premières étiquettes en papier apparaissent en 1860 et représentent à l’intérieur d’un cercle, une carafe entourée d’un verre à pied et d’un gobelet au-dessus desquels est marqué BACCARAT.  A partir de 1875, la marque « BACCARAT » en lettres bâton et en relief est présente sur certains modèles soufflés et sur les parties en bronze des montures. C’est à partir de 1936 que la carafe entourée d’un verre à pied et d’un gobelet, avec « BACCARAT » marqué au-dessus, apparaît systématiquement sur l’ensemble de la production.

Biographie

La célèbre cristallerie de Baccarat, dont l’origine remonte au XVIIIe s., remporte sa première médaille d’or, à l’occasion de l’Exposition des Produits de l’Industrie de 1823, où elle est saluée pour « l’éclat et la finesse du cristal » et devient la première cristallerie de France. Baccarat est sans nul doute la seule industrie française qui est alors constamment et magistralement représentée au cours des différentes expositions auxquelles elle participe, remportant de ce fait les honneurs et prestigieuses récompenses. Un maître-mot, “la perfection de la matière et de la taille”, revient dans tous les rapports d’Expositions Universelles entre 1855 et 1867, où la cristallerie Baccarat domine par la qualité de son cristal, jugé supérieur à ceux de Bohême et d’Angleterre.

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Horlogers & Bronziers (Maison fondée en 1813)
(attribué à)                           

Applique « La Geisha »

France
Circa 1860

Bronze patiné, argenté et doré

Hauteur : 84 cm ; Largeur : 60 cm ; Profondeur : 42 cm

Grande applique japonisante à six lumières en bronze patiné à rehauts dorés et argentés, représentant une élégante jeune femme dans une tenue traditionnelle japonaise de Geisha, assise sur une branche d’un rosier du Japon dont les fleurs sont formées de corolles lumineuse, et tendant une rose de sa main gauche.

Biographie

La maison Raingo Frères, fondée en 1813 à Paris, s’installe vers 1830 au 8 de la rue de Touraine puis au 102 rue Vieille-du-Temple. Les quatre frères Raingo d’abord connus comme horlogers ajoutent des bronzes d’art et d’ameublement à leur catalogue en 1841. En 1860, cette maison fournit en bronzes l’Empereur et l’Impératrice et possède un grand nombre de pièces de collection. Spécialisés au départ dans la reproduction d’antiques, ils éditent ensuite des artistes contemporains, moulant un petit nombre de modèles. Les plus connus sont James Pradier (1790-1852), Albert Carrier-Belleuse (1824-1887) et Auguste Moreau (1834-1917).

Le Japonisme

A partir de l’ouverture du Japon en 1853 suite à l’intrusion de la flotte américaine, et plus particulièrement à partir des années 1860, l’engouement pour tout ce qui vient du Japon ou en imite le style gagne de nombreux pays occidentaux depuis la France et l’Angleterre. Ce mouvement, dit ‘Japonisme’, durera jusqu’au début du XXe siècle. Les siècles et décennies précédents avaient déjà connu un certain attrait pour l’exotisme qui s’épanouissait dans les milieux officiels, avec les chinoiseries ou turqueries du 18^e siècle ou bien l’orientalisme du XIXe. Le ‘Japonisme’, lui, est développé par des artistes en quête d’expressions nouvelles : formats, couleurs, dessin, et perspective sont réinventés. Les arts décoratifs, tout comme la peinture, puisent dans ces nouvelles sources d’inspiration des motifs qui viennent renouveler leur répertoire. 

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Editeur de mobilier et d’objets d’art
(Maison active de 1799 à 1885)
(attribué à)

Porte-lettres mural

France
Circa 1860

Bronze, Verre, Miroir

Hauteur : 48 cm ; Largeur : 35 cm ; Profondeur : 13,5 cm

Charmant porte-lettres mural d’inspiration japonisante en bronze ciselé et doré aux montants géométriques à l’imitation de bambou. Le compartiment à lettres est composé de trois vitres en verre gravé de motifs floraux, et d’un miroir au fond.

Biographie

Alphonse Giroux et Cie, célèbre magasin de tabletterie et de curiosités situé à Paris, 7 rue du Coq-Saint-Honoré, dont l’activité s’étend du Consulat à la fin du Second Empire. Cette entreprise est créée par François-Simon-Alphonse, puis dirigée à partir de 1838 par ses deux fils Alphonse-Gustave (1810-1886) et André (1801-1879). C’est à l’Exposition des Produits de l’Industrie en 1834, que la maison Giroux, spécialisée dans la fabrication d’objets raffinés, obtient une médaille d’argent. Louis XVIII, puis Charles X se fournissent en cadeaux chez Giroux pour « les Enfants de France ». Exécutant peu à peu des petits meubles, ils apparaissent pour la première fois en 1837 sous la rubrique « Ebénistes » dans l’Almanach de Paris. Cependant, c’est Alphonse-Gustave qui donne véritablement de l’expansion à leur activité, comme en témoigne le rapport du jury de l’Exposition des Produits de l’Industrie de 1839, le récompensant d’une Médaille d’argent. Il figure alors au 1er rang des commerces de luxe. A. Giroux participe à l’Exposition Universelle de Paris en 1855, où il présente un bonheur-du-jour en tilleul, sculpté d’un décor naturaliste luxuriant, et que l’impératrice Eugénie achète pour son palais de Compiègne. A. Giroux transfère en 1857 sa boutique 43, boulevard des Capucines et y exerce jusqu’en 1867, date à laquelle il cède sa maison et son enseigne à son cousin Ferdinand Duvinage et Harinkouck.

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Bronzier (1815-1903)
(attribué à)                                                                

Coupe aux Amours

France
Circa 1870

Bronze doré et argenté, Cristal

Hauteur : 23 cm ; Longueur : 46,5 cm ; Profondeur : 34 cm

Belle coupe de forme ovale à bords évasés, en cristal gravé à décor d’entrelacs fleuris. Elle est enserrée dans une élégante monture ajourée en bronze ciselé et doré à décor végétal gravé prolongée d’un piédouche perlé. L’ensemble repose sur une base quadrilobée à gradins, sur laquelle sont assis deux amours atlantes en bronze argenté tenant un drapé, ornée d’un côté d’un cartouche monogrammé et de l’autre d’une palmette.

Biographie

Guillaume Denière (Paris, 1815-1903) est l’élève du célèbre ornemaniste Aimé Chenavard (1798-1838) et de l’architecte Henri Labrouste (1801-1875). En 1844, Denière succède à son père, établi depuis 1804, au 15 rue Vivienne à Paris. L’entreprise est alors très prospère et quatre cents ouvriers travaillent à satisfaire les nombreuses commandes du roi Louis-Philippe et de la haute bourgeoisie. Il exécute des bronzes d’ameublement, des candélabres, des pendules ainsi que des surtouts de table. Il collabore avec de nombreux artistes parmi lesquels Carrier-Belleuse (1848-1913) et Constant Sévin (1821-1888). Il livre plusieurs pendules (Génie de Arts, Liseuse et chien) pour le palais des Tuileries en 1852 ; ainsi qu’une pendule « globe » à cadrans tournants pour le Grand Salon du Château de Bagatelle. Ses centres de table, au style souple et vigoureux, comme en témoigne le surtout du Duc d’Orléans (1842), sont alors salués par la critique. Ses œuvres sont très souvent remarquées aux Expositions Universelles, à tel point que l’Empereur Napoléon III lui achète à l’exposition parisienne de 1867 une garniture de cheminée. Sa renommée s’étend à travers le monde. Parmi ses plus prestigieuses commandes, Denière livre un spectaculaire surtout en bronze en 1854 à l’ambassadeur de Russie, Kisselef, et des bronzes décoratifs au Vice-Roi d’Egypte, Saïd Pacha en 1862 ainsi qu’au roi du Cambodge, Norodom 1^er (Grilles de la Salle du Trône).

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Ébéniste (1830-1880)

Belle Commode

France
Circa 1880

Hauteur : 91 cm ; Longueur : 140 cm ; Profondeur : 48 cm

Belle commode en acajou, placage d’acajou flammé de style Louis XVI, ouvrant par trois vantaux surmontés de tiroirs agrémentés d’une riche et fine ornementation en bronze ciselé et doré de masque féminin, bouquetins et jeunes satyres parmi des rinceaux feuillagés et des pampres sur fond de bois noirci, ainsi que des frises d’oves, rubans et canaux. Elle est ornée de deux montants à colonne détachée à cannelures doublées de laiton finissant par des pieds toupie cannelés, et coiffée d’un dessus de marbre brocatelle d’Espagne.

Cette commode est inspirée d’un modèle très caractéristique d’Adam Weisweiler (1744-1820), l’un des plus illustres ébénistes du règne de Louis XVI. Celui-ci a conçu plusieurs variantes de ses modèles, dont une série de commodes à vantaux telles que la nôtre : façade tripartite, pieds toupie, panneaux de placage encadrés de baguettes de bronze, colonnes d’angles cannelées détachées, avec ou sans frise de bronze.

Œuvre en Relation

D’autres commodes de ce modèle sont conservées dans les plus grands musées du monde, dont une paire au Musée du Louvre. Ce modèle a également été réalisé avec des ornementations de panneaux de laque ou de vernis européen. Deux de ces commodes sont conservées au Metropolitan Museum of Art de New York (collection Wrightsman, 1977.1.12) et au Kansas City Museum.

Commode d’A. Weisweiler, 1788, conservée au Château de Compiègne

Biographie

Né au Luxembourg, Frédéric Schmit était un ébéniste spécialisé dans le mobilier en acajou et palissandre, et les meubles de fantaisie. Il exerça au 9 rue de Charonne à partir de 1856, puis en 1870, la maison devint provisoirement SCHMIT, ALAVOINE ET PIOLLET au 9 et 24 rue de Charonne. En 1874, elle devint SCHMIT ET PIOLLET au 20 rue de Charonne, puis emménagea au 22 à partir de 1876, puis devint SCHMIT SUCCESSEUR vers 1888 Il obtint une médaille d’or aux Expositions Universelles de 1878 et 1889. Vers 1878, la maison aborda la fabrication de meubles d’art.

Adam Weisweiler (1744-1820), ébéniste reçu Maître le 26 Mars 1778. Il s’établit rue du Faubourg Saint Antoine. Weisweiler fut l’un des grands maîtres du style Louis XVI. D’origine allemande, il est supposé avoir reçu sa formation dans l’atelier des Roentgen. Il vint en France avant 1777, date de son mariage dans la capitale. Il travailla essentiellement pour les marchands-merciers comme Daguerre, lequel revendait les œuvres de Weisweiler à la reine Marie-Antoinette. D’une très grande habileté technique, il développa un style très personnel en jouant sur les différentes matières comme la pietra-dura, le laque ou les plaques de porcelaine de Sèvres. Contrairement à la majorité des ébénistes, la Révolution n’affecta en rien sa production. Weisweiler travailla sous l’Empire pour la Reine Hortense. Une large partie de sa production se trouve dans les collections publiques comme le Louvre, le Musée des Arts Décoratifs à Paris, le Metropolitan Museum of Art à New York.

Bibliographie

P. Verlet, Le Mobilier Royal Français, Picard, Paris, 1990 ; Vol. I, plate XXIII, no.18.

D. Ledoux-Lebard, Le Mobilier Français du XIXe siècle, Dictionnaire des Ebénistes et des Menuisiers, Editions de L’Amateur, Paris, 1984, p.572.

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Bronzier
(attribué à)

Paire de Lustres

France
Circa 1900

Bronze, Verre

Hauteur : 120 cm ; Diamètre : 177 cm

Provenance : Ancienne Banque place de l’Opéra, Paris

Exceptionnelle paire de grands lustres en bronze patiné à rehauts dorés à 16 lumières externes et 8 internes. Ils sont composés d’une couronne à cannelures recevant des flammèches dorées, scandée de 8 bras de lumières feuillagés finissant par des binets à godrons et des bobèches perlées, enserrant une coupole en verre opaque centrée d’une étoile gravée se terminant par une pomme de pin. Elle est surmontée de médaillons ornés de rosettes alternant avec 8 photophores à verre gravé d’où partent 8 double-montants en bronze patiné agrémentés de feuilles d’acanthes, se rejoignant pour former un dais sommé d’acanthes et souligné de draperie festonnée. 

biographie

Lacarrière crée en 1825 une fabrique au 3 bis, rue Sainte-Elisabeth. Simple artisan, il se spécialise et excelle dans l’application du bronze dans les appareils d’éclairage. Il obtient dès 1834 une mention honorable, en 1839, une médaille de bronze et en 1844, une médaille d’argent pour un grand candélabre à pied triangulaire, préfigurant celui présenté à l’Exposition Universelle de Londres en 1862. Il participe également à la conception du lustre pour le théâtre de la Reine à Londres. De 1851 à 1870, il changea plusieurs fois de raison sociale.
Lacarrière, Delatour et Cie (actif en 1870) ont fondu et ciselé la majorité des lampadaires, candélabres et lustres de l’Opéra de Paris, dont celui de la salle, dessiné par Charles Garnier, l’architecte de l’Opéra, et modelé par Corboz. Lors de l’Exposition Universelle de 1878, le catalogue tient à rappeler que « leur exposition témoigne d’une grande habilité et d’un goût très pur dans les bronzes d’éclairage destinés à l’habitation privée ». En 1900, l’entreprise nommée Lacarrière et Cie fournit les quatorze monumentaux candélabres du pont Alexandre III, à Paris ; véritable tour de force à l’époque, puisque la plus importante de ces pièces pèse 667 Kgs, pour une hauteur de 4,50 m et un diamètre de 4,70 m.

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France
XXe siècle

Chêne, Cuir

Hauteur : 97 cm ; Longueur : 134 cm ; Largeur : 65 cm

Paire de fauteuils « transat » de forme courbée, en chêne et garniture en cuir havane. Ils sont dotés d’un système à crémaillère pour pouvoir régler l’inclinaison du dossier et augmenter le confort d’installation.

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Bronzier (Actif de 1853 à 1918)
(attribué à)

Paire de Cassolettes

France
Circa 1870

Granit, Bronze doré

Hauteur : 47,5 cm ; Largeur : 29 cm ; Profondeur : 24 cm

Paire de cassolettes de forme galbée à godrons saillants, en granit vert et bronze ciselé et doré d’inspiration Louis XV dans le goût rocaille. Le couvercle est sommé d’une prise en forme de grenade éclatée entourée de pommes de pins, raisins et grenades, le corps flanqué de larges anses à enroulements d’où émergent des roseaux et qui se rattachent au col bordé de feuilles et de palmettes. Ils reposent sur une base mouvementée et ajourée à décor d’enroulements feuillagés. 

Œuvre en relation

Vase en porphyre et bronze doré, vers 1750, Musée du Louvre, OA 5152
Provenant probablement de la collection du duc de Tallard que le marquis de Marigny proposa de vendre à la Couronne en 1778.
Reproduit dans « Les bronzes dorés français du XVIIIe siècle », Pierre Verlet, Picard, 1987, p.62

Biographie

La maison Millet T. fut fondée à Paris en 1853. Spécialiste de grand talent dans la reproduction de mobilier du XVIII^e siècle, Millet exécuta des meubles et des bronzes d’art de très haute qualité. Il fut l’un des très rares ébénistes à obtenir l’autorisation du château de Versailles pour réaliser la réplique du célèbre serre-bijoux de la reine Marie-Antoinette. Artiste de grand mérite, il obtint les plus hautes récompenses, telle la Médaille d’Or à l’Exposition Universelle de Paris en 1889 durant laquelle il expose pour la première fois, ou le Grand Prix à l’Exposition Universelle de 1900. Les archives photographiques montrent, parmi les vues d’atelier et de son magasin parisien, le stand de Millet à l’Exposition Universelle de Saint-Louis (Etats-Unis) en 1904. Le rayonnement de cette maison à l’international se fait alors par le biais de son antenne à New-York « Duryea and Potter » 469 fifth avenue, New-York. La Maison Millet subsista jusqu’en 1918.

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France
Circa 1870

Bronze argenté, Cristal 

Hauteur : 140 cm ; Diamètre : 75 cm 

Beau lustre d’inspiration Louis XVI de forme balustre, en cristal et monture en bronze argenté. Le fût central composé d’enfilages, est éclairé par 12 lumières indirectes et 12 bras de lumière finissant par des bobèches reposant sur des bassins feuillagés. Une couronne centrale, supportant d’élégants poignards en forme de cœur, est suspendue par des guirlandes de perles rondes et ovales en cristal facetté aux bras de lumière et en haut du lustre. De nombreuses pendeloques, prismes, fleurettes, poignards et gouttes dont certaines ambrées agrémentent l’ensemble qui se termine par une sphère facettée.

œuvre en relation

Le modèle de ces lustres est nommé « Marie-Antoinette » en hommage à la reine Marie-Antoinette (1755-1793) qui entreprit de réaménager le petit Trianon lors de son installation en 1777.

Lustre similaire se trouvant dans la Grande Salle à manger du Petit Trianon

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France
Circa 1880

Chêne

Hauteur : 228 cm ; Largeur : 96 cm

Rare paire de portes en chêne maillé sculptées en haut relief. Elles sont composées d’un encadrement de frises de canaux et ornées chacune de trois caissons moulurés à table saillante, décoré d’un médaillon centré d’acanthes, d’une rosette et d’une tête de lion. L’arrière de ces portes est également mouluré en écho aux caissons de l’autre face.

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Manufacture de Faïence (c. 1836-1847)

Service de table Japonisant

Angleterre
Circa 1840

Modèle n°2618

Faïence Imperial Stone

Charmante partie de service de table japonisant en faïence, composé de 10 petites assiettes, 2 plats sur pied carrés, 3 plats sur pied ronds, 2 plats sur pied rectangulaires, à décor polychrome rehaussé d’or représentant sur le bassin un bouquet de fleurs dans un vase et une boite à encens. Des fleurs et rubans s’épanouissent sur l’aile.

Commentaire

William Ridgway Son & Co était une manufacture de faïence située à Stoke-upon-Trent en Angleterre.  Travaillant d’abord avec son père et son frère, William Ridgway s’associa ensuite avec son fils Edward John Ridgway. Leonard Abington rejoignit la firme qui devint William Ridgway Son & Co. En avril 1847, William Ridgway se retira de l’affaire, Edward John Ridgway et Leonard J Abington continuant sous l’appellation Ridgway & Abington.

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Fabricant de mobilier (depuis 1819)

Ensemble de Salon

Estampillé et portant l’étiquette THONET WIEN sous l’assise

Autriche
Circa 1904

Fauteuils – Hauteur : 106 cm ; Largeur : 54,5 cm ; Profondeur : 55 cm
Canapé – Hauteur : 106 cm ; Longueur : 105,5 ; Profondeur : 53,5 cm
Guéridon – Hauteur : 74 cm ; Diamètre : 65,5 cm
Jette-habits – Hauteur : 137 cm ; Longueur : 130 cm ; Profondeur : 44 cm

Élégant ensemble de salon en bois courbé et cannage composé de deux fauteuils, un canapé, un guéridon et d’un jette-habits. Les fauteuils et la banquette ont des dossiers ajourés agrémentés de cinq perforations circulaires et de cinq barreaux verticaux, et un coussin à motifs géométrique couvre l’assise.
Le jette-habits est composé de trois traverses supérieures en dos d’âne, d’une tablette intermédiaire en cannage prolongée par des porte-parapluies aux extrémités, et enfin, d’un piétement finissant par des bacs métalliques servant à récupérer l’eau des parapluies ou des vêtements de pluie.
Ils sont accompagnés d’un guéridon selon le design de Josef Hoffmann et Gustav Siegel, au plateau et à la base circulaires reliés par quatre montants formés de double colonnes séparées par une sphère.

œuvre en relation

Les fauteuils et le canapé sont dérivés du modèle 511 édité par Thonet à partir de 1904, la banquette sous le numéro 2511, et le fauteuil sous le numéro 1511. Le jette-habits est quant à lui répertorié sous le numéro 11951

Biographie

Michael Thonet (1796-1871) est un ébéniste et industriel germano-autrichien repéré par le prince Clemens Metternich, chancelier d’Autriche, qui le fait venir en 1842 à Vienne, où il présente ses réalisations à l’empereur. Employé par Clemens List, le principal ébéniste viennois, celui-ci le recommande à l’architecte anglais du prince de Liechtenstein, et il se voit confier la réalisation du mobilier et du parquet du palais Liechtenstein. En juillet 1851, Thonet présente ses derniers meubles à l’Exposition Universelle de Londres où il reçoit la médaille de Bronze, contribuant à sa notoriété internationale. Devant l’affluence des commandes, il développe ses installations et achète sa première machine à vapeur. Une quarantaine d’employés travaillent dans l’entreprise quand il la transmet à ses cinq fils, dont un chimiste ; il continuera en réalité à la diriger jusqu’à sa mort.
Les expositions internationales développent encore les marchés, et Thonet augmente la production. Pour cela, il déplace en juillet 1856 l’usine à Koryčany, en Moravie et emploie 300 ouvriers et produit 200 meubles par jour.
En 1859 il décide de créer une nouvelle entreprise, et y développe la chaise n° 14 qu’il crée pour répondre à la commande d’Anna Daum, directrice du café Daum, qui rêve de « chaises pratiques, élégantes et peu encombrantes ». Les commandes s’enchaînent très vite, et Thonet décide de produire la n°14 en série ; elle deviendra son premier modèle industriel, portant même son nom. À sa mort en 1871, son entreprise compte six usines en Europe, qui alimentent un réseau commercial de 14 magasins de vente dans le monde, dont le 15, boulevard Poissonnière à Paris, qui deviendra le siège de Thonet Frères France. D’autres points de vente se trouvent dès cette époque à Chicago et à New York. Après 1945, le siège de Gebrüder Thonet se trouve à Frankenberg en Allemagne. En 1976, la branche autrichienne devient indépendante sous le nom de Thonet Wien. En 2006, la société allemande devient Thonet Gmbh.

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France
Circa 1840

Bronze patiné et doré

Hauteur : 88 cm ; Diamètre : 60 cm

Beau lustre en bronze patiné et doré ciselé d’époque Louis-Philippe (1830-1848). Douze bras de lumières à enroulements de feuilles d’acanthes, alternant avec des palmettes stylisées, éclairent la partie centrale, surmontée d’une couronne. Il est orné en partie basse de feuilles d’acanthe et se termine par une graine. L’ensemble est suspendu par six doubles tiges rattachées par des crochets à un plafonnier feuillagé.

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Bronzier (1815-1903)

Pendule « Cage »

Signée Denière Ft. de Bronzes/ A Paris

Caisse signée H. PICARD

France
Circa 1860

Bronze doré

Hauteur : 87 cm ; Largeur : 58 cm ; Profondeur : 24 cm

Grande et rare pendule cage de style Louis XVI en bronze ciselé et doré, de forme rectangulaire soulignée de frises de feuilles d’eau et de perles, à parois vitrées ornées de draperies à gland et feuillages enrubannés. Le cadran circulaire émaillé blanc à décor de guirlandes de fleurs indique les heures et minutes en chiffres arabes. Il est surmonté d’une cassolette flanquée de griffons tenant une guirlande de pampres dans leur bec. Le balancier est formé d’un masque d’Apollon rayonnant. Deux montants à enroulements de feuilles d’acanthe, de vignes et de corne d’abondance se terminant par des pieds en sabot encadrent la caisse, supportée par une sphinge ailée portant une guirlande de fleurs. L’ensemble repose sur un socle mouluré à décor de frises de postes finissant par des pieds en forme de cornes d’abondance.

Après près d’un siècle d’activité, l’entreprise Denière ferma ses portes et vendit aux enchères son stock lors de six ventes organisées entre février et décembre 1903, et donna à l’acheteur le droit de reproduire les modèles de l’entreprise. Le modèle actuel, décrit comme une « pendule à cage », fut acquis par François Linke lors de la troisième vente aux enchères tenue entre le 20 et le 22 octobre 1903, qui reproduisit ce modèle avec succès.

Pendule reprenant le modèle de Denière, provenant des archives photographiques de F. Linke

Biographie

Guillaume Denière (Paris, 1815-1903) est l’élève du célèbre ornemaniste Aimé Chenavard (1798-1838) et de l’architecte Henri Labrouste (1801-1875). En 1844, Denière succède à son père, établi depuis 1804, au 15 rue Vivienne à Paris. L’entreprise est alors très prospère et quatre cents ouvriers travaillent à satisfaire les nombreuses commandes du roi Louis-Philippe et de la haute bourgeoisie. Il exécute des bronzes d’ameublement, des candélabres, des pendules ainsi que des surtouts de table. Il collabore avec de nombreux artistes parmi lesquels Carrier-Belleuse (1848-1913) et Constant Sévin (1821-1888). Il livre plusieurs pendules (Génie de Arts, Liseuse et chien) pour le palais des Tuileries en 1852 ; ainsi qu’une pendule « globe » à cadrans tournants pour le Grand Salon du Château de Bagatelle. Ses centres de table, au style souple et vigoureux, comme en témoigne le surtout du Duc d’Orléans (1842), sont alors salués par la critique. Ses œuvres sont très souvent remarquées aux Expositions Universelles, à tel point que l’Empereur Napoléon III lui achète à l’exposition parisienne de 1867 une garniture de cheminée. Sa renommée s’étend à travers le monde. Parmi ses plus prestigieuses commandes, Denière livre un spectaculaire surtout en bronze en 1854 à l’ambassadeur de Russie, Kisselef, et des bronzes décoratifs au Vice-Roi d’Egypte, Saïd Pacha en 1862 ainsi qu’au roi du Cambodge, Norodom 1^er (Grilles de la Salle du Trône).

Henri Picard, doreur et bronzier, s’installa à Paris, au 6 rue de Jarente de 1831 à 1839 ; puis, au 10 rue de la Perle de 1840 à 1864. Il réalisa la dorure des Petits Appartements de Napoléon III au Palais de Louvre. Il exécuta des œuvres très diverses, comme un encrier Japonisant, ou des centres de table de style Pompéien. H. Picard gagna sa réputation pour la grande qualité de ses jardinières et garnitures de cheminée.

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Horlogers & Bronziers (Maison fondée en 1813)
(attribué à)

Paire de Chenets

France
Circa 1870

Bronze patiné et doré

Hauteur : 61 cm ; Longueur minimum : 101 cm ; Longueur maximum : 150 cm ; Profondeur : 20 cm

Grande paire de chenets et sa barre de foyer de style Louis XVI en bronze ciselé patiné et doré. Les chenets sont ornés de colonnes cannelées rudentées à asperge, surmontées de cassolettes flammées, devant lesquelles sont assis des Amours ailés ayant déposé leur carquois soufflant pour attiser la flamme. Ils reposent sur des pieds en forme de sabots de cervidé. La barre de foyer est ornée d’une frise ajourée d’entrelacs centrés de fleurettes.

Biographie

La maison Raingo Frères, fondée en 1813 à Paris, s’installe vers 1830 au 8 de la rue de Touraine puis au 102 rue Vieille-du-Temple. Les quatre frères Raingo d’abord connus comme horlogers ajoutent des bronzes d’art et d’ameublement à leur catalogue en 1841. En 1860, cette maison fournit en bronzes l’Empereur et l’Impératrice et possède un grand nombre de pièces de collection. Spécialisés au départ dans la reproduction d’antiques, ils éditent ensuite des artistes contemporains, moulant un petit nombre de modèles. Les plus connus sont James Pradier (1790-1852), Albert Carrier-Belleuse (1824-1887) et Auguste Moreau (1834-1917). Présente aux Expositions Universelles de 1862 à Londres et de 1867, 1878 et 1889 à Paris, elle remporte à chaque fois des récompenses, dont la médaille d’or en 1889.

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Ebéniste et bronzier
(1847-1919)

Pendule « Le Couronnement de la Science » 

Signée sur le cadran A. Beurdeley Paris
Mécanisme signé J LEFEBVRE FILS PARIS

France
Circa 1880

Bronze patiné et doré, Marbre

Hauteur : 55 cm ; Longueur : 58,5 cm ; Profondeur : 19 cm

Rare pendule de style Louis XVI en bronze ciselé patiné et doré au mercure et en marbre blanc. En forme de fronton cintré, elle est décorée par quatre Amours, deux portant une guirlande de fleurs soulignant le cadran, et deux autres se couronnant et symbolisant le couronnement de la Science. La base moulurée en marbre blanc, à double décrochement, est ornée d’un tore enrubanné, de frise de feuilles de chêne enrubannée et d’entrelacs, et repose sur six pieds boule aplatis.

œuvre en relation

En 1774, le bronzier Robert Osmond (1711-1789) imagine un premier modèle dit « à dessin d’architecture» illustrant  Le Couronnement de la Science. Également appelé Les Enfants de France, il est orné d’un putti couronnant une jeune fille dessinant avec un compas et livré à Versailles par Lépine, horloger du Roi depuis 1762, pour l’appartement de Madame Royale dans l’aile des Princes, le 28 décembre 1778.
Cette pendule est décrite dans l’inventaire consacré aux pendules de Versailles de 1787, dans le Cabinet de la Pendule des appartements du Roi à Versailles ; « 1. Une pendule de cheminée à chapiteau en bronze doré d’or moulu portée sur socle de marbre noir garni de frises à a grecque, les ornements de cette boette sont désignés par deux enfants assis sur l’entablement portant le chapiteau en forme de support, surmontée de deux génies dont l’un est couronné par l’autre, h. de 19 po. Sur 19 po ? 9 l. de large, par Charles Le Roy » 

Cette pendule s’inspire de la planche 77 du recueil de dessins d’Osmond intitulée Pièce à portail grande Architecture avec 1 génie, vers 1775

Un autre exemplaire de cette pendule par le bronzier Osmond, qualifié de pendule de cartonnier et plus proche du modèle exécuté par Beurdeley, et reproduit dans Vergoldete Bronzen P. Pröschel et H. Ottomeyer, Munich 1986, vol. I, page 229, fig. 4. 1. 9., est conservé au Musée Jacquemart André.

Biographie

Alfred-Emmanuel Beurdeley (1847-1919) fut, en 1875, le collaborateur, puis le successeur de son père, Louis-Auguste Beurdeley, l’un des principaux ébénistes du Second Empire, fabriquant essentiellement des meubles de style XVIII^e et désigné comme la « vedette » des expositions et le « préféré des familles royales et impériales ». Si Alfred réalisait le même genre de travaux que son père, il se distingua également non seulement comme un bronzier hors pair mais aussi comme l’un des plus célèbres collectionneurs d’art. Il participa brillamment à l’Exposition Universelle de 1878 où, comparé aux plus célèbres artistes de l’époque, comme Dasson, Grohé, Sauvrezy ou encore Fourdinois, il remporta la médaille d’or. Couronné de gloire, il ouvrit même une succursale à New York. En 1883, suite à sa participation très remarquée à l’Exposition Universelle d’Amsterdam, « Alfred Beurdeley, fabricant de bronzes d’art » était nommé au grade de Chevalier de l’Ordre National de la Légion d’Honneur ; il fut alors porté aux nues tant par le gouvernement que par la critique contemporaine. Sa dernière grande manifestation fut l’Exposition Universelle et Internationale de 1889 où le directeur n’hésitait pas à avancer dans son rapport que « le talent de M. Beurdeley s’impose de lui-même par la seule inspection de ses meubles ».

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Fabricant de luminaires (1855-1937)
(attribué à)

Suspension  « aux amours »

France
Circa 1890

Bronze doré, Albâtre

Hauteur : 50 cm ; Diamètre : 46 cm

Charmante suspension de style Louis XVI composée d’une vasque à godrons sculptée en albâtre cerclée d’une frise en bronze ciselé et doré sur laquelle sont allongés trois petits Amours ailés regardant vers le bas. L’ensemble est suspendu à un élégant plafonnier orné de feuilles d’acanthe et se terminant par une graine par trois chaines reliées à la vasque par des enroulements feuillagés.

Biographie

Henri-Antoine Beau (1855-1937), polytechnicien, entra dans le Corps des ingénieurs des Télégraphes puis comme associé de 1879 à 1880 dans la maison Lecoq et Beau, spécialisée dans le luminaire à gaz. De 1881 à 1898, la maison prit le nom de Beau et Bertrand Taillet, puis devint Henri Beau et Cie de 1898 à 1911. Sous son impulsion, la maison innova dans le domaine de l’éclairage électrique, et participa avec succès (« la maison Beau qui, en 1877, s’occupa de rendre pratique l’éclairage électrique » Rapport du jury international,  Classe 97 – Bronzes, Fonte et Ferronnerie d’art, Zinc d’art , Métaux repoussés  – Rapport de M. H. Vian, p. 39) aux Expositions universelles successives de 1878 à 1900, tout en contribuant à la construction des réseaux télégraphiques et téléphoniques de Paris.

Bibliographie

Le Bronzeland parisien, Un monde disparu, Sabine Lubliner-Mattatia, Les Indes savantes, 2022

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France
Circa 1860

Bois doré

Hauteur : 183 cm ; Socle : 66 x 66 cm

Provenance : Château d’Île-de-France

Exceptionnelle paire de porte-torchères de style Régence en bois sculpté et doré. Le fût en console autour duquel s’enroule un dauphin est richement décoré de rinceaux feuillagés, de coquilles, de chutes fleuries et d’un masque féminin. Il soutient un plateau circulaire à motifs de palmettes et d’acanthe, cerclé d’une frise d’oves.
L’ensemble repose sur un piétement tripode ornés de frises d’oves et de feuillages, à décor de trois dauphins adossés à un lambrequin et finissant par six pieds feuillagés.

Selon la définition du Dictionnaire de l’Académie, en 1696, la torchère est un « espèce de petit guéridon au fût élevé sur lequel on met un flambeau, une girandole, des bougies ».
Dans les dernières années du XVIIe et au XVIIIe siècle, ce meuble fut particulièrement prisé afin de soutenir candélabres et girandoles en verre ou cristal de roche destinés à illuminer les intérieurs ainsi que les somptueuses galeries comme la galerie des Glaces de Versailles pour laquelle furent livrées en 1769, en prévision du mariage du Dauphin, deux modèles de douze exemplaires chacun : l’un à figures d’enfants sculpté par François Toussaint Foliot ; l’autre à figure de femme sculpté par Pierre-Edmé Babel d’après les dessin de Jacques Gonduin, architecte du Garde-Meuble de la Couronne.

Galerie des Glaces – Château de Versailles

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Manufacture de Cristal

Paire de Candélabres en cristal

France
Circa 1870

Hauteur : 115 cm ; Diamètre : 53 cm

Belle paire de candélabres à dix lumières en cristal taillé de Baccarat. Le fût central de forme balustre éclaire à deux rangées superposées de six et trois bras de lumières à branches façonnées et torsadées, et est sommé d’une corolle éclairant à une lumière. L’ensemble est orné de nombreux octogones et prismes à dard en cristal.

Biographie

La célèbre cristallerie de Baccarat, dont l’origine remonte au XVIIIe s., remporte sa première médaille d’or, à l’occasion de l’Exposition des Produits de l’Industrie de 1823, où elle est saluée pour “l’éclat et la finesse du cristal” et devient la première cristallerie de France. Baccarat est sans nul doute la seule industrie française qui est alors constamment et magistralement représentée au cours des différentes expositions auxquelles elle participe, remportant de ce fait les honneurs et de prestigieuses récompenses. Un maître-mot, “la perfection de la matière et de la taille”, revient dans tous les rapports d’Expositions Universelles entre 1855 et 1867, où la cristallerie Baccarat domine par la qualité de son cristal, jugé supérieur à ceux de Bohême et d’Angleterre. 

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« La Balançoire » et «  Le Tir à l’arc »

France
XVIIIe siècle

Huiles sur toiles marouflées sur bois

Hauteur : 60 cm ; Longueur : 84 cm

Belle paire tableaux formant paire, l’un représentant des Amours jouant à la balançoire sur un tronc d’arbre, et l’autre des Amours tirant à l’arc et posant des pièges, le tout dans un décor champêtre.
Les tableaux sont ornés aux angles de rosettes dorées, et entourés d’un cadre à décor d’entrelacs.

Ces scènes d’Amours jouant sont caractéristiques des sujets charmants plébiscités au XVIIIe siècle en France, dont l’un des plus grands artistes est François Boucher (1703-1770).

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Manufacture de Faïence (1862-1904)

Service « aux Fables de la Fontaine »

Angleterre
Circa 1890

Faïence

Charmant service de table en faïence composé de 12 grandes assiettes et 4 assiettes à dessert réalisé en terre de fer.
De forme octogonale, chaque assiette illustre une Fable de la Fontaine comme L’Écrevisse et sa fille ; Le Cochet, le Chat et le Souriceau ; Le Cerf se voyant dans l’eau ; La Tortue et les deux Canards ; Les Deux Pigeons : La Grenouille et le Rat ; L’Hirondelle et les petits oiseaux : Le Lièvre et les Grenouilles ; Le Héron.

Ces créations fabriquées et décorées en Angleterre étaient importées en France puis distribuées par le Grand Dépôt de Porcelaines et Faïences situé au 21 rue Drouot à Paris.

Commentaire

La terre de fer est une céramique en faïence fine proche de la porcelaine à laquelle sont mêlés du feldspath et du kaolin, pour la rendre plus blanche et plus résistante.

Thomas C. Brown-Westhead, Moore & Co. était un fabricant de porcelaine, de faïence, et majolique victorienne innovante de haute qualité et d’articles sanitaires à Cauldon Place, Stoke-upon-Trent en Angleterre à partir de 1862 jusqu’en 1904.

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Manufacture de Porcelaine

Coupe Art Nouveau

Bohême
Circa 1900

Porcelaine

Portant le cachet Royal Dux et numérotée 1252

Hauteur : 61 cm ; Longueur : 50 cm ; Profondeur : 28 cm

Grande coupe en porcelaine émaillée à rehauts dorés, représentant une nymphe assise sur une coquille telle un navire voguant sur les flots, soutenue par deux figures masculines émergeant de feuilles d’arums et nénuphars, l’un en proue tenant une conque dans les mains.

Biographie

Fondée en 1853 dans le nord de la Bohême à Dux près de Prague initialement pour produire des objets utilitaires, la manufacture fut rachetée en 1862 par Eduard Eichler (1830-1887), un artiste reconnu, ce qui marqua le début de sa prospérité. Mais c’est à partir de 1898, à la suite de son installation à Berlin, que des œuvres de qualité remarquable furent produites. Autour de 1900, cette importante manufacture réalisait des vases, des figurines, souvent des sujets féminins, dans des décors exubérants de fleurs, de feuilles sur des socles de coquillage, de fontaine… La porcelaine était laissée sous forme de biscuit, dorée ou peinte, souvent en vert. Pendant la période Art nouveau, l’entreprise connut le succès grâce à sa collaboration avec des artistes de renom tel le modeleur-décorateur Alois Hampel. La manufacture est encore en activité de nos jours.

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France
Circa 1870

Bronze patiné et doré

Hauteur : 78 cm ; Base : 14,5 x 14,5 cm

Belle paire de vases de forme amphore de style Louis XVI en bronze doré et patiné canon de fusil. Le col, orné de cannelures torses, est surmonté d’un bouquet composé de trois bras de lumières ornés de feuilles d’acanthe et branches de pavots fleuris. La panse est flanquée de deux anses à enroulements sur lesquelles sont assis deux enfants tritons tenant entre leurs mains une guirlande de fleurs. Ils reposent sur un piédouche décoré de feuilles d’acanthe cerclé d’une frise de perle, finissant par une base carrée et moulurée à décor de godrons feuillagés.

Œuvres en relation

Cette paire de candélabres est inspirée d’un modèle de vases-candélabres attribués au célèbre bronzier Pierre Gouthière (1732-1813) et conservés au Musée du Louvre à Paris.

Paire de vases-candélabres attribués à Pierre Gouthière (Bronzier, 1732-1813) datée vers 1770 et conservée au Musée du Louvre, OA 5169 1 et 2. Une paire similaire est conservée au Getty Museum de Los Angeles (inv. 72.DF.43)

Biographie

Le bronzier Pierre Gouthière (1732-1813) épousa la veuve de François Ceriset et reprit l’atelier de ce dernier en 1758. Protégé par le duc d’Aumont, qui lui commande plusieurs œuvres, il obtint de travailler pour les prestigieux dans l’administration des Menus-Plaisirs du roi. La qualité artistique et technique de ses œuvres (il fut l’inventeur de la dorure au mat, qui donnait au bronze l’apparence de l’or), lui valut de compter parmi sa clientèle la reine Marie-Antoinette, Madame Du Barry ou encore le comte d’Artois. Il fut le maître de Pierre-Philippe Thomire, autre bronzier de génie. S’il connut une très grande renommée, il mourut dans la misère. Peu de ses œuvres ont subsisté jusqu’à nos jours. Elles sont aujourd’hui conservées dans les plus grands musées : le Louvre, la Wallace Collection, le Philadelphia Museum of Art, ou encore la Frick Collection. 

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France
Circa 1880

Porcelaine, Bronze doré

Hauteur : 67 cm ; Diamètre base : 13,5 cm  

Belle paire de vases gourdes montés en lampes, en porcelaine bleu poudrée et monture d’inspiration Louis XVI en bronze ciselé et doré. Le col étriqué est orné de feuilles d’acanthe soulignées d’une frise de perles, et deux anses feuillagées s’épanouissent sur la panse. Ils reposent sur une base en bronze doré à décor de feuillage et de rosettes.

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France
Circa 1870

Bronze 

Hauteur : 116 cm ; Diamètre : 66 cm

Rare lustre néo-gothique en bronze patiné à rehauts dorés à six lumières. Le fût architecturé de forme hexagonale est ajouré de croisillons quadrilobés, inspirés du répertoire décoratif de l’art gothique, et finit par des enroulements feuillagés. Les six bras de lumières sont rattachés à la couronne feuillagée. L’ensemble est suspendu au plafonnier par trois chaines ajourées.

Le dessin très architecturé et précis de ce lustre est à rapprocher des créations d’Eugène Viollet-le-Duc (1814-1879), qui en plus d’être un célèbre théoricien, était avant tout un architecte de premier plan dont le génie résidait dans ses qualités d’observation minutieuse des bâtiments médiévaux en vue de les restaurer (Notre-Dame de Paris, château de Pierrefonds…) ou de perpétuer leur style gothique dans l’architecture et les arts décoratifs.

Le style gothique a été remis à la mode par l’architecte Jacques Hittorf (1792-1867) avec les décors réalisés pour le couronnement de Charles X en 1824. Il connaît un grand succès auprès du public avec le succès d’œuvres littéraires telles que « Notre-Dame de Paris » de Victor Hugo en 1831 ou la pièce de théâtre d’Alexandre Dumas, « La Tour de Nesle » en 1832. Le mobilier suit également cet engouement, comme en témoigne le salon néo-gothique de la princesse Marie d’Orléans aux Tuileries, ou le cabinet néo-gothique du comte et la comtesse d’Osmond dans leur hôtel parisien.

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Manufacture de Cristal
(attribué à)                                          

V. Paillard                         

Bronzier (1805-1886)

Paire d’Appliques aux Médaillons

Signées V^OR PAILLARD A PARIS

France
Circa 1870

Hauteur : 77 cm ; Largeur : 41 cm ; Profondeur : 46 cm

Belle paire d’appliques d’époque Second Empire à huit lumières en bronze ciselé et doré à décor d’acanthes et de rosaces, surmontées d’un Amour musicien jouant de la flûte, et finissant en partie basse par un masque. Les huit bras de lumière torsadés et feuillagés, finissant par des binets à godrons et frises de perles, s’organisent autour d’un fût central orné d’un portrait de femme de profil dans un médaillon perlé et sommé d’un poignard en cristal. L’ensemble est agrémenté de nombreuses rosaces, prismes et pendeloques en cristal.

Biographie

Victor Paillard (1805-1886) est à compter parmi les plus grands bronziers français de la seconde moitié du XIX^e siècle. Il apprend la ciselure avec Jean-François Denière (1774-1866), puis ouvre dans les années 1830 sa propre entreprise “de bronzes d’art et d’ameublement”, installée n°105, boulevard Beaumarchais à Paris. Il fabrique d’abord des petits objets, puis des statuettes, des candélabres et des pendules, parfois de grandes dimensions. Il apparaît pour la première fois à l’Exposition des Produits de l’Industrie en 1839 et travaille pour les plus grands sculpteurs, tels Pradier, Barye ou Carrier-Belleuse.
Le succès ne se fait pas attendre, entre autres grâce aux Expositions Universelles de Londres en 1851 et 1862, et de Paris en 1855, 1867 et 1878, auxquelles il participe. Il y est célébré chaque fois pour la qualité de son travail. En exemple, John Burney Waring reproduit un miroir de Paillard dans son ouvrage de référence “Masterpieces of Industrial Art and Sculpture, 1862 (Plate 92)”, réunissant les plus belles œuvres de l’Exposition Internationale de Londres. Paillard est alors récompensé d’une médaille, et la “qualité exceptionnelle de son travail” est citée dans tous les rapports de jurys. Fait Chevalier de la Légion d’honneur, Paillard qui emploie une centaine d’ouvriers propose à sa clientèle plus de quatre cents modèles en bronze. Il ne se contente pas de réaliser les modèles des autres sculpteurs, mais crée également les siens, comme en témoignent ses figures de jeunes enfants et de chérubins alors très prisés, qui ornent pendules, vases et torchères. Remportant un franc succès aux Expositions Universelles de 1862 et 1867, ces amours symbolisent d’après Burney Waring “le bonheur et l’innocence de l’enfance”.

La célèbre cristallerie de Baccarat, dont l’origine remonte au XVIIIe s., remporte sa première médaille d’or, à l’occasion de l’Exposition des Produits de l’Industrie de 1823, où elle est saluée pour “l’éclat et la finesse du cristal” et devient la première cristallerie de France. Baccarat est sans nul doute la seule industrie française qui est alors constamment et magistralement représentée au cours des différentes expositions auxquelles elle participe, remportant de ce fait les honneurs et de prestigieuses récompenses. Un maître-mot, “la perfection de la matière et de la taille”, revient dans tous les rapports d’Expositions Universelles entre 1855 et 1867, où la cristallerie Baccarat domine par la qualité de son cristal, jugé supérieur à ceux de Bohême et d’Angleterre. 

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Manufacture de Cristal
(attribué à)

Coupe en cristal

France
Circa 1880

Cristal, Bronze

Hauteur : 15 cm ; Longueur : 42 cm ; Largeur : 25,5 cm

Élégante coupe ovale en cristal taillé à décor de palmettes stylisées sur fond quadrillé, reposant sur une monture en bronze à patine argentée représentant des branchages fleuris.

Biographie

La célèbre cristallerie de Baccarat, dont l’origine remonte au XVIII^ème s., remporte sa première médaille d’or, à l’occasion de l’Exposition des Produits de l’Industrie de 1823, où elle est saluée pour « l’éclat et la finesse du cristal » et devient la première cristallerie de France. Baccarat est sans nul doute la seule industrie française qui est alors constamment et magistralement représentée au cours des différentes expositions auxquelles elle participe, remportant de ce fait les honneurs et de prestigieuses récompenses. Un maître-mot, « la perfection de la matière et de la taille », revient dans tous les rapports d’Expositions Universelles entre 1855 et 1867, où la cristallerie Baccarat domine par la qualité de son cristal, jugé supérieur à ceux de Bohême et d’Angleterre.

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